Elogio de la sombra. Fernando M. Romero en el Hospital Real de Granada

He atrapado una sombra_01, instalación de Fernando M. Romero en el Hospital Real de Granada. Foto: Cortesía del artista

Tete Álvarez / Ars Operandi

El Centro de Cultura Contemporánea de la Universidad de Granada, a través de su Área de Artes Visuales, viene desarrollando una interesante programación de la mano de la artista y docente Belén Mazuecos. Exposiciones en La Madraza y el Hospital Real, proyectos como El vídeo en el aula o Escenas del Graffiti, seminarios, talleres de artistas y unos cuidadísimos programas didácticos  y divulgativos conforman una oferta que empieza a destacar dentro del panorama universitario andaluz. Tras las muestras individuales de Miguel Ángel Moreno Carretero, Chico López y la dedicada a los 14 años de Scarpia es el turno de Fernando M. Romero, egresado de la Universidad, quien vuelve a la ciudad para repasar los últimos años de su trayectoria artística. Un tiempo especialmente fecundo para el artista cordobés que lo ha llevado a realizar más de treinta exposiciones individuales y colectivas en los últimos cinco años en galerías, ferias y salas institucionales del panorama nacional e internacional.

He atrapado una sombra_02, instalación de Fernando M. Romero en el Hospital Real de Granada. Foto: Cortesía del artista

La propuesta que presenta en el Crucero del Hospital Real muestra un recorrido por las principales estrategias de las que se nutre para explorar, desde un enfoque interdisciplinar, la distancia existente entre la realidad y sus registros. Fotografía, pintura, instalación y video conforman un bucle en la producción de Fernando M. Romero mediante el que intenta desvelar los mecanismos que intervienen en nuestra percepción de la realidad. De su interés por expandir la pintura y hacerla colisionar con otros medios dan buena cuenta He atrapado una sombra 01 y 02, las obras que ocupan el espacio central del Crucero. Tanto en una de sus ya clásicas intervenciones mediante cinta adhesiva, la más monumental hasta el momento, como en la otra pieza, una aguda puesta en escena sobre la representación, el registro y la memoria, se hacen evidentes esa confluencia de intereses de los que se nutre su obra reciente y que van desde cómo construimos y nos relacionamos con nuestra memoria a las teorías científicas acerca de la naturaleza de la luz y de nuestro conocimiento de la realidad. 

Fotografías de las series Grid_(Lacock Abbey) de Fernando M. Romero. Foto: Cortesía del artista

El trabajo que viene desarrollando Fernando M. Romero, en el que el proceso de construcción de las imágenes adquiere gran protagonismo, le ha llevado a indagar en los pioneros de la fotografía del siglo XIX, Fox Talbot, John Herschel, Clerk Maxwell, etc., en los que "confluían por un lado la vertiente científica y sus investigaciones sobre la naturaleza y el comportamiento de la luz y por el otro el deseo de fijar esa luz o ese momento más allá de lo pasajero. Hoy día la fotografía y lo visual han monopolizado nuestros recuerdos y la forma en la que construimos nuestra memoria". Fernando M. Romero acude al momento inicial en el que todas esas cuestiones se configuraron por primera vez en una forma concreta a través de los ensayos fotográficos y los primeros negativos de W. H. Fox Talbot. Anteriormente ya se conocía el funcionamiento de la cámara oscura, la reacción fotosensible de las sales de plata e incluso hubo avances como el fisionotrazo de Guilles Louis Chretien o los trabajos de Thomas Wedgwood para trazar o capturar siluetas a escala".

Fotografías de las series Et in Arcadia ego y Folded de Fernando M. Romero. Foto: Cortesía del artista

En 1835, Fox Talbot, con ayuda de John Herschel, logra fijar el primer negativo fotográfico de la celosía de su ventana. “He atrapado una sombra” fueron las palabras que usó al difundir su trabajo. Es este momento en el que se entrelazan fotografía, dibujo y pintura el que atrae a Fernando M. Romero como pintor, pues en estas sombras y siluetas encuentra una relación directa con el mito fundacional de la pintura, el mito griego de Butades en el que su hija trazaba el perfil de la sombra que proyectaba su amado en la pared antes de partir.  "Para mí atrapar una sombra", indica el artista, "significa hablar de la memoria, del recuerdo, de cómo reconstruimos todo eso. Lo único que podemos atrapar realmente es la sombra. La huella es lo único que podemos atrapar, pero lo atrapamos siempre a base de trampas".

He atrapado una sombra. Fernando M. Romero
Hospital Real de Granada
Hasta el 11 de abril

Equipo 57 y Pepe Espaliú en el 35 aniversario de ARCO

Un aspecto del stand de Rafael Ortiz en ARCO con obras de Equipo 57. Foto: Ars Operandi

Tete Álvarez / Ars Operandi

Madrid se convierte en estos días en la capital de todas las ferias de arte. Y es que, orbitando alrededor de ARCO, se contabilizan ya casi una decena de iniciativas que, atendiendo a diferentes segmentos de mercado, vienen a completar la oferta de la XXXV edición de la feria. Una edición con un tono marcadamente celebratorio que pretende reclamar el decisivo papel que ARCOMadrid ha desempeñado como dinamizador de la escena artística en el país. Como muestra de homenaje a las galerías que han recalado en ARCO durante estos 35 años, la organización ha invitado a 33 grandes firmas internacionales entre las que se incluyen nombres tan aquilatados como los de Lisson Gallery, Marian Goodman o Chantal Crouse. Los principales exponentes del arte contemporáneo en Córdoba, Equipo 57 y Pepe Espaliú, cuentan un año más con una importante presencia en la feria de la mano de sus galeristas habituales, Rafael Ortiz y Pepe Cobo. En el caso de Equipo 57 la presencia es doble; a la nutrida representación de obras que presenta Rafael Ortiz hay que sumar en esta edición los trabajos que se incluyen en el stand de la mítica galería parisina Denise René.

Obras de Vasarely y Equipo 57 en el stand de Denise René en ARCO. Foto: Ars Operandi

Denise René, que vuelve a Madrid para conmemorar el aniversario de la feria, es la histórica galería que albergó hace casi 60 años una de las primeras muestras individuales del colectivo formado por Juan Serrano, Juan Cuenca, Ángel Duarte, Agustín Ibarrola y Pepe Duarte.  Para su comparecencia en ARCO la galería francesa ha seleccionado Sín título KØ 43, un óleo sobre lienzo de 1958 realizado en Dinamarca que ya estuvo presente en la exposición retrospectiva de Equipo 57 en el MNCARS y que se exhibe junto a obras de Victor Vasarelly y a una escultura de varilla de acero perteneciente a la producción individual de Ángel Duarte. Por su parte, la galería Rafael Ortiz dedica gran parte de su stand a una recopilación de obras del colectivo de artistas. La muestra incluye óleos, gouaches, esculturas en piedra artificial, madera y acero, mobiliario, bocetos y prototipos que son exhibidos con una disposición propia de un gabinete de coleccionista. Rafael Ortiz reclama con su apuesta la "permanente actualidad" de una obra que, a medida que pasa el tiempo, "sigue creciendo en reconocimiento tanto a nivel nacional como internacional".

