Nueva cabecera: Rafa Cabrera

Hoy presentamos la nueva cabecera que acompañará a Ars Operandi durante la primera quincena del mes de octubre, obra de Rafa Cabrera, diseñador cordobés residente en la Costa del Sol, donde tiene su estudio, y al que agradecemos cordialmente su colaboración.

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View Basket, arte desde eBay

Desde Londres: Marina Mellado

View Basket, The Hayward Gallery, Londres

“Las reglas son muy sencillas. Coge una modesta suma de dinero, suficiente para disfrutar de unas buenas vacaciones, pero no para comprar un coche nuevo, y utilízala para adquirir obras de arte de vendedores del Reino Unido en eBay durante diez días. Espera a que las obras lleguen a la galería y organiza con ellas una exposición”. Con estas palabras, Tom Morton invita a todo aquel que visita en estos días la Galería Hayward de Londres a su controvertida y cuestionable, y por ello atractiva, propuesta, cuyas reglas, sin embargo, no son tan simples, o al menos no tan usuales. Así, como bien señala Morton, los comisarios suelen mostrar obras de artistas que poseen una reputación crítica y, para ello, cuentan con más de diez días para reflexionar e investigar acerca de sus futuras muestras. Además, no es habitual que adquieran obras de vendedores anónimos por Internet y aún menos que confíen en el correo ordinario para recibirlas. View Basket, en cambio, lo hace, y sin necesidad de trabar contacto con artistas, coleccionistas o mensajeros. Su registro es una página de “mi eBay”. Si la muestra evita las habituales responsabilidades institucionales no es, sin embargo, para cuestionar su reconocida necesidad, sino para preguntar por qué, bajo estas extraordinarias circunstancias, es posible su realización.

Durante el período de compra, las páginas de arte de eBay, en las cuales se adquirieron todas las obras de la muestra, recogían alrededor de 40.000 artículos puestos en venta por vendedores británicos. De ese número, Morton seleccionó sólo 100, siguiendo, además del criterio del precio, otro que hacía preferibles aquellas obras pertenecientes al espacio privado del hogar – y no al ámbito público de las instituciones de arte –, categoría que abarca desde el denominado arte folk al de los productos de una “tienda de segunda mano”, pasando por esculturas ornamentales, cómics originales coleccionados por fans de este medio, obras múltiples o editadas en serie y creaciones efímeras realizadas por artistas de renombre. Si el origen inmediato de estas obras es doméstico, debe recordarse, sin embargo, que detrás de cada una de estas piezas se halla la clave de por qué fue puesta en venta. Especular sobre la trayectoria social de estas piezas de forma individual resulta aquí innecesario, pero imaginar que la motivación de cada vendedor fue meramente económica es en sí un pobre acto de imaginación.

Obras de James Lee Byers, Paul McCaron, Bruce Connor, Richard Evans, Damien Hirst, David Hockney, Takashi Murakami, Carol Taylor, Lydia Turner y Andy Warhol, además de otros artistas anónimos

View Basket es una muestra acerca de orígenes y de metodología, si bien, en el inusual proceso de su creación, han emergido espontáneamente temas como el de la fama, la geometría, la fe, el sexo, el poder, la evolución o la risa como una forma de resistencia. Es posible que otro período de diez días navegando por eBay hubiera dado lugar a otro grupo de obras diametralmente opuesto al presentado en la muestra y portador de un mensaje completamentedistinto. Si es así, View Basket, en palabras de su comisario, “proporciona una micro-historia de la pasada semana, de un tiempo tan próximo que es posible que no nos hayamos dado cuenta de que ya ha pasado”.

Es, si se me permite la comparación, como asistir a una retrospectiva de obras de Joseph Beuys. Encontrarle significado corre por cuenta del espectador.

Fotografías: Marina Mellado

View Basket: Art bought online

Hayward Project Space

The Hayward Gallery, Londres

28 agosto – 28 septiembre 2008

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II Encuentro de Poesía Visual. Peñarroya – Pueblonuevo 2008.

Cascada. Obra de Alfredo Espinosa

La Poesía Visual o Poesía Experimental es una forma de expresión del lenguaje que se remonta al siglo IV a.c. En la actualidad es un lugar común en el que se aúnan la palabra, la imagen, la acción, el movimiento, el sonido, el color o la electrónica: Asistimos así a una nueva forma de expresión artística, minoritaria y apasionante y de una gran proyección social.

