Juan Gris. CXV Aniversario

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Juan Gris (23 marzo 1887 – 11 mayo 1927), Autorretrato, 1912

 

Juan Serrano y Gómez Losada inauguran con "Ensamble" la nueva sala de exposiciones de Filosofía y Letras

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Vista de las maquetas de Juan Serrano. Foto: Ars Operandi

Redacción / Ars Operandi. 

Ensamble, un proyecto conjunto de los artistas Juan Serrano y Miguel Gómez Losada, ha sido la muestra elegida para acompañar la inauguración de un nuevo espacio expositivo en la ciudad, Las Galerías Cardenal Salazar, situado en la Facultad de Filosofía y Letras. La creación de este espacio es un paso más en el camino emprendido desde el decanato de Eulalio Fernández destinado a hacer del antiguo Hospital de Agudos un activo centro generador de cultura además de transmisor del conocimiento. 

Las Galerías Cardenal Salazar forman parte de un proyecto destinado a crear un espacio de confluencia entre la investigación y la difusión de la creación contemporánea abierto tanto al ámbito universitario como especialmente a la ciudadanía, dirigido por Pablo Rabasco, profesor del Departamento de Historia del Arte, Arqueología y Música de la Universidad de Córdoba, junto a un Consejo Asesor del que forman parte profesores del mismo centro y de otras facultades además de artistas y profesionales del mundo del arte y la cultura. Para Pablo Rabasco, el proyecto "pretende ser un espacio flexible, abierto y dinámico, que desde la Facultad de Filosofía y Letras, desde el centro histórico de la ciudad, se acerque a expresiones novedosas y valientes de la cultura contemporánea".

Ensamble, de los artistas Juan Serrano y Miguel Gómez Losada, es una producción específica para la inauguración de Las Galerías Cardenal Salazar, conformada por diversas obras, algunas de ellas realizadas conjuntamente por ambos artistas. Para Rabasco, uno de los atractivos de esta colaboración es comprobar cómo "dos formas distintas de entender el arte asumen sus diferencias para crear un lugar de encuentro".  

Nicaragua a través de la cámara de Rafael Trobat

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Una vista de la Sala Vimcorsa. Foto: Sonia Corzo

Sonia Corzo / Ars Operandi.  

Desde el 15 de marzo se puede contemplar en la Sala Vimcorsa de nuestra ciudad la exposición Aquí junto  al agua. Nicaragua, del fotógrafo cordobés Rafael Trobat. Conformada a modo de revisión de la obra del artista, la exposición muestra la producción realizada a lo largo de dieciocho años de estancias temporales en el país centroamericano. 

 Rafael Trobat (1965) se inició en la fotografía en 1988, viajando a Nicaragua por primera vez a mediados de 1990, donde inició un proyecto a largo plazo sobre la vida cotidiana de Nicaragua y su evolución tras el fin del periodo revolucionario. En la primavera de 1991 llegó al Círculo de Bellas Artes de Madrid un portafolio de Rafael Trobat con imágenes de Nicaragua, con el que optaba a la selección de jóvenes autores que habrían de exponer en la Sala Minerva de Fotografía de ese mismo año. El jurado que examinaba las propuestas decidió apostar por esta serie de fotografías, trabajo que en 2005 presentó como tesis doctoral, obteniendo el título de Doctor en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Su formación como fotógrafo se desarrolla junto a Cristina García Rodero, mientras que paralelamente realiza encargos fotográficos para diferentes medios internacionales. En 1994 es premiado por la Fundación Banesto con la Beca Banesto de Creación Artística y en 1996 es seleccionado por World Press Photo para participar en su masterclass en Rotterdam, Holanda. Recibe la Beca Fotopress’99 de la Fundación La Caixa y es premiado por la Fundación Caja de Madrid en 1998. Su trabajo ha sido expuesto en España, Italia, Francia, Alemania, Holanda, Inglaterra, Suiza, Austria, Rusia, Estados Unidos, Nicaragua y en la mayoría de los países de América Latina. 

El periodo que abarca este trabajo comienza en 1990 con la derrota electoral de la Revolución Popular Sandinista y termina en 2008 tras el regreso al poder de Daniel Ortega, uno de los líderes del movimiento armado que, tras derrocar al dictador Somoza en 1979, gobernó el país durante más de una década. Trobat utiliza esta etapa histórica para realizar un retrato de la sociedad nicaragüense, imagen que se aleja voluntariamente de los avatares políticos. La suya es "una aproximación a la idiosincrasia de un pueblo que celebra la vida por encima de las catástrofes naturales y conflictos bélicos", según el comisario de la exposición, Alejandro Castellote; una narración estructurada a partir de escenas cotidianas, donde conviven el histrionismo, la ternura, el dolor y la euforia. 