Obras de Miroslaw Balka y Pepe Espaliú en el stand de Pepe Cobo en ARCO. Foto: Ars Operandi

La obra de Pepe Espaliú vuelven un año más a ARCO de la mano de su galerista, Pepe Cobo. El que fuera director de La Máquina Española, la galería que proyectó internacionalmente la obra del artista cordobés, presenta en la feria madrileña una selecta relación de autores que incluye nombres tan señalados de la escultura contemporánea como los del propio Espaliú, Juan Muñoz, Cristina Iglesias, Miroslaw Balka o Stephan Balkenhol. Pepe Cobo acude a este aniversario de ARCO con dos piezas de Espaliú, Sin título, una escultura de bronce y cuerda del 91 y Dentro de poco, una obra sobre madera que guarda especial recuerdo para el galerista ya que se mostró en la primera individual que realizó el artista cordobés en la galería sevillana en 1987. Cobo ha señalado a Ars Operandi que es notorio el interés que sigue suscitando la obra de Espaliú como demuestra el anuncio de una próxima exposición individual en el IVAM comisariada por dos especialistas en la obra del artista como son el crítico y comisario Juan Vicente Aliaga y el actual director del centro valenciano, José Miguel Cortés.

Trash, de Antonio Blázquez en el stand de ABC en ARCO. Foto: Cortesía del artista

Sin salir de ARCO y ya fuera del programa general encontramos la presencia del cordobés Antonio Blázquez,  seleccionado, junto a otros diez jóvenes artistas emergentes por el crítico y comisario Javier Díaz Guardiola para mostrar su procesos de trabajo en el stand de ABC. El periódico, que conmemora el XXV aniversario de su suplemento cultural, ha querido así dirigir su mirada hacia los artistas que, "tal vez, alcancen la cima por méritos propios en ARCO en el año 2041, dentro de otros 25 años". Durante los días de la feria los artistas seleccionados han realizado sus trabajos a la vista del público para conformar una obra que mantiene el formato y la cabecera del suplemento cultural. Antonio Blázquez ha usado para la ocasión el repertorio iconográfico que le es afín, con imágenes fotocopiadas extraídas de los medios e intervenidas mediante dibujos. Trash, la obra que presenta, es en palabras del artista "una pieza realizada con información del propio periódico, caras de personajes que han aparecido en estos últimos meses, recopiladas, sacadas de su contexto, reimpresas sobre papel rosa y convertidas en pequeñas bolas de papel arrugado". También en el espacio que ARCO dedica a los medios de comunicación, en el stand de RTVE, nuestro compañero Jesús Alcaide, ha formado parte de Ruido. Nieve, un proyecto del artista Eduardo Hurtado que pretende poner en primer plano "aquello que habitualmente está fuera de foco como el registro, la escenografía, el ensayo o el discurso audiovisual".

Un aspecto de las obras de Rafael Jiménez en el stand de Modus Operandi en JustMad. Foto: Cortesía de la galería

Al igual que sucede en las grandes ferias internacionales, alrededor del astro de ARCO giran ya, a modo de satélites, casi una decena de ferias. Desde las más veteranas como ArtMadrid hasta las recién llegadas como Drawing Room proponen todas una oferta complementaria a la feria madre prestando especial atención al arte más emergente. En JustMad, que celebra su séptima edición, el artista cordobés Rafael Jimenez presenta en el espacio de la galería madrileña Modus Operandi una colección de obras que forman parte de una investigación en proceso en la que reinterpreta mediante dibujos con plastilina bustos, retratos, piezas y objetos museísticos. trabajos recientes que delatan su interés hacia el pasado y nuestra identidad, "prestando atención a las diferencias entre los conceptos de historia y memoria y a la deformación y manipulación de ambos a través de la imagen".

Mapping me: Crecer también duele, obra de María Ortega Estepa. Foto: Cortesía de la artista

Por su parte, la artista María Ortega Estepa hace doblete en dos de las ferias madrileñas con obras en las que la naturaleza adquiere todo el protagonismo. En Room Art Fair, que se celebra en el Hotel Petit Palace Santa Bárbara, presenta obras como Cosmos. La Armonía en el stand de la galería Bus Station Space de Santiago de Compostela en una muestra comisariada por Jose Luis Rey Barreiro. Por otro lado en We are fair y de la mano de la galería Millano Art Studio se pueden contemplar obras de la artista cordobesa de la serie Mapping-me.

Un_folded_01, políptico fotográfico de Fernando M. Romero en We are fair. Foto: Cortesía del artista

También en We are fair, otro artista cordobés, Fernando M. Romero, presenta sus trabajos, un políptico fotográfico de la serie Un_folded, en el I Proyecto Andalucía, comisariado por Esther Fernández, presidenta de la asociación ANVAD, y en el que también se muestran obras de Javier Calleja, Joan Lara, Manuel A. Domínguez o María Cañas entre otros. Romero, que ya participó en la pasada edición de JustMad, presenta en estos días una amplia recopilación de trabajos recientes en el Hospital Real de Granada bajo el título He atrapado una sombra.

Entresijos, obra de Pepe Puntas en el stand de la galería BAT en ArtMadrid. Foto: Cortesía del artista

La más veterana de las ferias paralelas, ArtMadrid, celebra su decimoprimera edición en la Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles con 46 galerías y una significativa presencia entre ellas de expositores internacionales. Una de las galerías habituales de la feria es BAT Alberto Cornejo donde el artista cordobés Pepe Puntas presenta, como viene siendo habitual en los últimos años, una selección de sus trabajos más recientes en un stand que también incluye obras de Diego Canogar, Byeonghee Bae o Carlos Albert entre otros.

Gramática & Bricolage. El futuro de la pintura

Un aspecto de Gramática & Bricolage. Foto: Cortesía Yusto/Giner

Tete Álvarez / Ars Operandi

De la obra de arte, decía Kandinsky en la Gramática de la Creación. El futuro de la pintura, que está "sometida a la misma ley que la obra natural: a la ley de la construcción". Y justamente, sobre la idea de la pintura y lo pictórico desde el punto de vista de la sintaxis versa Gramática & Bricolage, la exposición que se inaugura hoy en Yusto Giner, que reúne a casi una decena de artistas para los que el modo de pintar resulta tan importante, o más, que los asuntos que tratan, que se convierten en "una excusa para llevar a cabo una investigación o indagar en cuestiones gramaticales relacionados con el oficio". Comisariada por Sema D'Acosta, la muestra tiene como precedente inmediato PreVIEW, la selección de artistas que se pudo contemplar este verano de la mano también de la galería Yusto Giner con motivo de Art Marbella y que ofrecía un recorrido que rastreaba algunos de los caminos que toma la pintura en el sur de España, auscultando cuatro de sus polos principales como son Murcia, Córdoba, Granada y Sevilla.

Obras de Fernando M. Romero en Gramática & Bricolage. Foto: Cortesía Yusto/Giner

Patricio Cabrera, Fernando Clemente, FOD, Miki Leal, Fernando M. Romero, Jose Carlos Naranjo, Javier Parrilla, José Piñar y Cristobal Quintero comparten en Gramática y Bricolage el ejercicio de la pintura como "un acto reflejo que nace de la combustión de ideas, mezclando a partes iguales bagaje intelectual, cultura visual, presentimiento y hallazgo. La materia de trabajo con la que construyen las obras acaba siendo su discurso, que va definiéndose y cobrando importancia al mismo tiempo que se desarrolla". La pintura actual permite, según señala Sema D'Acosta, una gran dosis de libertad pero "tiene la dificultad de estar desprovista de anclajes y referencias usadas por los géneros tradicionales, un terreno que facilitaba ya de partida un campo de trabajo. Hoy en día, admitiendo ese ese desafecto con respecto al contenido pervive la esencia del medio no tanto aferrada a su herencia, sino más bien entendida como forma de pensar y estar en el mundo. De alguna manera, se ha convertido en un modo de autodeterminación, de posicionarse desde un lugar personal asentado sobre un legado conocido. Asumido ese acervo, los artistas reflexionan sobre su entorno y las relaciones que establecemos con los demás, discurriendo continuamente sobre su papel o aspectos ontológicos que relativizan límites y amplifican posibilidades".