El Centro de Poesía Visual (C.P.V) de España, se crea en 2005 en Peñarroya-Pueblonuevo ,Córdoba, con la intención de documentar los avances de este lenguaje, clasificarlos y darlos a conocer al público. Así mismo el C.P.V activa estudios y tesis de investigación que sitúan el estado actual de la Poesía Visual , y como este lenguaje se está desarrollando en los sistemas de educación primaria y secundaria. Para ello en 2006 se celebró el I Encuentro de Poesía Visual con la participación de una quincena de especialistas y estudiosos que analizaron ¿Qué es la Poesía Visual? Y su situación actual en España. El 3,4 y 5 de octubre de 2008 se celebrará en Peñarroya-Pueblonuevo el II Encuentro de Poesía Visual. Los actos contarán con la colaboración del Ayuntamiento de esta ciudad , la Diputación de Córdoba y la Universidad de Córdoba.

En esta ocasión se mostraran las nuevas tendencias y formas de expresión de la Poesía Visual española. Autores y estudiosos como : Manuel Calvarro, Laura Calvarro, Seleka, Gustavo Vega, Emilia Oliva, Francisco Peralto, Rafael Peralto, Juan Crego, Patxi Serrano, Antonio Monterroso, Antonio Montesino, Bartolomé Ferrando, Catalina Ribera de la Rosa, Koke Vega, Antonio Martín Flores,. Juan Ricardo Montaña, Antonio Orihuela, Félix Morales Prado y Roberto Farona, mostrarán:

• Los antecedentes de la Poesía Visual.
• Nuevos rumbos de expresión de la poesía experimental.
• La Poesía Visual en las escuelas.
• El poema objeto. La revista objeto, el libro objeto.
• Exposiciones, que mostrarán lo que es un poema visual o una revista ensamblada.
• Conferencias, proyecciones, recitales acciones y perfomances.

Más información pinchando aquí.

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Comienza el Festival de Cine de Nueva York

Desde Nueva York: Fanelo Aguayo

La XLVI edición del Festival de Cine de Nueva York abrió sus puertas el pasado viernes con la proyección del largometraje francés The Class, dirigida por Laurent Cantet y ganadora de la Palma de Oro en el último festival de Cannes. Creado en 1963 por Amos Vogel y Richard Roud bajo el amparo de la Film Society of Lincoln Center, The New York Film Festival es una de las muestras más prestigiosas e influyentes en los Estados Unidos, y un destino muy apetecible para los trabajos creados fuera de sus fronteras. Fue aquí, por ejemplo, donde comenzaría a forjarse la leyenda internacional de Pedro Almodóvar, tras la proyección, en 1985, de ¿Qué he hecho yo para merecer esto?

En líneas generales, el hiperrealismo parece ser la tendencia más marcada de esta edición. Según apunta The New York Times, "se proyectará un elevado número de películas que podrían de alguna forma ser calificadas como semidocumentales o cuasi-documentales... En unas, gente normal, actores no profesionales se interpretan a sí mísmos. En otras, se han reconstruido acontecimientos históricos con fidelidad microscópica creando de esta forma una marcada sensación de inmediatez. En otras incluso se han utilizado refinados trucos técnicos para borrar la sensación de artificio y sumergir así al espectador en el ritmo sincopado y las ásperas texturas del devenir diario".

De los veintiocho largometrajes seleleccionados para la sección principal de esta edición, dieciséis ya fueron proyectados en La Croisette de Cannes, incluidos un buen número de ganadores: Entre les murs (Palma de Oro), Gomorrah de Matteo Garrone (Gran Premio), Ché, coproducción hispano- francesa dirigida por Steven Soderbergh (Mejor Actor para Benicio Del Toro), Hunger de Steve McQueen (Cámara de Oro por Mejor Primer Largometraje), Tulpan de Sergey Dvortsevoy (Prix Un Certain Regard). También se incluyen películas premiadas en otros festivales, como Happy-Go-Lucky de Mike Keigh, por la que la actriz Sally Hawkins obtuvo el Oso de Plata en Berlín, y The Wrestler, dirigida por Darren Aronofsky y ganadora del León de Oro en Venecia

