Mis Labores de José Mª García-Parody, puntadas con hilo en el Bellas Artes

José Mª García-Parody, Dunhuan Look 07_Otoño 2016, Técnica mixta, 2017. Foto: C. F.

Cristian Fortunatti / para Ars Operandi 

La supremacía del sustrato y la absoluta desestructuración formal dan forma a una audaz selección de trabajos llevados a cabo por José María García-Parody, y que se abren lugar en la sala de exposiciones número I del Museo de Bellas Artes de Córdoba, bajo el nombre de Mis Labores. Enmarcada dentro de las denominadas “pinturas automáticas”, donde se da rienda suelta al potencial expresivo de la forma y se rezaga cualquier rastro de racionalidad y control sobre la composición, la colección se nos manifiesta bajo la forma de dos series: El Hilo Rojo y Puntadas Sin Hilo. Ambas colecciones se gestan en el marco de una rebeldía contra el patriarcado, aquél que determinará por los años 60 que determinadas tareas debían ser desempeñadas por las mujeres como instructivo para ser la ama de casa perfecta. Acudiendo a su ayuda, sus amigas serían el disparador para la sublimación de una energía creativa que encontraría su materialización en el papel impreso en cuatricromía, el sustrato y lienzo de su caudal artístico. 

El Hilo Rojo consta de una selección de piezas de 20.8 x 29 centímetros, cuyos márgenes de papel blanco delimitan un campo de trabajo central donde las formas se expresan de manera libre y se da rienda suelta al movimiento de la pincelada, imperando los colores fríos sobre un sustrato de tono neutro, se establece un sutil y cuidado equilibrio de tonos y texturas. Se distingue como rasgo distintivo de esta colección un hilo rojo en el extremo superior de las piezas como elemento bisagra entre las piezas y como materialización de la metáfora solapada: la unión perpetua de las piezas en un nexo infinito e inquebrantable. 

José Mª García-Parody. Red String 05_Invierno 2014, técnica mixta, 2017. Foto: C. F.

De similares lecturas compositivas, Puntadas sin Hilos se manifiesta sobre páginas de Silk Road Ketchbook, catálogo bajo la firma de Adolfo Domínguez, donde la acuarela, el acrílico y el lápiz son el vehículo de expresión artística para materializar un compendio de composiciones abstractas, desestructuradas con ausencia absoluta del control del pincel, como proclamación de la libertad creativa de las formas. Esta vez, el hilo rojo cede ante la presencia de su huella, una serie de puntos alineados que hace las veces de hilo conector de las piezas. Ambas colecciones se vinculan por un deseo explícito de libertad expresiva y recato cromático que cede paso a la pincelada impertinente y a las texturas emergentes. En tanto exista potencial creativo, existirán sustratos insospechados… 

José María García-Parody 

Mis Labores 

Sala I, Dibujos y Estampas 

Museo de Bellas Artes de Córdoba

Hasta el 27 de mayo

Juan Luque y Lola Guerrera presentan obras en Madrid, García Parody en Ronda

Obra de José María García Parody en el Museo Joaquin Peinado de Ronda. Foto: Cortesía del artista

Redacción / Ars Operandi

Tres artistas cordobeses presentan en estos días sus obras en dos galerías madrileñas y en un museo de la localidad malagueña de Ronda. El más veterano, Jose María García Parody, sigue buscándole las vueltas a las palabras. Caja de citas, la muestra que ha inaugurado en el Museo Unicaja Joaquín Peinado de Ronda, es un compendio de obras realizadas a partir de textos poéticos y narrativos de diversos autores y materializadas en forma de poemas-objeto, collages o pinturas. Una querencia por amalgamar la palabra, la pintura y las imágenes que es posible rastrear tanto en series recientes como Cuaderno de Ronda como en piezas clásicas como Bartleby o Al pie de la letra.