Obra de Miki Leal en Gramática & Bricolage. Foto: Cortesía Yusto/Giner

Y es que, como también apuntaba Kandinsky, la pintura contemporánea no es sólo pintura, sino también, y sobre todo, la representación de una idea sobre pintura. Una idea de la pintura, según indica el comisario, como "acto reflejo que nace de la combustión de ideas, mezclando a partes iguales bagaje intelectual, cultura visual, presentimiento y hallazgo. La materia de trabajo con la que construyen las obras acaba siendo su discurso, que va definiéndose y cobrando importancia al mismo tiempo que se desarrolla. Poco es premeditado o está definido de antemano. El punto de arranque es una intención, que puede partir de una idea o de una imagen cualquiera tomada a vuelapluma. Una vez colocados sobre la superficie del cuadro los primeros elementos, se van atando cabos y estabilizando tensiones. A veces es necesario anular una parte, cerrar una vía, volver a pintar sobre lo pintado… cambiar el tono y probar otro camino. Estas cicatrices también transmiten emociones, actúan como huellas, gestos acumulados; funcionan como capas superpuestas que humanizan el resultado. Lo que vemos no es mecánico ni está producido por un operario industrial, posee imperfecciones que conectan con nuestros sentimientos".

Tríptico de José Piñar en Gramática & Bricolage. Foto: Cortesía Yusto/Giner

Gramática & Bricolage encaja para Sema D'Acosta en una interesante renovación del género en un territorio, el sur de España, que goza de una gran tradición pictórica. Generación tras generación, indica el comisario a Ars Operandi, "la pintura permanece en Andalucía. Es sorprendente cómo se va renovando el género y cómo, a diferencia de otros lugares de España, la pintura sigue despertando interés entre los jóvenes. En Sevilla tradicionalmente, luego en Granada y ahora también en Málaga y Córdoba. Hay gente muy buena que viene pegando fuerte. Por destacar algunos que me interesan y con los que he trabajado o me gustaría trabajar próximamente: Simon Arrebola, Alejandro Botubol, Lola Berenguer, Antonio Montalvo, Irene Sánchez Moreno, Ana Barriga, Pepa Prieto, Ignacio Estudillo, Manuel Martínez, Federico Miró, Bea Sánchez, Fran Ramírez, los hermanos Valverde, Almudena Fernández Ortega, Pablo Martínez Conradi"... El futuro de la pintura.

Gramática & Bricolaje
Comisario: Sema D’Acosta
Galería Yusto Giner. Marbella
Hasta el 19 de marzo

Elisabel Prieto. Las aguas profundas se mueven en la superficie

Aspecto de la exposición de Elisabel Prieto en Limbo 0. Foto: Manuel Torres

Fernando M. Romero para Ars Operandi

El pasado 24 de octubre se inauguraba en Córdoba el espacio Limbo 0 con la exposición de la artista cordobesa recientemente desaparecida Elisabel Prieto (1983-2015). La exposición, titulada Paraíso perdido y recobrado, no es una muestra al uso por muchos motivos y es precisamente esto lo que la hace tan especial, recomendable y necesaria. Elisabel Prieto es una artista nacida en Córdoba y licenciada en Bellas Artes en la Universidad de Granada. Su proyecto de fin de carrera giró en torno al poema de tema bíblico El Paraíso Perdido (1667) de John Milton (1608-1674). Tras finalizar la carrera retornó a Córdoba donde abrió hace dos años junto a Enrique Del Castillo el Bar Limbo con el planteamiento de que éste fuera mucho más que un bar. Así, desde su nacimiento, ha supuesto para Córdoba un lugar de encuentro cultural en el que muchos hemos podido disfrutar de conciertos, presentaciones de libros, recitales, performances, proyecciones, masterclass musicales y otros eventos que han configurado una programación exquisita y con personalidad.

Ésta era la vida de Eli, pues mientras abajo en el bar propiciaba todo aquello, la planta de arriba era su casa (el mismo espacio que sirvió de estudio hace años al pintor Paco Gil). Ahora, ese espacio reformado, se abre al público bajo el nombre Limbo 0 como forma de continuar y ampliar la visión que comenzara Eli mediante la programación del Bar Limbo. Se plantea por tanto como un espacio cultural sin ánimo de lucro cuyo fin es dar cabida a proyectos y a creadores que no podemos encontrar en otros espacios de la ciudad. En el primer proyecto que acoge Limbo 0 la propia Elisabel Prieto se nos revela en esta exposición póstuma como una artista con personalidad propia.

Adan y Eva entre flores. Litografía de Elisabel Prieto

En mi caso me acerqué a la exposición sin conocer previamente la obra de Eli. La muestra podría concebirse casi como una instalación que comenzara en el nuevo espacio Limbo 0 y se extendiera de forma orgánica hasta invadir el propio Bar Limbo. No encontraremos aquí un proyecto ni un hilo conductor, al menos no uno explícito ni a simple vista. Lo que encontramos es algo mucho más interesante: una inmersión total en la visión de Eli donde cada uno puede trazar su propio recorrido a través de las huellas que ha ido dejando por el camino. Estas huellas o trazos en forma de dibujos y grabados no se ordenan en el espacio según un criterio cronológico, lo cual es todo un acierto, pues en toda la obra de Eli (y en la concepción misma de esta exposición) se percibe el deseo de no sucumbir a las rigideces del Tiempo y de un destino que finalmente se desveló trágico. De ahí quizá su interés por el verdadero protagonista de El Paraíso Perdido y su rebelión ante un destino impuesto. Esa misma rebelión la encontramos dosificada en los dibujos de pequeño y mediano formato que conforman la exposición, realizados en distintos momentos de su vida pero dotados de una sensibilidad común. En ellos encontramos un fértil interés por lo que habita en los límites, por los márgenes, por merodear en ellos en vez de aceptar la inevitabilidad de lo tangible. A lo largo de la exposición vamos encontrando las huellas que Eli fue dejando al transitar por esos umbrales donde se cruzan lo humano y lo animal, lo orgánico y lo simbólico, lo visible y lo oculto, la ironía y el terror. La obra de Eli se mueve en un espacio fronterizo y difuso como el Limbo. Es en esos cruces y yuxtaposiciones de trazos donde vemos la verdadera inteligencia de Eli como dibujante. Hay una sabiduría casi inconsciente, muy persuasiva, en sus imágenes, en el uso de los materiales, en el ritmo interno que despliegan muchos de sus dibujos y apuntes de tinta, en el empleo que hace del vacío del papel y de la secuencia, en la apropiación de determinados símbolos, como si en todo momento mantuviera esa fascinación de exploradora transitando por caminos ajenos a los canónicos.