La voluntad de Trobat es compartir su experiencia sobre Nicaragua, para lo que se sirve de fotografías en blanco y negro que revelan una mirada inteligente y muy personal. Ha sido una experiencia que se ha ido haciendo más compleja conforme su conocimiento del país se ha enriquecido. Aquello que podría parecer partir de una de las miradas europeas sobre lo diferente, se ha convertido en parte de su biografía, junto a su mujer nicaragüense y su hija, que comparte ambas nacionalidades. En esencia, para Castellote, "sus fotografías toman como principal tema la vida, con el mundo como escenario y el ser humano como protagonista". 

Rafael Trobat 

Aquí junto al agua. Nicaragua 

Sala Vimcorsa 

C/ Ángel de Saavedra 9, Córdoba 

Lunes a sábados de 10:30 a 13:30 h. y 18:30 a 20:30 h. 

Domingos y festivos de 10:30 a 14:30 h. 

Hasta el 6 de mayo de 2012
Comisario: Alejandro Castellote

 

Mapas y gárgaras

Abb. Michelin, Départements France № 325: Creuse, Haute-Vienne, Abschn. E/F-7/8. Fotografía de Sinaida Michalskaja

A. L. Pérez Villén/ Ars Operandi

Me comenta un amigo que leyendo la última novela de Houellebecq se ha sentido como si el protagonista, Jed Martin, le hubiese usurpado su personalidad: un artista que se dedica a hacer mapas y que utiliza las mismas herramientas, soportes y procesos que él. Una amiga me dice que El mapa y el territorio no arroja la imagen de un autor en exceso misógino, como sucedía en sus anteriores novelas. A mí ya no me interesa como antaño, cuando cada libro suponía tomar partido en la polémica que se planteaba en sus páginas. No es que el francés haya bajado la guardia en cuanto a temas y enfoques –que también– es que me he dado cuenta de que no me gusta como escribe. Antes tampoco me gustaba pero me quedaba fascinado con lo que contaba. La cuestión es que ahora lo que más me llama la atención es lo deficiente de su escritura.

De manera que estoy hecho un lío porque siempre he pensado que lo importante de un artista no es lo que cuenta sino cómo lo expresa. No obstante he reconocido que me gustaba Houellebecq porque sus primeras novelas te obligaban a replantearte muchas cosas, pero también he dicho que ya no me gusta como escribe. Entonces qué es lo que importa en una obra de arte. Insisto en que lo canónico durante el siglo pasado era primar la manera sobre el contenido pero ya no lo tengo tan claro. Creo que ambas cosas venían de la mano. La importancia que el impresionismo y el resto de los ismos tienen para el arte del siglo XX no es sólo por el lenguaje que emplean –absolutamente novedoso en cuanto a técnicas– sino también por lo que transmiten: una impresión moderna de la naturaleza y de la arritmia caótica de la urbe y sus habitantes. 

Así que lo mejor para una obra de arte debería ser la equilibrada combinación de un discurso atractivo y una tesis penetrante. Esta es la razón por la que ya no me interesan tanto Houellebecq ni algunas creaciones artísticas contemporáneas, porque el método que emplean hace aguas cuando no gárgaras y tras el ruido de éstas se escucha la misma canción de siempre. Más de lo mismo y además mal resuelto. Ya no lo creo, confirmo que me hago mayor, cada vez tengo menos paciencia y soy menos tolerante con lo que no me interesa. ¿Tenéis la misma impresión? ¿Hay alguien por ahí?

La uavA se presenta en Córdoba

Asamblea informativa de la uavA celebrada en el CAAC. Foto: uavA

Redacción / Ars Operandi.

La Unión de Artistas Visuales de Andalucía (uavA) realiza el próximo sábado a las 11,30, en la Sala Josefina Molina de la Filmoteca de Andalucía, una reunión informativa abierta a toda  la comunidad artística cordobesa. El encuentro forma parte de las actividades que se están desarrollando para dar a conocer la asociación ante los artistas visuales de las distintas provincias andaluzas. La uavA se constituye como asociación sin ánimo de lucro con los objetivos de representar a los artistas visuales andaluces, defender y promover sus intereses, contribuir a la cohesión y a la profesionalización del colectivo de creadores y a la promoción del arte contemporáneo en nuestra comunidad.