España participa con tres películas. La primera, Tiro en la cabeza, coproducida con Francia - la particular interpretación a la basque que el director catalán Jaime Rosales hace de La ventana indiscreta - ha sido etiquetada ya en Nueva York como el largometraje más experimental del certamen. En segundo lugar, La mujer sin cabeza, coproducida con Argentina, Francia e Italia, ha creado un serio ambiente de expectación, dado que es la tercera y, para algunos, la más sólida obra firmada por Lucrecia Martel, considerada como una de las directoras más relevantes del llamado Renacimiento Argentino. Por último, tenemos a la hasta el momento exitosa en todos los sentidos Ché, cuyos derechos fueron adquiridos por una distribuidora nada más hacerse pública la noticia de su participación en el festival.

El Festival de Cine de Nueva York es un evento no competitivo, exento de galardones, y quizás gracias a ello, una gran puerta abierta al mercado cinematográfico norteamericano. Se trata de un festival concebido en buena parte para posibilitar la visión en los Estados Unidos de cintas extranjeras que, de otro modo, no encontrarían una sala comercial donde ser exhibidas. La asistencia de cinéfilos de a pie es muy elevada. Para muchas de las obras seleccionadas se trata de un momento de muy buena esperanza. El festival ha sido siempre considerado como un foro alternativo, con una audiencia entusiasta, ávida de nuevas sensaciones, abierta a códigos y propuestas diferentes a las ofrecidas por Hollywood, y un lugar donde los productores, arropados por la reacción de ese público receptivo, tienen más posibilidades de encontrar una distribuidora para el escurridizo territorio norteamericano.

Además de la sección de largometrajes, el festival contará con una serie de actos paralelos como conferencias, una seccion dedicada exclusivamente a la vanguardia, diálogos con algunos de los directores más importantes, y un homenaje especial al gran maestro nipón, Nagisa Oshima.

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Pieza del mes en el Museo Arqueológico

Hoy domingo 28 de septiembre, a las 13:00 horas, dentro del ciclo La pieza del mes, el Museo Arqueológico y Etnológico de Córdoba presentará una lápida funeraria hebrea recientemente hallada en las excavaciones llevadas a cabo en la zona del Zumbacón. Para ilustrar la presentación, intervendrá José Ramón Ayuso, profesor titular de Historia de Israel y del Pueblo Judío en la Universidad de Granada.

La pieza del mesMuseo Arqueológico y Etnológico de Córdoba
Plaza de Jerónimo Páez
Domingo 28 de septiembre de 2008, a las 13:00 horas
Entrada libre y gratuita a todos los ciudadanos de la U. E.

N. del E: La imagen es de carácter ilustrativo, no es la pieza que se presentará en el MAr.

Rothko en la Tate Modern: otros acercamientos

Desde Londres: Magdalena Madueño

La mayor exposición dedicada a las últimas obras de Mark Rothko (1903 - 1970), uno de los iconos del arte estadounidense de posguerra, abre sus puertas hoy 26 de septiembre – y hasta el 1 de febrero de 2009 –, en la Tate Modern de Londres. Centrada en la parte final de su carrera, entre 1958 y 1970, la muestra comprende alrededor de 50 obras, incluyendo pinturas y obras sobre papel.

Se trata de una oportunidad sin precedentes en la que se podrá experimentar el germen de la obra del norteamericano gracias a los dieciséis murales Seagram exhibidos. Por primera vez en la historia, los nueve murales de esta serie que la Tate poseía en la conocida Rothko room, se unirán a otros que provienen del Kawamura Memorial Museum of Art, de Japón, y de la National Gallery of Art, de Washington. El préstamo del museo japonés es más que destacable, teniendo en cuenta que es la primera vez que lo hacen desde que los murales llegaran a su colección a finales de los 80.

Encargados en 1958, los Seagram iban destinados a decorar el exclusivo restaurante Four Seasons, sito en Manhattan, en el por aquel entonces recién estrenado edificio Seagram – de ahí el nombre de la serie – , diseñado por Mies van der Rohe y Philip Johnson. Rothko construyó una plataforma en su estudio para crear una réplica del espacio en el que irían colocados los murales. Aunque el encargo original contemplaba sólo siete obras, el artista finalmente realizó treinta.