Secuencia, dibujos en tinta china de Elisabel Prieto

Descubrir esos indicios deambulando por los distintos espacios que ocupa la exposición, junto a ese carácter mítico y animal que tienen algunas de sus obras, me hizo pensar en la figura de Hermes, el dios griego padre de Pan, mitad hombre y mitad cabra, como tantos híbridos que encontramos en la obra de Eli. Hermes era también protector de los caminantes y guardián de las puertas, responsable de custodiar durante el viaje las almas que cruzaban la frontera entre la vida y la muerte, conociéndosele también como Hermes Psicopompo, el que comunicaba los distintos planos de existencia. También se le atribuye la invención de la música, que tanto protagonismo ha tenido en el Limbo desde su nacimiento y a cuyo son parecieran danzar muchas de las figuras protagonistas de los dibujos de Eli.

Por eso no puedo evitar entender esta exposición casi como una instalación o un environment donde la arquitectura juega un papel fundamental tanto en lo formal como en lo simbólico. Las obras se diseminan en un espacio en dos alturas comunicados por una escalera que sirve de tránsito (y donde se encuentran algunas de las obras más interesantes). La misma entrada cuenta con dos puertas para acceder y un interior donde abundan los umbrales que debemos cruzar para descubrir las obras en las distintas salas y el patio. Es el espacio perfecto para que las obras de Eli desplieguen todas las resonancias que contienen y nos contagien de ese tránsito “hermenéutico” habitado por seres híbridos desubicados y mitos ausentes.

Hasta el 4 de enero se puede visitar esta exposición en la que Elisabel Prieto se ha revelado como una artista dotada para crear narrativas complejas con elementos aparentemente sencillos. Tanto en el acondicionamiento del espacio como en el montaje y diseño de la exposición se nota la cuidadosa mano de Pablo Prieto, también artista y con un fuerte vínculo tanto con Eli y su obra como con el espacio, aunando así ambos en un conjunto indisoluble. Teniendo en cuenta la programación que se ha venido desarrollando en el Limbo Bar y las posibilidades que ofrece el nuevo Limbo 0 es una gran noticia para la ciudad que abra sus puertas este espacio en un inmejorable homenaje a su impulsora, Elisabel Prieto.

Apuntes para un nuevo curso

Sin título ,1957. Lienzo sobre tabla de Equipo 57 en Córdoba Luciente. Colección Diputación de Córdoba

Tete Álvarez /Ars Operandi

Pocas novedades depara de momento este nuevo curso que viene marcado por los cambios recientes en las instituciones públicas. Un cambio de signo que aún no se ha trasladado a la agenda cultural de la ciudad provocando una cierta sensación de impasse. Así las cosas, una de las escasas iniciativas que desde el plano institucional se vislumbra es la presentación de Córdoba Luciente, la exposición que reúne una parte de los fondos artísticos de fundaciones y museos cordobeses que se pudo contemplar en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. La muestra ofrece una selección de trabajos realizados por artistas cordobeses de diversas épocas además de obras de artistas no vinculados a la ciudad fruto del mecenazgo institucional o como parte de colecciones cordobesas. Cordoba Luciente compartirá espacio en la sala Vimcorsa y el recién inaugurado Centro de Arte Rafael Botí. Quedan en el aire dos exposiciones que llegaron a tener fecha y lugar de inauguración y que surgieron como reciprocidad a la exposición bilbaína. La exposición De Goya a Gauguin y otra de artistas vascos en los fondos del Museo de Bilbao desaparecieron de la agenda sin que nadie ofreciera explicación alguna. La muestra de artistas vascos iba a ser expuesta en el Centro de Arte Rafael Botí pero la pésima adecuación de edificio impide que pueda albergar obras de gran formato.

Aspecto inaugural del Centro de Arte Rafael Botí. Foto: Ars Operandi

Con esta importante tara nace el controvertido Centro de Arte Rafael Botí, una institución inaugurada en los estertores del gobierno popular de la Diputación que arrancó entre pronunciados cuestionamientos e incógnitas en su funcionamiento. Éste sin duda será uno de los grandes entuertos que habrá de desfacer la nueva diputada de Cultura y presidenta de la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí. Reconducir desde las buenas prácticas y la participación del sector del arte una institución muy degradada por el paso del gobierno anterior se antoja como la principal tarea de la nueva corporación. Estos mismas propuestas son las que las organizaciones del sector continúan reclamando para el Espacio Andaluz de Creación Contemporánea. El relevo al frente de la Consejería de Cultura trae el anuncio de un borrón y cuenta nueva por parte del gobierno andaluz. El fracaso de las políticas dirigistas y carentes de rumbo de los anteriores gabinetes atestigua la necesidad de encontrar una salida consensuada a esa patata caliente en la que parece haberse convertido el anteriormente conocido como C4. Por su parte, en la sede de Orive no se esperan grandes cambios. Y es que desde hace ya demasiado tiempo las políticas culturales se repiten por inercia independientemente del grupo político que detente la concejalía de Cultura del Ayuntamiento. La esperanzas de que alguien como David Luque, con acreditado conocimiento de causa, pudiera estar al frente de Cultura se desvanecieron en virtud de la aritmética de los pactos. Sobre la mesa de la nueva concejala las propuestas del sector del arte contemporáneo que presentaron a los partidos en las pasadas elecciones municipales y en las que reclaman entre otras fórmulas de participación de los agentes culturales la creación de un Consejo Municipal de la Cultura.

Marcel Broodthaers. Un Voyage en Mer du Nord. Edición alemana de libro y film 16 mm.. 1973 - 74. Colección particular

Uno de los pocos ejemplos de gestión independiente y profesionalizada en proyectos culturales municipales es Cosmopoética. Una edición más, su programación incluye propuestas en las que confluyen la poesía y el arte contemporáneo. En esta ocasión Oscar Fernández lanzará los dados de Mallarmé en los espacios del Centro Pepe Espaliú para componer Proyecto para un texto, una propuesta de artistas interesados en reflejar la naturaleza material, tangible, del poema. Nombres tan reseñables como John Baldessari, Marcel Broodthaers, Chris Burden, Jan Dibbets, Dénes Farkas, Ian Hamilton Finlay, Rogelio López Cuenca, Michalis Pichler junto al cordobés Rafael Quintero firman piezas no-literarias que, paradójicamente, toman la escritura como medio, soporte o inspiración. Otros citas de interés en la agenda institucional de este comienzo de temporada son las exposiciones del artista cordobés José Jurado, que llevará a la sala Iniciarte su proyecto fotográfico Resaca Nacional y de Andrés Rábago El Roto que mostrará en las Galerías del Cardenal Salazar una selección de los dibujos que lo han llevado a convertirse en la principal referencia actual del humor gráfico español.

Aspecto de Wild Things con obras de June Crespo, Patrick Hough, Anna Franceschini en The Green Parrot. Foto: TGP

La escena independiente de la ciudad cuenta desde este verano con un anhelado proyecto que ha permitido recuperar un edificio público en desuso para reconvertirlo en espacio de trabajo para la industria creativa y cultural. MODO, el proyecto de ZUM y Colaborativa, ha abierto sus puertas en La Pérgola con una programación que hasta ahora ha incluido un Summer Market, un ciclo de películas y documentales de dominio público, Cine-Libre en el jardín, y las sesiones Proyecciones en la buhardilla, un proyecto en colaboración con otro de los espacios independientes de la ciudad, El Arsenal. En el capítulo de bajas reseñar el cierre del espacio de BlowUp en el Huerto de San Pedro. El antiguo almacén de sacos albergó en sus salas una nutrida programación sobre fotografía contemporánea, actividad que aseguran continuará aunque sin un espacio físico habitual. Por su parte, en CoMbo, tras el interesante encuentro Jaque a la institución que han llevado a los cursos de verano de la UNIA preparan ya el inicio de temporada que tendrá lugar este próximo viernes con Ensayo para una exposición, una muestra de artistas residentes en La Fragua de la que forman parte la holandesa Lisa Marie-Vlietstra, la sudafricana Katherine de Villiers, el estadounidense Christopher Squier, la francesa Erica Roux y la polaca Olga Micinska. Ya en octubre contarán con la presencia del artista sueco Tobías Sjoberg quien dará paso a la flamante ganadora de la Beca UCO-La Fragua de fotografía, Ira Lombardía, para finalizar el año con un proyecto de la mano de The Green Parrot, el espacio independiente radicado en Barcelona.