Escribe Pablo García Casado en el texto de presentación que los artistas, los escritores toman prestados "los objetos, las palabras, los colores y los fragmentos". "Nada nos pertenece, y apenas nuestra labor, que no es poca, es cambiar las cosas de sitio". Todas las imágenes, todas las frases pertenecen al espectador. "Su trabajo fue coleccionar toda clase de citas, frases a medias, recortes y demás subproductos del hecho mismo de vivir. Todo esto a usted le pertenece".

El arte perdido de guardar la luz de Juan Luque en Ansorena. Foto: Cortesía del artista

Por su parte, el montillano Juan Luque presenta su tercera individual en la galería Ansorena de Madrid bajo el título El arte perdido de guardar la luz. Las carpas de circo, los paisajes de la Toscana o los moteles de carretera, temas recurrentes en series anteriores, han dado paso a una muestra que gira en torno a la luz de los faros. Un motivo que ya Juan Luque ha cultivado a lo largo de su carrera y que se convierte en el eje articulador de la muestra madrileña. 

Una pintura que se contamina del cine y otros medios audiovisuales y que experimenta con nuevas técnicas que hacen aparecer nuevos matices y acabados espejados. Usa telas, indican desde la galería, "con fondos de colores y cartones para dar a sus composiciones un abanico más amplio de texturas y color, éste más vibrante y protagonista que en otras ocasiones. Trabaja con óleo, pero también con resinas y otros materiales que va aplicando y retirando, todo ello deja un poso que es intuido por el espectador y se reinterpreta en cada mirada ajena".

Lo vulnerable II, instalación de Lola Guerrera en Astarté. Foto: Cortesía de la galería

La fugacidad del tiempo es el hilo que conduce las obras que Lola Guerrera presenta desde hoy en la galería Asarté de Madrid dentro del programa Off de PHotoEspaña15. Un concepto expandido de la vánitas que la ha llevado a realizar instalaciones efímeras que adquieren sentido solo a través del uso de la fotografía. En Lo vulnerable II Guerrera prescinde incluso del acto fotográfico para presentar directamente una instalación de naturalezas muertas compuesta por hojas, ramas y flores que recolecta en los lugares por los que pasa. 

La artista explica que en Madrid una plaga de un escarabajo llamado galeruca ha devorado literalmente las hojas y ramas de los cientos de olmos que pueblan la Comunidad. "Éstos han dejado el suelo de las aceras lleno de hojas agujereadas, que durante meses me han maravillado por parecerme absolutamente bellas. Así que después haberlas recogido, observado y probado en distintas opciones instalativas decidí proyectarles luz. Para mi sorpresa descubrí que el juego de sombras generado al proyectar esta luz componía la representación en miniatura de todo un cosmos".

CAJA DE CITAS. JOSÉ MARÍA GARCÍA PARODY
Museo Joaquin Peinado, Ronda
Hasta el 29 de agosto

EL ARTE PERDIDO DE GUARDAR LA LUZ. JUAN LUQUE
Galería Ansorena, Madrid
Hasta el 4 de julio

LO VULNERABLE II. LOLA GUERRERA
Galería Astarté, Madrid
Hasta el 31 de julio

DISPONIBLE CATÁLOGO DIGITAL DE CAJA DE CITAS EN ARS OPERANDI TXTs

Papeles de García-Parody

8624 (de la serie Papeles de don Adolfo)

José Álvarez/ Ars Operandi

García-Parody con el papel impreso, la exposición que abre la muy interesante nueva temporada de la Galería José Pedraza de Montilla, es una muestra que comprende trabajos realizados con el papel como protagonista fechados entre 1986 y 1998. En ella, el papel no es sólo el soporte, sino que su propia configuración—su textura, sus impresiones o colores—conforman la composición de cada una de las obras, en un brillante ejemplo de cómo el artista nos puede proporcionar un exquisito deleite mediante la conjunción de saber buscar y tratar los materiales a trabajar y adaptarlos de forma coherente al propio lenguaje, una actitud que convierte en inescindibles técnica y concepto.