Los colores intensos y brillantes de sus primeros lienzos dieron paso al marrón, rojo oscuro y negro. Fue entonces cuando Rothko se percató de que el carácter melancólico de sus últimas creaciones requería un ambiente completamente diferente del que había sido encargado. El artista vio las pinturas Seagram como objetos de contemplación, que pedían silenciosamente la completa absorción del espectador.

Con sus campos de color “atrapados” en un espacio claustrofóbico, Rothko nos lleva a la Florencia renacentista, a la Biblioteca Medicea Laurenciana, diseñada por el genial Miguel Ángel Buonarrotti entre 1524 y 1527. En ella los vanos ciegos se “abren” a una atmósfera deliberadamente opresiva, casi hermética, como las obras de Rothko. Él mismo comentó en una ocasión que el artista italiano “consiguió justo el tipo de sentimiento que tengo actualmente. Hizo que el espectador se sintiera atrapado en una habitación en la que todas las puertas y ventanas están tapiadas”. Tras esta reflexión Mark Rothko decidió abandonar el encargo del restaurante neoyorquino.

Poco antes de su muerte en 1970, Rothko presentó nueve de los treinta murales en la Tate Gallery, alegando su profundo afecto por la colección, especialmente por el pintor británico Joseph Mallord William Turner. Mostrados, de acuerdo con los deseos del artista, en un solo ambiente, la sutileza de las capas de color emergen lentamente, revelando su carácter solemne y meditativo.

Aunque los murales Seagram se articulan como el eje central de la exposición, también podrán verse otras series destacadas de Rothko, entre las que se encuentran las pinturas Black - Form (1964), las realizadas en papel Brown on Grey (1969), y la última Black on Grey, realizada entre 1969 y 1970. El gran formato de estas obras se explica en las palabras de Rothko, que decían: “Me he dado cuenta de que históricamente pintar grandes lienzos tenía como fin la pompa y la grandiosidad. Sin embargo, la razón por la cual yo lo hago es precisamente porque quiero ser profundo y humano. Pintar una obra pequeña sólo te mantiene apartado del contacto con la realidad; mientras que cuando pintas a gran escala estás dentro de esa realidad. Es algo que no puedes controlar”.

La espiritualidad, la serenidad y la influencia existencialista características de Rothko, que se definió así mismo como “un hombre que se preocupa de la expresión de las emociones más básicas del ser humano: tragedia, éxtasis y destino”, promete estar presente en la exposición de la Tate Modern, llevada a cabo por Achim Borchardt-Hume, encargado del Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo del museo londinense.

Rothko

Tate Modern, Londres

26 de septiembre de 2008 – 1 de febrero de 2009

Horario:

De domingo a jueves de 10:00 a 18:00 h

Viernes y sábados de 10:00 a 22:00 h

Precio de la entrada:

12’50 £ (10’50 £ para estudiantes)

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Ars Operandi Videos: Equipo 57. Palacio de Congresos. Córdoba, 1994

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Ars Operandi inaugura un nuevo servicio que viene a llenar un vacío dentro la información y documentación sobre arte contemporáneo en nuestra ciudad. Se trata de Ars Operandi Videos, un canal que mostrará contenidos audiovisuales que tengan que ver con el ámbito de las artes plásticas en la ciudad de Córdoba. Videos documentales de exposiciones realizadas desde principios de los noventa, videocreaciones, y reportajes de exposiciones actuales conformarán el contenido de esta web que se podrá seguir, como habitualmente, desde las páginas de Ars Operandi. Además hemos creado un sitio específico para almacenar todos los documentos audiovisuales y facilitar así su consulta y/o descarga. Para ello los contenidos de nuestra web estarán disponibles de forma completamente libre, pudiendo ser copiados, redistribuidos o modificados sin necesidad de ningún tipo de licencia. La dirección es http://www.vimeo.com/arsoperandi. Para abrir fuego hemos empezado con un video que consideramos histórico: el reportaje visual que documenta la exposición celebrada en 1994 por Equipo 57 en el Palacio de Congresos de Córdoba y que significó el reencuentro artístico del equipo con su ciudad.