Repentirs Impossibles: pour se corriger, il faut ajouter. 1991.
Acrílico, collage y tercipelo sobre papel entelado de José María Baez

Los artistas cordobeses ultiman también el comienzo de la temporada artística. Abrirá fuego este mismo miércoles Beatriz Sánchez que presenta en la Sala Siglo XXI de Huelva los trabajos realizados a partir de la concesión de la Beca Vázquez Díaz. Bazar milagro es un compendio de ese imaginario tan personal de la artista compuesto por objetos (vestuario, escenografías, fotogramas…), momentos (gif animados, performance, video experimental, dibujos, fotomontajes) e inmersiones en el ciberespacio (cibertutoriales, fake, desdoblamiento de personalidad...). La siguiente cita será en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo donde el próximo día 10 se presentará la donación que ha realizado a los fondos del centro el artista José María Baez. Se trata de una selección de siete obras de distintas etapas que incluye trabajos sobre papel de los ochenta como los que se vieron en Sucio y limpio, la pinturas de textos que caracterizan su obra de los noventa y el políptico Heridos, infectados que se pudo contemplar en la sala Vimcorsa en La enfermedad, la muerte. Reflejos y visiones en el arte cordobés. También el día 10 comienza la tercera edición de la feria internacional de arte contemporáneo, Summa Contemporary. La única representación andaluza es un año más la galería sevillana Rafael Ortiz que acude a Matadero con obras de Equipo 57 y Dorothea Von Elbe. En la Fundación Giorgio Cini de Venecia Miguel Gómez Losada participa en la colectiva Spain Identity / Modernity, un proyecto de la colección Luciano Benetton que ya arribó al CAC Málaga en el que 216 artistas españoles intervienen en un lienzo de pequeño formato.

Collages de Jacinto Lara en Art Jaén. Foto: Cortesía Galería La hormiga

Doble cita la de Fernando M. Romero. Por un lado formando parte de Gramática y bricolaje, una exposición comisariada por Sema D'Acosta para la galería marbellí Yusto Giner que incluye nombres fundamentales de la pintura del sur de España como Miki Leal, Patricio Cabrera, Ángeles Agrela, Sonia Navarro o FOD. Por otro, a finales de septiembre, el artista cordobés comparece en la Feria de Arte de Madrid Estampa 2015 de la mano de la galería santanderina Siboney donde mostrará trabajos pictóricos recientes. Fernando Baena, en su doble faceta de artista e investigador, prepara en estos días en Cuenca (Ecuador) la primera edición Festival de Arte de acción de Cuenca. El programa incluye performances de artistas como Santiago Sierra e Isidoro Valcárcel Medina además de actividades relacionadas como charlas, exposiciones, presentaciones, proyecciones y talleres que se desarrollarán en diferentes espacios expositivos de la ciudad. Por su parte, Jacinto Lara presenta esculturas y pinturas en el Centro de Arte Contemporáneo de Vélez-Málaga en una muestra que repasa una década de exposiciones en la Galería Krabbe y que también incluye obras de Antonio Povedano. De manera individual se podrán contemplar pinturas de gran formato y collages y grafitos del artista en el stand de la galería La hormiga como parte del programa de la Feria de Arte Contemporáneo de Jaén, Art Jaen 2015, que se celebra en el Museo de Jaén. En la provincia, Z, las jornadas de arte contemporáneo de Montalbán ha hecho público el cartel de esta cuarta edición que incluye a nombres del arte contemporáneo andaluz como Paco Pérez Valencia, Manuel León o MP & MP Rosado y cuenta con la presencia de artistas cordobeses como María Ortega Estepa o Miguel Ángel Moreno Carretero. Ortega Estepa y Moreno Carretero comparten también exposición en el Alentejo. Se trata de Ao sul da Ibéria, una muestra que reúne en la Fundação Nossa Senhora da Esperança de Castelo de Vide a once artistas españoles y portugueses en torno al concepto arte y la sostenibilidad.

Fin de temporada. De Santander a Marbella

Cajas de luz de la serie Atrezzo de Tete Álvarez en el stand de la galería JM en ArteSantander. Foto: Ars Operandi

Redacción / Ars Operandi

Dos ferias marcan este año el final de la temporada artística. Si hasta el momento el circuito se despedía a finales de julio en ArteSantander, la irrupción de una feria debutante como Art Marbella desplaza el interés hacia el sur y prolonga la actividad hasta los primeros días de agosto. La ciudad de Santander se convierte por unos días en el epicentro del arte nacional con la celebración de la feria de arte contemporáneo y del curso de la UIMP Coleccionismo de Arte Contemporáneo y Comisariado organizado por el Instituto de Arte Contemporáneo y la Asociación de Coleccionistas Privados de Arte Contemporáneo 9915. Por el Palacio de la Magdalena han pasado figuras como Simón Marchán, Patrick Charpenel, María de Corral, Benjamin Weil y Juan Luis Moraza, entre otros, que han puesto de manifiesto la estrecha la relación que se establece entre los coleccionistas y los artistas como aspectos decisivos del proceso artístico. ArteSantander, próxima a cumplir su XV aniversario, consolida su modelo con una apuesta por el Solo Project que imprime a la feria un carácter muy particular. Esto permite acercarse con mayor profundidad a la obra de artistas emergentes en el panorama nacional y consolidados y de larga trayectoria como Eulalia Valdosera en Sicart, Bleda y Rosa en Espai Visor o Joan Hernández Pijuán con Rafael Pérez Hernando. Entre las 42 galerías encontramos presencias ya clásicas en la feria como Siboney, Rafael Ortiz, Blanca Soto o Ángeles Baños junto a nuevas galerías como la valenciana Espai Tactel, las madrileñas Alegría, Espacio Valverde y Javier López o la galería vallisoletana La Gran. La representación andaluza ha corrido de la mano, además de la citada Rafael Ortiz, de Cavecanem, que vuelve a la feria casi una década después y las galerías malagueñas Yusto Giner y JM. En esta última el artista cordobés Tete Álvarez presenta Atrezzo, una serie de cajas de luz en la que utiliza fragmentos de imágenes de prensa o distribuidas por instituciones públicas de reuniones bilaterales, audiencias o entrevistas de altos dignatarios políticos. Los detalles de mobiliario ampliados se tornan así, descontextualizados, en objetos de decorado para una representación actoral que se escenifica ante la mirada atenta del mundo como espectador.