La Unión viene a suplir las carencias que en materia asociativa ha venido padeciendo la comunidad artística andaluza y que han impedido secularmente la representación del sector como un colectivo homogéneo y estructurado. Esta situación de falta de cohesión contrasta con la tradición asociativa de otras comunidades como la catalana donde la Asociación de Artistas Visuales de Cataluña (AAVC) posee una dilatada trayectoria de más de 30 años y cuenta en la actualidad con más de 1.300 asociados, un 24.5% del censo de artistas en Cataluña. Ambas asociaciones forman parte de la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales (UAAV), la federación estatal que agrupa a las asociaciones profesionales de artistas visuales de Asturias, Castilla y León, Islas Balears, Islas Canarias, Comunidad Valenciana y Aragón, además de las citadas Andalucía y Cataluña.

Desde su constitución en diciembre de 2010 desde la uavA se han iniciado trabajos para plantear mejoras posibles en  las condiciones profesionales del sector, una mediación eficaz con instituciones públicas y agentes privados, así como el desarrollo de actividades que permitan fortalecer el tejido cultural andaluz. De esta manera la asociación ha formado parte de las mesas de trabajo que puso en marcha la Consejería de Cultura para abordar asuntos relacionados con las políticas culturales que afectan al sector. La Unión cuenta para el asesoramiento de sus asociados con los servicios de una consultoría jurídica especializada en temas fiscales y de propiedad intelectual. Los asociados a la uavA  disponen de una tarjeta de identidad que les facilita el acceso gratuito a los principales museos, y centros de arte españoles entre los que se encuentran el MACBA, MNCARS, IVAM, ARTIUM, CGAC. De igual manera es posible acceder de manera gratuita a la ferias de arte como ARCO, Estampa o ArtMadrid los días reservados para visitas profesionales. Dentro de las actividades iniciadas por uavA destaca la puesta en marcha un portal web que pretende ser una referencia para la actividad profesional en el campo de las artes visuales en nuestra comunidad. La web recoge información y documentación de interés para el sector así como el acceso a una base de datos donde se difunde el trabajo artístico de los asociados. A través del portal es posible acceder también al canal  que permite realizar consultas online a la asesoría jurídica.

Al tratarse de una comunidad tan extensa como la andaluza, los estatutos de la uavA recogen que en los ámbitos geográficos donde haya un mínimo de quince afiliados  se podrán constituir  comisiones territoriales que tendrán las funciones de representar, defender y mejorar las condiciones sociales, profesionales y culturales de los artistas de su entorno más próximo. Además de la figura de socio de número se contemplan también las figuras de socios colaboradores, benefactores y honoríficos además de una categoría especial que dispondrá de cuotas reducidas para menores de 30 años y estudiantes. Actualmente la cuota de socio de número se establece en 60 euros anuales y 30 en la cuota reducida para jóvenes. La aportación para los socios colaboradores será de 200 euros, mientras que la de socios benefactores se sitúa en 3.000 euros.

La uavA está presidida por el artista Curro González, ocupando las dos vicepresidencias Blanca Montalvo y Jesús Palomino respectivamente. Como secretaria de la asociación figura Gloria Martín mientras que José Miguel Pereñiguez lo hace como tesorero. La Junta Directiva se conforma además con la presencia de diecisiete vocales  entre los que se encuentran los artistas Carlos Miranda, Celia Macías, Fernando Clemente, Isidro López-Aparicio, Jacinto Lara, Jesús Algovi, Juan Ángel González de la Calle, Juan del Junco, Manuel Antonio Dominguez, Manuel Pedro Rosado Garcés, Marina Rodriguez Vargas, Miguel Pablo Rosado Garcés, Paka Antúnez, Ramón David Morales, Simón Zabell y Tete Álvarez.

Reunión informativa uavA

Sala Josefina Molina, Filmoteca de Andalucía

Sábado 17 de marzo, 11,30 horas

Karen Knorr. Premio Citoler en la Sala Puertanueva

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Una vista de la exposición de Karen Knorr. Foto: Sonia Corzo

Sonia Corzo / Ars Operandi.  

La Sala Puertanueva enfila sus dos últimas semanas de exhibición de la muestra dedicada al VI Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler, que incluye la exposición dedicada a la ganadora del V Premio (2010), Karen Knorr, junto a la de los diez seleccionados como finalistas para el VI Premio (2011). 