La muestra es una versión reducida de la producida por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y comisariada por Marta Gonzalez a finales de 1993 y significó el reconocimiento, la recuperación y puesta en valor de un colectivo que desempeñó un papel crucial en la historia del arte español de la segunda mitad del siglo XX por el modelo de actuación artística que propugnó y por la coherencia formal y conceptual de su obra. Formado por Juan Cuenca, Ángel Duarte, José Duarte, Agustín Ibarrola y Juan Serrano (a quienes puntualmente se unieron otros creadores), Equipo 57 estuvo en activo muy poco tiempo -desde 1957 a 1962- pero, a pesar de ello, su producción, tanto artística como teórica fue extraordinariamente fecunda.

Desde sus primeros proyectos en las galerías parisinas Le Rond Point o Denise René, este colectivo siempre complementó sus propuestas plásticas con la elaboración de manifiestos, artículos de prensa y textos teóricos en los que, entre otras cosas, expresaban sus preocupaciones por el devenir de la creación estética o reflexionaban sobre la función social del arte en el mundo contemporáneo. Desde la convicción de que es necesario superar la idea romántica de que el artista es un individuo dotado de cualidades especiales que le distinguen del resto de la sociedad, Equipo 57 apostó en todo momento por un trabajo colaborativo y multidisciplinar, buscando un diálogo entre las artes plásticas y otras manifestaciones expresivas como el diseño, la arquitectura o el cine.

Equipo 57
Palacio de Congresos, Córdoba
Del 4 de mayo al 5 de junio de 1994
Organizada por MNCARS
Comisariada por Marta González
Diseño de exposición Gerardo Delgado

Ten Years After

Vista de la galería Arte21

Tete Álvarez / Ars Operandi

Los aniversarios sirven para celebrarlos, y ya de paso, ejercitar algo la memoria. Nunca viene mal una flexión, mejor una inflexión, mejor una reflexión. Y es que si volvemos la vista diez años atrás y  observamos el panorama actual de las galerías de arte contemporáneo en Córdoba, vemos que éste resulta ahora un poco más esclarecedor. Hasta hace poco tiempo cualquier pasillo, zaguán, taberna o refectorio era considerado como galería de arte. Apenas había distingos entre espacios privados e institucionales. Estos últimos hasta exhibían sin pudor lista de precios plastificada. Lo de ahora no es que sea el edén pero ya son seis las galerías que se dan cita en la ciudad; empiezan a acudir a ferias, promocionan sus artistas, editan catálogos, forman parte indisoluble del tejido cultural de la ciudad. Pero tantos años de erial aún resultan un pesado lastre. 

Comercialmente podríamos hablar de una generación perdida, aquella que tuvo que embalar sus cuadros y buscar el mercado allá donde se encontrase: artistas que por la calidad de su obra deberían ser referente en el mercado del arte en nuestra comunidad. Además, la crisis galerística de los ochenta -cierre de Atrium, Juan de Mesa, Num, Manuela, Art-Cuenca- que duró hasta finales de los noventa, no favoreció la existencia de una tradición coleccionista de arte contemporáneo en nuestra ciudad. Las escasas colecciones privadas proceden más de la relación de amistad con los propios artistas que de compras realizadas en los establecimientos que se dedican a ello. Y es que no olvidemos que la razón de ser de una galería es la venta de obras de arte. Y si este precepto falla, el castillo de naipes se desmorona. ¡Felicidades Arte 21!

La galería Clave inaugura temporada

Redacción / Ars Operandi

El próximo viernes 26 de septiembre, la galería Clave comienza la temporada 2008 - 2009 presentando dos exposiciones individuales de dos artistas de muy diferentes lenguajes plásticos pero con una visión común ácida e irónica de nuestro entorno. Hasta el 15 de noviembre podremos contemplar las esculturas de Carlos Tardez junto a dibujos de Zaza Papizde, autores ambos que se mueven por campos de una figuración muy personal, con sólidas bases técnicas e históricas, particularmente en el caso de Papizde. 