Vista de las obras de Miguel Gómez Losada en el stand de Yusto Giner en Art Marbella. Foto: FMR

En un contexto como el andaluz donde el desmantelamiento de políticas culturales de apoyo a la creación contemporánea y a las industrias culturales del sector ha sufrido una importante deriva en los últimos años, la noticia de la puesta en marcha de Art Marbella se vivía por un lado con múltiples expectativas, y por otro lado con la cautela de vivir ante la aparición de otro de esos experimentos UFO que de vez en cuando surgen en nuestro contexto bajo la simple lógica del espectáculo. Bajo la dirección de Alejandro Zaia, podemos concluir que en su primera edición Art Marbella ha cumplido las expectativas que se habían abierto en torno a la celebración de la feria. La presencia de galerías de consolidado prestigio como Espacio Mínimo, Carreras Múgica, Max Estrella o la portuguesa Filomena Soares, se ha combinado con aquellas que han ido surgiendo en los últimos años en el contexto nacional como una apuesta por la renovación del paradigma de las galerías en nuestro país como se podía ver en los stands de L21, F2, Twin Gallery o Bacelos, una mezcla que visibilizaba los cambios en un sector que ha hecho suyo aquello del reinventarse o morir. En el caso de las galerías andaluzas, destacaba la presencia de Alarcón Criado que llegaba a Marbella con una selección de las piezas de MP & MP Rosado, Nicolas Grospierre y Simón Zabell entre otros y la marbellí Yusto Giner con piezas de José Luis Puche, Rosa Loy y el cordobés Miguel Gómez Losada, en una decidida apuesta por el formato pictórico, del que sólo separaba el trabajo fotográfico de Dionisio González que pudimos ver en la pasada Bienal de Fotografía de Córdoba. Gómez Losada ha presentado obra reciente, en su mayoría del año en curso, como Albina, una evocación de los paisajes del norte, Hovs Hallar, Creyentes, Cruce y el bodegón Ceuta. Para el artista cordobés, afincado ahora en la capital malagueña,"lo que uno imagina cuando se pinta pasa a ser verdad. La pintura, el arte, ya no sería entonces un reservado, sólo un ejercicio poético, sino la realidad más veraz".

Untitled_11, una de las propuestas de Fernando M. Romero en PreVIEW. Foto: Cortesía del artista

Esta misma apuesta por el formato pictórico se podía ver en el proyecto paralelo PreVIEW comisariado por Sema D'Acosta para la galería Yusto Giner, donde se ofrece un panorama que rastrea algunos de los caminos que toma la pintura en el sur de España, auscultando cuatro de sus polos principales como son Murcia, Córdoba, Granada y Sevilla. La muestra incluye artistas como Miki Leal, Javier Parrilla, FOD, Paco Pomet, José Piñar, José Carlos Naranjo, Patricio Cabrera, Fer Clemente, Cristóbal Quintero, Sonia Navarro, Ángeles Agrela, Ana Barriga y María José Gallardo y cuenta con la presencia de dos artistas de nuestra ciudad, Manuel Garcés y Fernando M. Romero. La idea principal del proyecto es, según afirma el comisario de la muestra Sema D'Acosta "reforzar los lazos entre territorios cercanos, planteando una propuesta de activación que sirva para encontrar nexos de unión entre provincias afines. Con esta conjunción de intereses, la Costa del Sol se convierte en foco activo de una cita que reúne algunos de los jóvenes artistas que concitan mayores expectativas del horizonte nacional, demostrando con esta representación colectiva que la pintura es un lenguaje especialmente vivo sobre todo en Andalucía, un lugar donde crece y se amplifica continuamente".

Un aspecto de PreVIEW con obras en primer término de Manuel Garcés. Foto: FMR

Fernando M. Romero presenta Untitled_011 y Blue_icon_002, ambas de 2013. El artista ha indicado a Ars Operandi que "estas obras se cuentan entre las primeras en las que comencé a usar la geometría de una forma más explícita en mi obra, centrándome en la retícula. Son obras pertenecientes a una serie que anticipa algunos de los elementos que desarrollaría más tarde en pinturas, fotografías e instalaciones como son el uso de un patrón geométrico por un lado y el azar o los accidentes a los que éste es sometido. El uso de un elemento recurrente como es la retícula me permite indagar de una manera interdisciplinar en los filtros y distorsiones que interceden en nuestra percepción de la realidad". Por su parte, Manuel Garcés comparece con cuatro obras de la serie Los durmientes, un trabajo que surge de la observación de la realidad "como forma y como contenido". Una acción que según afirma el artista "en ocasiones se torna compleja". "Cuando me desplazo contemplo el paisaje procurando alimentar la mirada; a veces se produce una relación confusa entre el diseño y el simbolismo que emana la escena. Pongo todo mi empeño en hallar lugares capaces de generar ese extraño vínculo que alimenta la sensación de sorpresa y descubrimiento. Quizá ahí, en el instante de percepción previo al entendimiento, empieza la aventura, el primer estímulo para empezar un cuadro".

Artistas cordobeses en las ferias madrileñas

Obras de Pepe Espaliú junto a una escultura de Stephan Balkenhol en el stand de Pepe Cobo . Foto: Ars Operandi

Tete Álvarez / Ars Operandi

Seis artistas cordobeses participan en las ferias de arte contemporáneo que en estos días se suceden en la capital madrileña. ARCO, JUSTMAD, ART MADRID, Casa Leibniz y JAAL PHOTO conforman una oferta caracterizada por la variedad de formatos y de propuestas, desde las vanguardias históricas al arte más emergente, desde las galerías internacionales a los espacios independientes. ARCO focaliza su mirada en el mercado latinoamericano en una edición en la que solo concurren dos galerías andaluzas. La presencia cordobesa en ARCO 2015 no se encauza, como viene siendo tradicional, a través de la galería Rafael Ortiz. La apuesta del galerista sevillano por un Solo/Duo ha motivado la falta de presencia de obras de artistas cordobeses habituales de la feria como Equipo 57, José María Baez, Dorothea Von Elbe o Manolo Bautista. Tras algunos años de ausencia en la cita madrileña Pepe Espaliú vuelve a la feria de la mano de su galerista de toda la vida, Pepe Cobo. El galerista de La Máquina Española recuerda para Ars Operandi las primeras exposiciones del artista cordobés en la galería sevillana allá por 1986. Desde entonces, señala,  "he sido su galerista, su albacea y sobre todo su amigo". Un trabajo "afectivo" y "sentimental" que el Cobo reclama como una de las señas de identidad de un "dealer de la vieja escuela". "Más importante que dedicarte exclusivamente a un tema de mercado", afirma, "se trata de creer en los artistas, se trata de involucrarse de una manera más afectiva con su carrera".

Paseo del amigo, escultura de hierro pintado de Pepe Espaliú. Foto: Ars Operandi

Pepe Espaliú, quien comparte stand con obras de Stephan Balkenhol, Juan Muñoz o Cristina Iglesias, está representado con una colección de dibujos y la escultura en hierro pintado Paseo del amigo, fechados todos en 1993 y que tienen a las muletas como iconografía recurrente. En esta última etapa de su vida las muletas son para Espaliú simbolo de protección, de apoyo, de sustituto del miembro que falta, de lo que no está, de lo ausente. Pepe Cobo reclama en un ARCO más políticamente correcto que nunca la plena vigencia de la obra del artista cordobés. "Pepe Espaliú tuvo una muerte que fue muy castigada moralmente por la sociedad. Él hablaba de la autobiografía como obra, mostró aspectos que el arte había tocado muy poco o lateralmente quizás porque hemos vivido un siglo XX muy lleno de moralismos".