Desplegada a modo de secuencia novelada, la muestra se compone de tres series tituladas Collages, Papeles de don Adolfo y Los papeles de los Peidró. Novelada porque cada serie de obras la podemos aprehender más allá de la simple contemplación, pues todas y cada una de ellas—aún funcionando de forma independiente—pueden encuadrarse dentro de un proceso paralelo al literario en el que el artista acompaña cada serie con una presentación—la historia de los materiales que la conforman—, el nudo creativo y nuestra lectura, el paso final en el que nosotros, los espectadores, asistimos al desenlace del hecho artístico.

Es por eso que el texto del catálogo, a más de la habitualmente serena reflexión artística y magisterio sobre cómo encarar la creación de una obra de arte de la que hace gala la prosa de García-Parody, complementa su selección adentrándonos en la intrahistoria de cada uno de los papeles y cómo se propició la unión de ellos, su transformación. Así es posible conocer que envoltorios de regalos, revistas antiguas o anuncios son los materiales elegidos para urdir la serie Collages, un total de nueve obras realizadas entre 1989 y 1991 de evocadora estética vintage en cuatro piezas de la serie, por el uso de las fotografías publicitarias y tipografías de época, junto a composiciones no figurativas en las que sus elementos son detalles impresos.

Por su parte, Papeles de don Adolfo (1986-1994) es una serie de catorce obras, la mayoría inéditas, en las que García-Parody ha utilizado como soporte papeles de diferentes catálogos de colecciones de la firma Adolfo Domínguez. Las obras combinan los acabados en cuché, satinados o estucados con pintura acrílica, dispuesta de tal modo que quede anulada referencia previa alguna, en un proceso de pintura automática gradual que da como resultado una fusión total entre el material inicial y la capa pictórica añadida.

Los papeles de los Peidró hacen referencia al platero Rafael Peidró (1903-1987) y a sus descendientes, quienes regalaron a Parody un lote de papeles hallados en el antiguo taller familiar. No se puede decir que el artista no sacara partido de esta donación: los papeles de los Peidró—antiguos catálogos de joyería, carpetas, apuntes, facturas…—han servido de punto de partida para diversas obras que han estado presentes en exposiciones como Séneca y la Córdoba romana (1997), Esti-Arte 04 (2004), Discursos interrumpidos (2005) o Parole, parole, parole, Parody (2009), junto a nuevas composiciones que aúnan pintura y collage. Son unas obras que no sólo nos deleitan en su inmediatez, sino que adquieren un valor añadido por su pasado, el valor de la transformación que el artista hace de lo ya existente, un valor perceptible en cada una de las obras de García-Parody.

José Mª García-Parody

García-Parody con el papel impreso

Galería José Pedraza

C/ La Andaluza, 1, 14550, Montilla, Córdoba

Hasta el 9 de noviembre

DESCARGAR EL CATÁLOGO COMPLETO AQUÍ

ars textos

Nueva cabecera: José Mª García Parody

Comienza el mes y presentamos a nuestros lectores la nueva cabecera que nos acompañará en nuestra andadura de febrero, una excelente creación del artista José María García Parody, a la que acompaña el texto publicado en la anterior entrada. Desde Ars Operandi agradecemos cordialmente a José Mª García Parody su amable colaboración, que hace la trigésimo cuarta de nuestra colección.
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García Parody en Arte21

LETRASET

por Pablo García Casado

En inglés, si le quitas a espada la letra ese, se convierte en palabra. Sólo un carácter y todo cambia. Ocurre igual con la polisemia de la palabra carácter. Si pensamos en la letra ese, todos estamos de acuerdo en concederle un trazo sinuoso. De hecho 2 de las 7 letras de la palabra sinuoso son eses. Pero el carácter de una letra ese escrita en gill sans comprimida es sólo un apunte, como inocente un golpe de tinta de Ramón Gaya, mientras la garamond cursiva es retorcida e inquietante, y esconde oscuros secretos en cada curva.