Karen Knorr (Frankfort, 1954), vive y trabaja en Londres, donde es profesora en el Goldsmith College. Desde la década de los 70 ha venido trabajando en series fotográficas con la relación del hombre con la sociedad, su cultura y patrimonio como eje argumental. La fotógrafa alemana ha utilizado la puesta en escena fotográfica a lo largo de su carrera y asimismo ha incorporado a su trabajo textos, vídeos e instalaciones. Knorr está representada por las galerías Les Filles du Calvaire de París, Eric Franck y James Hyman, ambas de Londres y la Valerio Tazzetti de Turín. Su obra forma parte de colecciones como The Cartier Foundation, Centre Pompidou, Paris, y el londinense The Victoria & Albert Museum entre otras. Es autora de varios libros monográficos y recibió el apoyo del Arts Council of England en 2001; de Hasselblad Foundation Reaserch Grant en 1998 y de Nacional Endowments for the Arts en 1986. 

En la muestra que presenta en la Sala Puertanueva, la artista ha seleccionado una amplia representación de las diversas series en las que ha trabajado, como Punk (1976-1977, en colaboración con Olivier Richon); Gentlemen (1981-1983); Connoisseurs (1986-1990); Academies (1994-2005); Fables (2003-2008) e India Song (2008-2011), serie a la que pertenece la obra ganadora del V Premio Citoler, titulada Flight to Freedom. En las ediciones anteriores fueron Begoña Zubero, Felix Curto, Manuel Sonseca y Juan del Junco los que se alzaron con el galardón. 

La obra ganadora de la VI edición ha sido El Valle. Piscina Municipal. Lobres, de Jorge Yeregui (Santander, 1975). Según declaraciones de Jorge Yeregui, la propuesta Paisajes mínimos “conforma una exploración conceptual sobre el valor simbólico que adquiere la naturaleza en la ciudad contemporánea”. Para el artista, la serie Paisajes mínimos “documenta nuevos espacios naturales cuya presencia urbana admite múltiples y contradictorias interpretaciones que oscilan entre el compromiso medioambiental y el “greenwashing”. 

Los nueve finalistas, cuyas obras se exponen junto a la fotografía ganadora de la VI edición son Wendy McMurdo, con la fotografía The Tent, Edimburg 2011; Joana Nieto Luinaráes Pimentel, (13ft/3m) serie Ilha Preta 2011; Paco Valverde Gámez, La casa de Fernán González. Libertador de Castilla; Paula Rubio Infante, Los trapos sucios se lavan en casa; Ricardo Ramón Jame y Marina García Burgos, Estaremos siempre unidos; Esteban Pastorino Díaz, Matadero. Carhue; Paloma Polo Carreño, Stills from others views; Alvaro Laíz García, Vanity, y Anne Fox, Untitled.  La exposición estará abierta al público hasta el 23 de marzo.

Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler 

Karen Knorr 

Finalistas del VI Premio 

Comisario: Alfonso de la Torre 

Sala Puertanueva 

Ronda de Andújar, s/n, Córdoba.

De lunes a viernes de 18:00 a 21:00 h

Sábados y domingos de 10:00 a 14:00 h. 

Hasta el 23 de marzo de 2012

 

Cuestiones de arte. Verónica Ruth y Cyro García en la Filmoteca

Redacción / Ars Operandi. 

 Los artistas Verónica Ruth Frías (Córdoba, 1978) y Cyro García (Ubrique,Cádiz, 1978) presentan mañana lunes en la Filmoteca de Andalucía la obra en video Tonto el que lo lea. Preguntas y respuestas. Se trata de una cinta documental en la que, a través de una serie de entrevistas, se plantean cuestiones relacionadas con diferentes ámbitos de la creación contemporánea. El proyecto forma parte de un trabajo que desarrollan entre 2010 y 2011 sobre "la creciente teorización de la obra plástica en el arte contemporáneo y si eso beneficia, y de qué manera a las creaciones", un estudio, afirman "a medio camino entre lo artístico y lo sociológico; entre el artista, el crítico, el galerista y el público; un mostrar lo que está sucediendo". Para la pareja de artistas el proyecto que se presenta "se constituye como un trabajo de creación donde el concepto, el proceso y la obra, nos deben servir para intentar poner de manifiesto, de alguna manera, lo que está sucediendo en la actualidad e intentar tender puentes de entendimiento entre la obra y el espectador, cuyo divorcio necesita ser atendido. Partiendo del tatuaje, explican, "Verónica  se tatúa tonto el que lo lea en la zona de la escápula con una intención clara: convertir su propio cuerpo en soporte y marco para la creación, poniendo su cuerpo al servicio del arte. El tatuaje sobre la piel de la artista es el comienzo de este trabajo que ha sido grabado en vídeo para dejar constancia de la propia acción. Esta grabación, una vez montada, se ha mostrado a críticos, galeristas, artistas, y personas de público en general que, a través de esta entrevista, indagarán en cuestiones del arte contemporáneo que se desprenden de la propia obra".  