Carlos Tardez (Madrid 1976), perteneciente a las últimas generaciones de creadores salidos de la Escuela de San Fernando, ha realizado numerosas exposiciones colectivas y cuatro individuales. En su trabajo alterna la pintura con la escultura, presentando en esta ocasión una serie de figuras policromadas en diversos materiales, dispuestas en diferentes actitudes, cómicas y críticas, integradas en elementos descontextualizadores, en una escenografía muy peculiar. Por su parte, Zaza Papizde (1968) es georgiano. En Tiblisi estudió Bellas Artes y al finalizar los estudios académicos se trasladó a España. Es un pintor de gran formación técnica y amplios recursos. Sus obras recrean un particular imaginario que entronca tanto con El Bosco como con planteamientos más expresionistas con ecos de Weimar, en la cruda representación de algunos personajes. Todo ello en paisajes vagamente ingenuos. La galería Clave, recientemente instalada en Córdoba, es poseedora de una dilatadísima trayectoria profesional, en su ciudad de origen, Murcia, y recala ahora en Córdoba con la intención de fomentar el coleccionismo privado. 

Damien Hirst, ¿héroe o villano?

Desde Londres: Magdalena Madueño

Tras la pionera subasta de dos días en Sotheby’s de lo nuevo de Damien Hirst, sólo hay una cosa clara: el artista ha cosechado un triunfo espectacular. A pesar de la recesión que está atravesando la economía mundial, el artista de Bristol consiguió recaudar más de 140 millones de euros el pasado lunes gracias a sus animales inmersos en formaldehído, collages de mariposas muertas y colillas de cigarros. Pero lo que la venta significa realmente para sus coleccionistas y para el mercado del arte es todo un enigma.

En el mercado del arte de élite, donde los récords han estado subiendo y bajando durante años, el listón es tan alto que nada es lo que parece ser. El pasado año Hirst ya vendió la obra de arte contemporáneo más cara del mundo, For the love of God, una calavera humana realizada en platino y cubierta de diamantes. Sin embargo, se supo que él formaba parte del consorcio que compró la obra en cuestión por unos 6.35 millones de euros.

En la subasta de la tarde del lunes 15 de septiembre un colorido tríptico con mariposas llamado Heaven can wait se vendió por casi 1.1 millones de euros, un remate muy superior a los 635.000 € que se estimaron en principio. El comprador que marcó el paso de la noche fue Jay Jopling, fundador de la galería White Cube de Londres, que lleva a Damien Hirst. ¿Un hecho fortuito o premeditado?. La respuesta está en el aire, sobre todo teniendo en cuenta que tanto White Cube como la Gagosian Gallery de Nueva York se perfilaban como las grandes perdedoras de la decisión de Hirst al ofrecer sus obras al mercado abierto y desencadenar una bajada considerable de las ventas. Sin embargo, según ha informado un portavoz de White Cube al periódico The Times, Jopling pujó por 20 de los 56 lotes que se vendieron el lunes y también estuvo la noche del martes 16.

Entre las exitosas pujas de White Cube se encuentra un retrato, Young Damien, que dobló su precio inicial (635.000 €) y Here today, gone tomorrow, un armario repleto de raspas de pescado (3.746.983 €). White Cube ayudó a inflar el precio de la mayor sorpresa de la noche, un armario de acero con diamantes manufacturados, estimado en más de dos millones de euros y vendido por casi siete a un anónimo de origen ruso que pujó por teléfono.

La casa de subasta ha sido felicitada a lo largo de la semana pasada por vender hasta la última pieza que ofrecía. Su estrategia dependió de los mercados emergentes de Rusia, India, China y Oriente Medio, que han añadido una profundidad sin precedentes a la piscina del mercado del arte. Uno de cada cinco compradores que estuvieron en la subasta del lunes eran nuevos en Sotheby’s, y uno de cada tres no había comprado arte contemporáneo con anterioridad, un patrón que se repitió el día 16 de septiembre.

Con una recaudación total de más de 140 millones de euros en el bolsillo - menos el 40% que debe entregar a la Hacienda británica –, Hirst dijo “el futuro pinta bien para todo el mundo”. Ollie Barrer, el especialista de Sotheby’s que dirigió la subasta explicó que su equipo “estaba sorprendido por la respuesta del mercado del arte ante este evento. Es la primera vez que una institución como Sotheby’s trabaja con un artista vivo de esta manera y afortunadamente las expectativas han sido más que superadas”.

Pero la duda sigue planeando en el ambiente artístico londinense, ¿realmente el artista británico ha cosechado tanto éxito como parece o por el contrario le han ayudado sus socios?. Nadie se atreve a señalar a nadie, pero curiosamente el nombre de Jay Jopling sale de nuevo a la luz. Ni Sotheby’s ni White Cube Gallery se han manifestado al respecto.