La grafía del carácter modifica el contexto, provoca en el lector un estado de ánimo. Un club de alterne que quiere ser distinguido usará una bodoni de trazo grueso. La marca de un jabón neutro se escribe en una limpia helvética. Un banco utiliza la comic para vender cuentas de ahorro para niños. Por eso el catálogo de letraset que aún atesora mi tío no es un simple muestrario comercial de transferibles, es un catálogo de emociones, un poemario que podría haber escrito Raymond Queneau. Las mismas letras, el mismo abecedario en mayúsculas, en minúsculas, y sus números correspondientes, adoptando un carácter comercial, festivo, íntimo, decadente o puramente administrativo. Hasta aquellas que apenas aspiran ser un trazo eficaz y comunicable esconden pequeños gestos, serifas bajo los unos, una zeta que se ensancha, el cero que se estrecha en exceso para no ser o mayúscula.

Puede ser la palabra la unidad última de significado, pero la letra es el átomo de las emociones. El perfil de su contorno, la elección de la tipografía sobre el resto: todo eso ya genera en quien lee o quien observa una emoción.

José Mª García Parody
Parole, Parole, Parole, Parody
Galería Arte21 

Reconversiones en Arte21

Foto: Ars Operandi

Redacción / Ars Operandi

La galería Arte 21 celebra su décimo aniversario y lo hace de una manera muy especial, invitando a un grupo de artistas a realizar una obra específica con el espacio galerístico como telón de fondo. Para ello asignó a cada uno de los cinco artistas una pared de la sala para que la intervinieran libremente. El resultado es una interesante muestra, en la que Nieves Galiot, Cristina Cañamero, Tete Álvarez, José Mª García Parody y Ángel García Roldán, reflexionan en torno a la creación, la exhibición y la comercialización de la obra de arte en los albores del siglo XXI.

Obra de Nieves Galiot. Foto: Ars Operandi

Aprende a dibujar por amor al arte es la propuesta de Nieves Galiot (Córdoba, 1968). Una obra mural (375 x 250 cm.) con la que todos los asistentes a la inauguración pudimos disfrutar carboncillo en mano, uniendo los puntos hasta completar los dibujos que Nieves había planteado en una sutil interpretación de nuestros juegos infantiles: “unas veces adivinaba el resultado, pero en otras ocasiones era necesario unir los puntos casi hasta el final para ver completa la escena. Con un trazo más seguro han ido apareciendo figuras sobre el papel, un paisaje de lo medio aprendido con frágiles equilibristas, bañistas en guardia, ranas con falsas promesas y personajes que engordan porque no fui capaz de ponerme un dedal”.

Obra de Cristina Cañamero. Foto: Ars Operandi

Para Cristina Cañamero (Campillos, Málaga, 1970) “la galería, herida de muerte, se dispone a mostrar su carne a los últimos espectadores posibles”. Y lo hace con inquietante pieza en acrílico y carboncillo sobre la pared que nos muestra una herida sangrante sobre la que pululan las moscas como metáfora del espacio galerístico.

Obra de Tete Álvarez. Foto: Ars Operandi

Tete Álvarez (Cádiz, 1964) presenta Retrato de artista trabajando una videoinstalación realizada a partir de la acción registrada en video del artista Antonio Luis Navarro que dibujó al carboncillo sobre la pared de la sala de exposiciones. Sobre esta misma pared y encima del dibujo se adhirieron numerosos tickets de compra hasta llegar a taparlo casi por completo. Sobre este lienzo de papeles pegados a la pared, se proyecta en video, a tamaño real, la acción previamente grabada.

Según el autor, “Retrato de artista trabajando es una obra que reflexiona sobre la condición del artista en su relación con los determinantes economicistas que configuran su posición dentro de la lógica del mercado. Retrato de artista trabajando habla de creación pero también de exhibición y comercialización como elementos indisolubles dentro de la práctica artística”.

Para Tete Álvarez “la obra artística responde a un trabajo creador y éste debe ser cuantificado a efectos de su retribución”. Añade que “resulta un hecho habitual comprobar cómo el artista, primer eslabón de la cadena, es el único de los que componen el proceso de una exposición que no percibe retribución alguna en capital económico. El artista está pagado, como bien dice Juan Antonio Alvarez Reyes, en capital simbólico”.