Obras de Jesús Pedraza en el stand de la galería PM8. Foto: Ars Operandi

El otro artista cordobés representado en la feria madrileña es el lucentino, aunque afincado en Madrid, Jesús Pedraza. Pedraza trabaja habitualmente con la galería PM8 de Vigo con quien ha acudido a ferias como Artíssima en Turin o JUSTMAD. En su estreno en la feria madrileña presenta una recopilación de trabajos de marcada raíz conceptual en los que interviene en libros emblemáticos de la historia del arte y el pensamiento y manipula pósters en un meticuloso proceso que borra las imágenes mediante el lijado de carteles de propaganada electoral dejando como único referente la sonrisa de los políticos. En Jarra Rota, Pedraza pule cuidadosamente los bordes de un recipiente de cristal roto en un intento de restar violencia a la fractura. Francisco Salas, director de la galería viguesa, manifestaba a pie de stand que la obra de Jesús Pedraza se nos muestra "crítica, continuada, muy coherente pero a la vez es un trabajo que se puede disfrutar, que no es muy hermético y que sin llegar a ser irónico juega con una doble vertiente que lo hace muy abierto. Se trata de un trabajo muy reflexivo no solo sobre aspectos sociales sino sobre asuntos que tienen que ver con la institución arte".

Vista del stand de la galería Siboney en JUST MAD con obras de Fernando M. Romero. Foto: Ars Operandi

En Just Madrid, que por segundo año se celebra en la sede de COAM, el artista Fernando M. Romero ocupa en solitario el stand de la galería Siboney en una de las propuestas más acertadas de toda la feria. El comisario Ángel Calvo Ulloa ha seleccionado a doce artistas que representan "una muestra del talento productivo artístico en la península Ibérica". Entre ellos destaca la presencia del artista cordobés con una intervención en la que la pintura se expande más allá de los límites del cuadro para alcanzar géneros como la instalación o la fotografía. Juan Riancho, director de la galería santanderina, confiesa a Ars Operandi que "hay varias cosas que me gustan especialmente de él pero hay una que subrayo sobremanera que es una actitud muy contemporánea que es compartida por muy pocos". Aunque Fernando ultima en estos días la intervención pública Partículas Elementales en la Plaza Europa de Hospitalet, "aquí le han pasado cosas muy buenas" indica el galerista. Y avanza como ejemplo de este "salto cualitativo" que algunas de las galerías que forman parte del JustBrooklyn han mostrado su interés en exponer la obra del artista cordobés en la capital neoyorkina.

Nocturno, múltiple sobre tabla de Pepe Puntas en Art Madrid. Foto: Cortesía del artista

Al otro lado de la ciudad, en la Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles se celebra la décima edición de la Feria de Arte Contemporáneo Art Madrid’15. La cita reúne a medio centenar de galerías nacionales e internacionales dedicadas al arte contemporáneo, arte emergente y vanguardias históricas. La galería fundadora de la feria, BAT Alberto Cornejo, acoge un año más obras del artista cordobés Pepe Puntas. Puntas ha señalado a Ars Operandi que acude en esta edición a Art Madrid con pinturas cuya temática "sigue siendo la denuncia social, la crisis y sus resultados. Todo ello mezclado y agitado con un poco de sexo, la comida rápida y antidepresivos. También se propone técnicas de relajamiento y longevidad chinas con un toque de añoranza sobre el tiempo perdido".

Vista del proyecto de Miguel Ángel Moreno Carretero en One Project 2015 de Art Madrid. Foto: Cortesia La Fábrica Galería

Sin salir de Art Madrid y dentro del programa One Project 2015 encontramos la propuesta del artista carpeño Miguel Ángel Moreno Carretero de la mano de la galería madrileña La Fábrica. El comisario Carlos Delgado Mayordomo ha seleccionado ocho proyectos en formato solo show de otros tantos artistas que aunque jóvenes mantienen una presencia continuada en el panorama expositivo actual. Los trabajos están unidos por el concepto de artefacto, "planteado como un dispositivo claramente  onstruido, fruto de un proceso razonado de producción, que no oculta su artificialidad y su medida precisión". Moreno Carretero muestra, entre otros,  trabajos pertenecientes a Mecanismos inconscientes del horizonte, la exposición que recientemente ha clausurado en la sede madrileña de La Fábrica. Un proyecto con un latente componente autobiográfico que documenta más de un centenar de reclamos de carácter publicitario situados en las cercanías de las carreteras españolas que Miguel pudo conocer de pequeño sentado junto al volante del camión de su padre. Esta serie de artefactos publicitarios y señalizadores, "vinculados al comercio y desprovistos de cualquier intención artística inicial conforman una colección de fotografías que evocan un período de tiempo claramente identificable en el paisaje español y posiblemente, en peligro de extinción", indican desde la galería La Fábrica.

Fotografía de Verónica Ruth Frías en JAAL PHOTO

Experiencias como JAAL PHOTO o Casa Leibniz complementan, desde otros planteamientos, la oferta artística de la capital en estos días. En JAAL PHOTO, la feria de fotografía independiente de Madrid, han podido verse los trabajos de Verónica Ruth Frías. La habitación 503 del Hotel Mayerling ha sido el escenario de la presentación de A 153 cm., un proyecto cuyo nombre alude a la altura de la artista. "Adquiriendo una pose casi hierática y aparentemente inmutable", indican desde Factoría de Arte y Desarrollo,  "la artista se insertó en el paisaje como un hito vertical, tal que una forma de vida vegetal o un simulacro de totem. Lo hizo durante el periodo de gestación de su segunda hija, de manera que su figura embarazada constituye en sí misma una redefinición del paisaje como ecosistema vivificante. Tal y como ella misma explica, asume el papel de una diosa madre ancestral, transfiguración de la propia naturaleza, una personificación de la tierra asociada a la fertilidad".

Las "partículas elementales" de Fernando M. Romero

Partículas elementales, instalación de cinta de PVC y fotografía de Fernando M. Romero. Foto: FMR

Redacción / Ars Operandi

Tras su paso por Elche donde Fernando M. Romero ha presentado una recopilación de los trabajos fruto de la IV Beca de Pintura Pilar Montalbán, el artista cordobés arriba a Cataluna de la mano de la Fundación Arranz-Bravo (Hospitalet, Barcelona). Allí presenta Partículas elementales, un conjunto de fotografías, pinturas, video e instalaciones que conforman su producción más reciente. Comisariada por el crítico de arte barcelonés Albert Mercadé, y con la colaboración de Jaume Vidal Oliveras, Fernando M. Romero explora en Partículas elementales algunos de los componentes artísticos fundamentales de su obra, centrada, "en una indagación sobre las relaciones visuales y conceptuales que el artista halla en los campos de la percepción icónica y la ciencia. Colisiones, explosiones, trayectorias, interferencias, dualidades, son fenómenos que emergen tanto del núcleo de la misma creación artística como de la investigación científica, desembocando ambas en la construcción de modelos que nos permitan interpretar la realidad. Romero caza la complejidad de los matices visuales y expresivos que aparecen en la micro realidad que se esconde detrás de los objetos, así como en la fragmentación del tiempo, a través de un lenguaje artístico híbrido, que abraza la fotografía, la pintura, el vídeo y la instalación.

Et in arcadia ego_002. Fotografía de Fernando M. Romero. 