Por el momento Hirst ya ha amenazado con repetir una subasta como Beautiful inside my head forever –de la que ya hablamos en Ars Operandi el pasado 25 de junio- en un futuro cercano. ¿Y quién proveerá las obras?, Frank Dunphy, manager de Hirst, quien ha dicho del artista que no hay quien le iguale en fama y productividad.

Declaraciones como estas han provocado un sinfín de reacciones. Muchos han tildado la estrategia de Hirst de egocéntrica y sensacionalista, otros sencillamente la han calificado como fantástica e innovadora. No obstante, el círculo que rodea al astuto Hirst ya ha contado que éste ha hecho dos generosas donaciones a ONG’s británicas relacionadas con la infancia. ¿Operación de marketing?. A todo esto hay que sumar las voces que apelan a Hirst para que salve los tizianos del Duque de Sutherland, un grupo encabezado por la periodista especializada en arte, Charlotte Higgins, quién escribió “¡Vamos Hirst, compra los tizianos del Duque para la nación!” en el diario The Guardian. De ser cierto, Hirst un hombre rico más allá de los sueños de muchos de los mortales, podría convertirse en un auténtico héroe nacional.

10.000 visitas

Ars Operandi llega hoy a sus primeras 10.000 visitas, un par de días antes de cumplir cuatro meses de existencia. Desde el primer momento hemos intentado publicar contenidos amenos y rigurosos, y establecer con ello un lugar de información y debate abierto a todos.

Un ejemplo de noticia de interés publicada en primicia por Ars Operandi ha sido la referente a la suspensión de Córdoba como sede de la Biacs3, cuya difusión ha suscitado un amplio debate en nuestras páginas y sobre todo, en las de e-sevilla.org. En dos días, las visitas a Ars Operandi han superado las 500.

Gracias a todos nuestros lectores. Con el concurso de todos esperamos a contribuir a formar una sociedad más informada y crítica, garante de su Patrimonio Cultural como herramienta del conocimiento pasado y futuro.

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Vandalismo en Eutopía08

El habitáculo o cámara oscura, desmantelado

La obra de Ximo Lizana Shadow Car instalada en la intervención Habitáculos, que como parte de Eutopía08 se exhibía en la Avenida de la Libertad (Vial Norte) ha amanecido destrozada en la mañana del 21 de septiembre. Inaugurada ayer día 20, la instalación pretendía presentar el vehículo como soporte interactivo, para lo que, por medio de una adecuada iluminación, utilizar "la sombra de los espectadores y los elementos que se acercan a su superficie para generar una interacción en la que el público pasa a ser artista y el artista sencillamente aporta los medios para que los espectadores vivan la experiencia creativa en primera persona ", tal y como aparecía en la cartela de la obra, hoy destrozada.

Cartela e información por los suelos

Lo cierto es que a media mañana de ayer sábado, apenas dos bombillas de la instalación estaban encendidas, insuficientes para crear el efecto en un habitáculo expuesto a pleno sol. La noche, lejos de servir para la fruición de la obra de Ximo Lizana, ha servido de cobertura para su destrucción. La instalación eléctrica ha sido arrancada, las bombillas ultravioletas y los focos robados, el coche destrozado y la carpa plástica que lo albergaba, hecha jirones.

Ximo Lizana (Huesca 1976), es un artista multidisciplinar que trabaja las nuevas tecnologías, autor de numerosas exposiciones y presente en importantes certámenes como la Bienal de Valencia, la de Venecia o Buenos Aires. Ha sido el primer artista en incluir robótica en una colección de arte contemporáneo (IVAM), así como en presentar un holograma a modo de escultura.

Instalación eléctrica arrancada

El capó y cristal del coche que formaba parte de la instalación, destrozado

Siniestro total

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La Biacs confirma la noticia adelantada por Ars Operandi