En el documental, de casi una hora de duración, se plantean a los entrevistados una serie preguntas acerca de la obra de arte y de "las trampas y perversiones de la contemporaneidad". Los siete personajes responden a un cuestionario de preguntas tales como: ¿Piensa que el artista, realizando o encargando textos que acompañan a su obra, en muchas ocasiones, tiene el objetivo de dotarla de un contenido teórico, intelectual, del que a veces adolecen sus piezas en el momento de su concepción?, ¿Cuáles son las principales trampas que la contemporaneidad va tendiendo a los sujetos de la plástica actual?, ¿Y cuáles son las principales perversiones en las que éstos sujetos incurren?. Los encargados de contestar a las preguntas son los artistas María Cañas y Marcelo Viquez , la comisaria de arte Margarita Aizpuru, el crítico Carlos Jover, los galeristas Rafael Ortíz y Alejandra Bordoy y en representación de las personas que no tienen relación con el arte, el empleado de banca Jaume Campaner. Las respuestas, este lunes a las 7 de la tarde en la Filmoteca de Andalucía.

Tonto el que lo lea. Preguntas y respuestas.

Verónica Ruth Frías y Cyro García

Filmoteca de Andalucía, 19 h.

Calle Medina y Corella, 5 

Chagall y las vanguardias

Gólgota, 1912. Calvary, obra de Marc Chagall

A. L. Pérez Villén/ Ars Operandi

Dividida entre dos sedes -en el Museo Thyssen y la Fundación Caja Madrid- la muestra antológica de Marc Chagall es reclamo suficiente para regalarse un viaje a Madrid. Más de 150 obras procedentes de colecciones e instituciones públicas y privadas de todo el mundo ha logrado reunir su comisario, Jean-Louis Prat, que ha contado con préstamos del MoMA y el Guggenheim de Nueva York, la Kunsthaus de Zürich, el Kunstmuseum de Berna, el Stedelijk Museum de Amsterdam, el Tel Aviv Museum of Art, la Tate Modern de Londres, el Centre Pompidou de París… y todo ello para mostrar la primera retrospectiva del artista ruso en nuestro país. Un artista en extremo singular y que es clave para entender el devenir del arte en la centuria pasada. Un artista que parte de su Vitebsk natal a la conquista de París y que comienza a adquirir de manera casi inmediata un éxito espontáneo, lo que unido a su empatía personal le hicieron habitual de quienes habían de ser protagonistas de la creación artística durante la primera mitad del siglo XX: Léger, Modigliani, Soutine, Picasso y los poetas André Salmon, Max Jacob, Blaise Cendrars y Guillaume Apollinaire entre otros. 

Después de su desembarco en París vuelve a Rusia, se casa y le sorprende la 1ª Guerra Mundial, permanece durante la revolución bolchevique pero finalmente regresa a Francia a comienzos de los años veinte, donde seguirá viviendo el resto de sus días, a excepción de una estancia de varios años en Estados Unidos motivada por el peligro que para un judío representaba permanecer en suelo francés durante la ocupación nazi. Tan dilatada existencia (1887-1985) ha dado lugar a un generoso cuerpo de obra, compuesto de dibujos, pinturas, obra gráfica, cerámica y escultura, así como otro tipo de piezas vinculadas al teatro y la ópera: frescos, vestuario, decorados... Un cuerpo de obra que conserva la huella inconfundible de su autor, la delicada filigrana de un diseño tan moroso como pródigo, el esplendor rutilante de un cromatismo sensual y lírico, la apoteosis de un espíritu creativo que se permitía todo tipo de licencias compositivas y formales. Y una trama discursiva que aún en los momentos más trágicos destila esperanza y afecto. 

 Si por la razón que fuese sólo tuviésemos acceso a la obra última de Chagall –la que se enseñorea a partir de finales de los sesenta– podría decirse que se trata de la pintura de alguien que permanece ligado a la estética desvaída de las vanguardias del siglo XX, la obra de un anacronista que realiza su trabajo más allá del bien y del mal, alguien voluntariamente apartado del curso del arte contemporáneo. Si esta es la percepción que se desprende del último Chagall, la impresión que causa su obra precedente es la opuesta. Una obra imbuida del espíritu de las vanguardias de comienzos del XX. Por esta razón recomendaría al que vaya a visitar las exposiciones comenzar por la de la Casa de las Alhajas, que es la del artista en plena madurez, la que contiene su obra última, para de esta manera hacer el recorrido hacia atrás y terminar con el Chagall originario y más apremiante, que es el que se muestra en el Museo Thyssen. 