En palabras del crítico de arte Sema D´Acosta, indican desde la Fundación Arranz-Bravo, la obra de Romero “obtiene energía de ese roce continuado entre la mirada previsible y la inesperada, un choque de fuerzas activas donde saltan chispas y se producen descargas espontáneas que generan nuevas combustiones pictóricas”. Sin embargo, observa a su vez el autor sevillano, la obra de Romero va más allá de la especulación formal: “Sus preocupaciones artísticas son de orden conceptual antes que procesual”. En este sentido, Romero se interroga sobre cuestiones relacionadas con la imposibilidad del ser humano de percibir la realidad sin transformarla; el vínculo entre la mirada y la memoria o entre la realidad y la ficción".

En primer término, óleos sobre lienzo de la serie Folded de Fernando M. Romero. Foto: FMR

Coincidiendo con la celebración de la muestra, Fernando M. Romero realizará una instalación en el Sculpture’s Corner de la Plaza Europa de L’Hospitalet  que será inagurada durante el Mobile World Congress ‘15 de Barcelona. El proyecto contarà con la edición de un catalogo, con textos de Jaume Vidal Oliveras y Albert Mercadé. Residente entre Berlín y Córdoba, Fernando M. Romero (Córdoba, 1978) es, a juicio de la fundación catalana, "uno de los artistas más prometedores de la plástica española contemporánea, una realidad avalada por su trayectoria, incluyendo su paso por ferias como JustMad (Madrid), SWAB (Barcelona), Estampa (Madrid) o ArteSantander (Santander); así como sus recientes exposiciones individuales en Berlín (Egbert Baqué Contemporary Art), Estocolmo (Candylandgallery), Valencia (Galería Paz y Comedias), Elche (IV Beca Pilar Montalbán), Sevilla (AJG Gallery), Córdoba (Combo) o Santander (Galería Siboney), y con importantes reconocimientos como la Beca Artes Nobles 2009, la IV Beca de Pintura Pilar Montalbán 2012 o la Beca de Creación de la Fundación Botí en 2001". 

Fernando M. Romero. Partículas elementales

Fundación Arranz-Bravo. Hospitalet, Barcelona

Hasta el 22 de marzo

Todo lo que subyace. Trabajos de Fernando M. Romero en la Beca Pilar Montalbán

All that lies below_01/02. Cinta PVC y panel de yeso sobre pared. Foto: FMR

Redacción / Ars Operandi

Continúa imparable la trayectoria ascendente de Fernando M. Romero (Córdoba, 1978). Si meses atrás dábamos cuenta de su paso por las galerías Paz y Comedias de Valencia, AJG de Sevilla, CoMbo en Córdoba y Siboney de Santander, amén de su participación en ferias como Arte Santander y Estampa, ahora le toca el turno a Elche donde hoy presenta All that lies below/ Todo lo que subyace. Se trata de una recopilación de los trabajos fruto de la IV Beca de Pintura Pilar Montalbán que el artista cordobés obtuvo en 2013.  La beca, convocada para artistas menores de 35 años, está dotada con 6.000 euros e incluye la edición de un catálogo y la realización de una individual con los trabajos realizados a lo largo del año. Plegados, el proyecto del artista cordobés, quien ya quedó finalista en la tercera edición, fue seleccionado entre casi noventa propuestas de pintores españoles o residentes en España.

All that lies below_01/02. Cinta PVC y panel de yeso sobre pared. Foto: FMR

Fernando M. Romero continúa en All that lies below/ Todo lo que subyace un proceso de trabajo en el que manipula y distorsiona las imágenes "hasta lograr una fractura entre la codificación visual resultante y su referente original". Una reflexión sobre la naturaleza de la imagen que pretende cuestionar su condición artificial y los procesos que intervienen en su construcción. Plegados, el proyecto que da pie a este trabajo, surge de la necesidad de "profundizar en estos procesos previos en el estudio y abordar de una forma más directa los problemas con la imagen y sus manipulaciones ya presentes en mi obra". Fernando M. Romero pone especial atención en los procesos que "desencadenan, nutren y condicionan mi actividad pictórica, buscando así desvelarlos y hacerlos más evidentes".

All that lies below_01. (detalle) Cinta PVC sobre pared. Foto: FMR

Aunque el territorio connatural de Fernando M. Romero es la pintura, a partir de 2011 ésta comienza a desbordar la superficie del cuadro para situarse dentro de un campo expandido que integra además la instalación, fotografías y objetos. A este respecto, Sema D'Acosta, autor del texto del catálogo editado con motivo de la muestra, refiere que "aunque la problemática de cada ámbito requiere posiciones distintas, existe en todos sus trabajos un componente sintáctico, intrínseco al lenguaje pictórico, que se mantiene invariable desde sus inicios. Sus preocupaciones son de orden conceptual antes que procedimentales, por eso lo que encontramos en su obra es un permanente cuestionamiento del medio que rebate no sólo sus fronteras, sino también la manera en que se construye una representación artística o es percibida por el espectador. Lejos de la ortodoxia canónica del género, sus planteamientos van acumulando estratos de complejidad hasta confundir el carácter de sus piezas, que en muchos casos no son ni una cosa ni la otra, sino más bien una mezcla amplificada de valores diferentes que superan las preocupaciones habituales de la pintura para adentrarse por otros derroteros más profundos que nos hacen pensar sobre lo que vemos y cómo se construye la realidad al modo en el que lo describe John Berger, evitando los juicios preestablecidos y asumiendo el peso de la contemporaneidad".

Un_folded_02.  C-print sobre papel fotográfico. Fernando M. Romero, 2014

Como resulta ya habitual en sus proyectos, Romero ha ideado para su comparecencia en Elche  una propuesta que tiene mucho que ver con el sitio específico. En la planta baja ha dispuesto una de sus fragmentadas intervenciones reticulares realizadas con cinta PVC. La novedad estriba ahora, como indica Sema D'Acosta, "en que de manera natural incorpora distintos planos, un ensanche tridimensional que se apropia del espacio para crear un volumen inexacto que se independiza y adquiere sus propias reglas. Así, como en los rigurosos grabados de fidedignos interiores inexistentes que inventara Piranesi, donde lo que creemos divisar se desvanece una y otra vez sin saber bien en qué dimensión situarlo, aquí el artista crea de nuevo una partitura especulativa a modo de ensayo, una tentativa que no hace más que corroborar sus incesantes exploraciones con el medio y su multiplicidad de enfoques".

Folded_01. Óleo sobre papel. Fernando M. Romero, 2013

De esta manera la obra del artista cordobés se convierte, en palabras de D'Acosta, en un "audaz ejercicio tautológico donde lo verdaderamente trascendente no es la imagen que se consigue, sino la reivindicación del acto de pintar como una práctica mental compleja y ramificada que se sitúa al mismo nivel que cualquier otra expresión intelectual sostenida por el pensamiento. En este sentido, es clave desglosar el proceso y dar protagonismo a todo lo que ocurre en el estudio, una investigación que gracias a la cámara permite ahora destapar aquellos procedimientos motores que antes quedaban silenciados. Al incluir la fragmentación del tiempo como variable que registra los cambios y permite escarbar en las circunstancias intermedias que hacen progresar la actividad creativa, esta nueva coordenada mide de igual modo el hecho pictórico y sus consecuencias, una dilatación que refuerza la importancia de las ideas por encima de las materializaciones y utiliza el mismo rasero para ponderar un óleo sobre lienzo, una intervención en la pared o una fotografía".

All that lies below/ Todo lo que subyace
Fernando M. Romero
IV Beca de Pintura Pilar Montalbán
Centro Municipal de Exposiciones de Elche

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