Redacción / Ars Operandi

La publicación –ayer– en Ars Operandi de la noticia de la exclusión de Córdoba como sede de la Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla, noticia que ha sido recogida por otros medios de comunicación, ha obligado a la Biacs3 a hacer público un comunicado oficial en el que "lamentan comunicar oficialmente la suspensión del Alcázar de los Reyes Cristianos de Córdoba como sede de la tercera edición de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla (Biacs3), cuya inauguración tendrá lugar los próximos 2 y 3 de octubre en Sevilla (Centro Andaluz de Arte Contemporáneo) y Granada (Palacio de Carlos V), respectivamente". Tanto la Fundación BIACS como el equipo de comisarios, encabezado por Peter Weibel,han agradecido públicamente el apoyo ofrecido por el Excmo. Ayuntamiento de Córdoba, "tanto económico como técnico y logístico, en beneficio de la ampliación de la Biacs3 a la ciudad andaluza". Los motivos que han causado la suspensión, afirman, "vienen derivados de la comunicación de la cancelación del patrocinio privado previsto para posibilitar la ejecución del proyecto expositivo en la sede del Alcázar de los Reyes Cristianos".

Las obras de los artistas que habían sido seleccionados en origen para esta sede, indica el comunicado, serán finalmente reubicadas en las otras dos sedes expositivas de la Biacs3, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo en Sevilla y el Palacio de Carlos V, en la Alhambra de Granada. Por último, la Fundación BIACS, "en su objetivo de afianzar la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla como uno de los eventos culturales de mayor rango y proyección de Andalucía, espera y desea poder contar con Córdoba como sede en futuras ediciones de la Bienal".

La Biacs no se celebrará en la sede de Córdoba

Publicidad de la Biacs3 donde aparece señalada Córdoba y el Alcázar como sede

 Redacción / Ars Operandi

Según fuentes cercanas a la organización a las que ha tenido acceso Ars Operandi, la Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla ha descartado definitivamente extender una de sus sedes a la ciudad de Córdoba. Según otras fuentes consultadas, la imposibilidad de llegar a un acuerdo, presumiblemente económico, con el Ayuntamiento de Córdoba ha obligado a la Biacs a tomar la decisión a escasos días de la inauguración de la muestra. Desde el gabinete de prensa de Biacs ni confirman ni desmienten la noticia y se limitan a señalar que no disponen de información al respecto. Lo cierto es que en la página oficial de Youniverse, titulo de esta tercera bienal, ha desaparecido todo rastro de la sede cordobesa. Hasta hace poco días la web mostraba información acerca del espacio elegido, el Alcázar de los Reyes Cristianos, e incluso un listado de artistas seleccionados por el el co-comisario Wonil Rhee. En esta lista figuraban trece artistas tales como el finlandés Charles Sandison con una instalación titulada First Draw, el alemán David Link con la instalación interactiva Loveletters_1.0 o el coreano Ai Ran Kang. .El propio comisario Wonil Rhee explicó en la presentación a la prensa que "la Biacs3 pretende reflejar el diálogo entre la cristiandad, el islam y la modernidad", y en el caso de Córdoba su proyecto estrella será un "intrigante" robot que escribe poemas de Góngora sobre el torso de un hombre. 

 

Logo de Youniverse con la sede de Córdoba desaparecida

En la presentación la organización explicó que en esta tercera edición de la Biacs “el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) será, como en anteriores ediciones, la sede oficial de la exposición, que también podrá verse en otros espacios públicos de la ciudad de Sevilla. Como principal novedad, la Biacs3 se abrirá a otras provincias andaluzas como Córdoba y Granada, con el fin de explorar los orígenes de la ciencia y la tecnología en el periodo de Al-Andalus, foco de innovación científica y punto de partida de la emancipación de las masas a través de la tecnología.” Concretamente en Córdoba la exposición “tratará de rememorar la escuela de la traducción, evocando a autores de culto como Luis de Góngora” afirmaban desde la organización de la muestra. La elección de Córdoba como una de las sedes de la Biacs3 estaba justificada por el comisario Peter Weibel por su legado árabe y por su significado como capital de Al Ándalus “en un momento clave de la innovación científica, un tiempo de confluencia y no de choque entre las tres grandes culturas: cristiana, musulmana y judía. Quiero volver a escribir la experiencia de Al Ándalus en el presente y el futuro. Utilizar la lección histórica y materializar la concordia entre las culturas a través de la tecnología”. La tercera edición de la Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla se celebrará en Sevilla y Granada desde el 2 de octubre hasta el 11 de enero y mostrará las propuestas de más de 150 artistas de todo el mundo que giraran en torno a la movilidad, la individualización a través de las tecnologías, la nanotecnología, la ingeniería hidráulica, la arquitectura y el medio ambiente.