Los amantes en el poste, lienzo de Marc Chagall

Hay algo en la configuración de su pintura que está ahí casi desde el principio. Y no es tanto concebir la representación como una ventana abierta al mundo sino como un tapiz en el que tejer diferentes capas y dejarlas superpuestas para que afloren desde el fondo las formas refulgentes de las cosas menudas, los detalles más insignificantes de la decoración, las luces incombustibles del cromatismo autónomo (ese que no debe simular verosimilitud alguna para saberse imprescindible). Licencias que también hallamos en Kandinsky, incluso en Matisse, en Gorky más tarde. Es la obra de Chagall un compendio de las pinturas de las vanguardias. Apenas unos años después de que aparezca en escena el cubismo -de la mano de Picasso y Braque- la tendencia es asimilada y reconvertida a su peculiar lenguaje en obras como Las tres y media (el poeta), (1911). Pero también está el fauvismo y el expresionismo en A Rusia, a los asnos y a los demás, (1911); incluso el orfismo y un preludio del surrealismo mediante la pervivencia de las sagas y las narraciones tradicionales rusas en Gólgota, (1912). Y todos los ismos reunidos en piezas emblemáticas como El soldado bebe, (1911-1912) que antecede las figuraciones expresionistas de Grosz. Los paisajes nimbados de la atmósfera aterciopelada y el colorido encendido de quienes pintan bajo la advocación del grupo El Jinete Azul, los hallamos en obras como Maternidad (1913), donde también resuenan los ecos del simbolismo de Odilon Redon. Obras en las que nos evoca la figuración atormentada de Van Gogh, como sucede en Montchauvet (1925).

Y de inmediato se nos presenta esa cohorte de animales mágicos, gallos, ranas y pavos (ilustraciones de las fábulas de La Fontaine) pero también y después todo tipo de aves, caballos y cabras, todos ellos metamorfoseados y con cualidades fantásticas que les permiten volar, comunicarse e incluso confundirse con las personas que se relacionan. De ahí que ya a finales de los años veinte a nadie extrañe la fantasiosa figuración de su pintura, los atributos de sus personajes que les capacita para permanecer suspendidos en el aire, a veces cabeza abajo o torneando su cuerpo como una cuerda, lo que le brinda al artista la posibilidad de presentar partes de su cuerpo que no están en el mismo plano. Un recurso que ya estaba en el cubismo pero que Chagall incorpora con absoluta naturalidad a su pintura y que le faculta para mostrarnos a sus figuras desde distintos planos. Por ello no es inusual que muchos de sus personajes posean pecho y nalgas, dos cabezas o que tañan un instrumento en una posición imposible. 

 Es la pervivencia de lo mágico, de lo sobrenatural en la pintura de Chagall, es la sangre que nutre a sus amantes, lo que les mantiene unidos en una sugerente unión física y en permanente estado de alerta emocional. Nunca son amantes indolentes que se dejan llevar, muy al contrario siempre están entregados a un frenesí de sentimientos en el que también tienen cabida la nostalgia y la melancolía. Pero no todo son buenas vibraciones en la pintura de Chagall, también encontramos dramatismo y dolor: los desastres de la guerra, el daño tremendo que desencadena la pérdida y el obligado éxodo, abandonando el origen. 