Por otro lado, afirma Tete Álvarez “las transformaciones acaecidas en la economía del arte en los últimos años, han producido cambios irreversibles en la naturaleza de ésta. Ya desde finales de los sesenta las prácticas artísticas muestran una progresiva tendencia hacia la desmaterialización del objeto artístico y por ende una transformación en el rol del artista que pasa de ser productor material a productor inmaterial. Esto hace que lo que era una actividad centrada en exclusiva en la venta del objeto se haya convertido en otra, basada en la circulación y distribución, más parecida a la practicada por otras disciplinas artísticas como la música y el cine y en las que resulta un hecho natural la retribución por la exhibición o reproducción de la obra”.

Esta visión, concluye Tete Álvarez, “marca la nueva perspectiva desde la que se ha de afrontar cualquier intento de redefinir las prácticas artísticas. En este sentido resultan muy enriquecedoras aportaciones como las manifestadas por la Societe Anonyme, un grupo de artistas y teóricos que mantiene que en las sociedades del siglo XXI, el artista no percibirá sus ingresos de la plusvalía que genera la mercantilización de su obra, sino que cobrará en función de los derechos asociados a la circulación pública de su trabajo. Ellos sostienen que la nueva economía del arte no entenderá más al artista como productor de mercancías destinadas a los circuitos del lujo en las economías de la opulencia, sino como un generador de contenidos específicos destinados a su difusión social.”

Obra de García-Parody. Foto: Ars Operandi

Jose María García-Parody (La Línea de la Concepción, Cádiz, 1951) presenta por su parte Estamos vendidos, una obra mural de 435 x 215 cms compuesta por dos figuras elaboradas a base de puntos autoadhesivos rojos como los utilizados para indicar en una galería que una obra ha sido adquirida, y un texto dibujado con pastel y lápiz en el que se puede leer la frase Estamos totalmente vendidos. Otra hábil propuesta de García Parody en la que el artista juega, como nos tiene acostumbrados, con el doble sentido de las palabras para reflexionar acerca de la situación del artista frente a las imposiciones del mercado del arte.

Obra de Ángel García Roldán. Foto: Ars Operandi

Ángel García Roldán (Córdoba, 1972) emplaza su obra Babel21 en el lugar más recóndito de la galería para modificarlo mediante una intervencion a base de adhesivos circulares blancos y tubos de luz negra que crean, según el artista, “un complejo sistema de coordenadas y ordenadas para hacer posible la medición de los momentos.”

Para García Roldán “la propuesta Babel21 supone una intervención efímera en el espacio cotidiano de la galería para poner de manifiesto la relación entre memoria, espacio y tiempo. Babel21 alude no sólo al mito del que toma su nombre, sino también a otras cuestiones relacionadas con la invención de utopías, la concreción de ciudades ideales o la virtualidad representativa de un mundo que se manifiesta a través de red. Babel21 propone una “reconstrucción del espacio sobre si mismo”, que lo convierte en un lugar ideal para contemplar un mundo donde uno, a su vez, puede ser contemplado. Babel21 transforma la mirada del espectador en un rápido parpadeo (Augenblick) que posibilita la concreción de los momentos o “instantes precisos”, y favorece la reconstrucción, a posteriori, de los recuerdos y la memoria colectiva, próxima a postulaciones minimalistas como las de Dan Flavin o las de Donald Judd entre otros”.

Según afirma el artista “con Babel21, proponemos un homenaje no sólo a la galería que hoy celebra su aniversario, sino también a todos los autores que en ella expusieron. Sacando a la luz las huellas de su presencia en unas paredes que aunque borradas periódicamente por sucesivas capas de pintura, en un intento de tabula rasa, aún pueden reaparecer”.

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De i a d, Tete Álvarez, Antonio Jiménez (Arte21), Ángel García Roldán, García Parody, Nieves Galiot y Cristina Cañamero. Foto: Luis Colmenero.