Chagall

Museo Thyssen-Bornemisza y Casa de las Alhajas, Fundación Caja. Madrid

Clausura: 20 de mayo de 2012

La Filmoteca acoge el VIII Encuentro Internacional de Arte y Género

 Miss nudies y el diente azul, obra en video de Beatriz Sánchez

Redacción / Ars Operandi

La Filmoteca de Andalucía acoge durante este fin de semana un ciclo de video y una mesa de debate sobre la perspectiva de género en el ámbito de las artes visuales. Ambas actividades forman parte del programa de la octava edición de los Encuentros Internacionales de Arte y Género que este año recalan en Córdoba para plantear "la interrelación del arte, el género y el contexto y situación de discriminación de las mujeres en las sociedades contemporáneas, y en particular en el ámbito de la creación y las artes". Para la directora de los encuentros, Margarita de Aizpuru es posible constatar "un persistente machismo y una misoginia soterrada que intenta enmascarar una realidad aún sangrante para las mujeres y los discursos de género, intentando marginar las líneas de pensamiento y las prácticas artísticas feministas, y ello, más aún, en la situación de crisis en la cual nos encontramos, en la cual, si sufre la promoción y financiación de la cultura en general, de forma más acentuada aún sucede con las mujeres, sus proyectos y sus creaciones". Aizpuru considera que a pesar de las dificultades de la situación actual, "hemos de seguir en la línea emprendida con esfuerzo y energía, siguiendo promocionando y difundiendo los enfoques tanto teóricos como prácticos, las líneas de actuación y los trabajos artísticos que desde perspectivas de género las mujeres vienen desarrollando a nivel nacional e internacional, recorriendo distintas temáticas que les afectan en las sociedades contemporáneas"

El encuentro se inicia el día 9 con un ciclo de video formado por las obras seleccionadas en la tercera edición del concurso nacional de vídeos de mujeres artistas desde perspectivas de género, FEMINIS-ARTE. El premio valora "trabajos artísticos que se basen y traten, desde sus personales ópticas, pero con un enfoque de género y/o feminista, sobre las discriminaciones de las mujeres en la sociedad, los roles sexistas y/ o comportamientos estereotipados o machistas en las relaciones humanas". Se trata de hacer visible la eclosión de mujeres artistas en el contexto de las artes visuales y concretamente en el ámbito del vídeo, que con sus obras ponen de manifiesto "el condicionante que ha supuesto para las mujeres la pertenencia a una identidad genérica construida socio-culturalmente e impuesta a las mujeres, es decir lo femenino oficial como norma generalizada del comportamiento de aquellas".

La Niebla, obra en video de Verónica Ruth-Frías

Dentro del ciclo de video FEMINIS-ARTE destaca la presencia de dos artistas cordobesas. El segundo premio ha recaído sobre Beatriz Sánchez que vuelve a la Filmoteca tras exponer su Top Manta en el Espacio 3. La obra galardonada, Miss nudies y el diente azul, es una pieza de 6 minutos que incluye cinco obras con acciones y clips de la artista que tienen al desnudo como común denominador. Se trata de una versión monocanal de la instalación homónima que incluía un dispositivo bluetooth que permitió a los visitantes reproducir los videos en sus dispositivos móviles. Explica Beatriz Sánchez que el video surgió tras haber   estado trabajando para una productora de contenidos eróticos para móvil en Barcelona, "me pasé cuatro meses editando decenas de clips de estriptis de grandes artistas como Two Yupa o Sophie Evans, entre otras. Tras esta increíble experiencia finalizó mi curro, fue entonces cuando pensé en seguir trabajando con la idea, realizando mis propias versiones de estriptis, vídeo y sonido". Entre las obras seleccionadas en FEMINIS-ARTE  figura La Niebla, de la también artista cordobesa Verónica Ruth Frías. La Niebla forma parte del proyecto artístico que actualmente desarrolla, SuperM en el que asume el papel de heroína del comic para plantear cuestiones que tienen que ver con el arte, la maternidad y la condición femenina. Verónica plantea de esta manera la inconveniencia de tener que ser a la vez "mujer, madre y artista". La artista entiende que para compaginar y lograr con éxito sus pretensiones "debe convertirse en Supermamá, es decir, en una mamá por encima del simple hecho de ser madre". Completan el programa  videos de Fátima Miranda, ganadora de la edición con la obra Albórbolas, y de una decena de artistas entre las que se encuentran la sevillana  María Cañas, la onubense Rocío López o la madrileña Julia Bonanni.

El encuentro se completa el sábado con una mesa de debate introducida y dirigida por Aizpuru que contará con la presencia de las artistas Virginia Villaplana y  Cristina Lucas. Virginia Villaplana es artista y escritora. En su trabajo explora la escritura como negociación entre la memoria e historia, los relatos de ficción y documentales, las narrativas de género, junto a las nociones de identidad, autoridad, y comunidad desarrollando estrategias como la Mediabiografía del “Do it yourself” al “Do it together (DIT)” palimpsesto, y participación. Por su parte Cristina Lucas, recordada en nuestra ciudad por su Alicia de Córdoba,  desarrolla un trabajo que plasma en fotografías, videoperformances y videocreaciones, que mantiene una línea sarcástica y deconstructiva de las herencias culturales y representaciones artísticas patriarcales, desde una mirada irónica y a la vez ácida, repleta de tonos críticos. El Encuentro Internacional de Arte y Género tendrá continuidad el próximo 14 de marzo  con la mesa de debate Performance, performatividad y género que reunirá en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo a la sevillana Pilar Albarracín con una de las artistas más radicales dentro de las prácticas artísticas vinculadas al cuerpo, la francesa Orlán.

Ars Operandi Videos: 2011. Paco Salido. Arte21.

Redacción / Ars Operandi.

Ars Operandi Videos aumenta el catálogo del archivo documental de exposiciones realizadas en Córdoba en las dos últimas décadas. Y lo hace con Afinidades, una muestra individual del artista Paco Salido realizada en la galería Arte21 en 2011. Salido  reunió una selección de obras, en total 20 piezas escogidas de un periodo comprendido entre 2006 y 2011 elaboradas sobre distintos soportes como lienzo, aluminio, papel o cristal, y realizadas con técnicas diversas que incluían óleo, gouache, impresión digital o cinta aislante.

Afinidades muestra obras que ilustran frases y en las que "la belleza reside en los textos que ilustran", una suerte de viaje interior en que el artista Francisco Salido, al igual que en los viajes físicos, descubre lugares y sensaciones, que "nos descubre Afinidades y nos apacigua vanidades". Las afinidades son diversas: los libros, las ciudades, el arte, los amigos  que para Salido "siempre serán un bálsamo en esta sociedad nuestra del espectáculo y la apariencia". Algunas obras transmiten la evocación de ciertos lugares afines al pintor: Siracusa, Nápoles... Una foto tomada en 1998 en el transbordador que une Asia con Europa en el Bósforo o un dibujo de José Piñera que a su vez fue inspirado por una fotografía de Piñero y Salido compartiendo taller en 1980 junto al recuerdo de otras obras, obras sobre obras que relacionan original y copia y que se unen en Afinidades mediante un tenue hilo basado en el tratamiento simple y desnudo del color y la forma.

Nacido en Montilla en 1956, Francisco Salido realizó estudios en la Escuela de Bellas Artes de Sevilla. Compagina su actividad docente con la pintura, siendo autor de numerosas exposiciones colectivas e individuales. De éstas, las últimas han sido Pintura (Galería Carmen del Campo, Córdoba y Granada), Límites claros (galería José Pedraza, Montilla) y Pinturas limpias (Galería Arte21, Córdoba). Su obra se encuentra en diversas colecciones como Universidad de Sevilla, Universidad de Córdoba, Parlamento Andaluz, Fundación Rafael Botí o CIATESA. 

Antonio Castilla en Movart Madrid

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Antonio Castilla, Sin título (det.), mixta sobre papel, 100 x 70 cm

Redacción / Ars Operandi

La madrileña galería Movart acoge, desde el 8 hasta el 31 de marzo, la exposición individual del artista cordobés Antonio Castilla. Castilla presenta una selección de trabajos realizados entre 2009 y 2011. La ordenación de la muestra se ha realizado de forma cronológica, para así poner en evidencia la relación continuada entre las obras a través del proceso creativo. 

La muestra consta de dos bloques; una primera serie de obras de formato medio, estructuradas por parejas con similares conclusiones formales y técnicas, y un grupo de piezas de gran formato a modo de conclusión del desarrollo expositivo. La técnica pictórica de Antonio Castilla, tras trabajar lo matérico hace unos años, ha girado en otro sentido más cercano a la experimentación del color y la profundidad a través de sus obras sobre papel, en las que la abstracción no oculta su interés por la forma. De Antonio Castilla dijo el maestro Povedano que "es por encima de todo pintor por naturaleza y vocación".

Según se apunta en el texto de presentación de la exposición, el artista cordobes "pretende mostrar el marcado caracter individual de cada imagen por un lado, poniendo de manifiesto a su vez las variaciones formales que existen dentro de un mismo proceso técnico. A su vez, el artista pondrá el punto de atención en las dualidades existentes en el conjunto de su creaciones: obras muy austeras cromáticamente, frente a obras más ricas en color; piezas muy ligeras frente a otras muy densas... Todo ello desarrollándose en función de los estados emocionales, que van a originar las diferentes metamorfosis formales que presenta la obra de Antonio Castilla".

Nacido en Córdoba en 1973, Antonio Castilla se formó en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, ciudad en la que reside actualmente. Sus trabajos se han podido contemplar en nuestra ciudad en los últimos años en individuales realizadas en la Galería Carlos Bermúdez (2008) y Sala Cajasur Gran Capitán (2009).

 

Nueva cabecera: Juan Pablo Lucena

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 Redacción / Ars Operandi.

Hoy presentamos a nuestros lectores/as la nueva cabecera que nos acompaña desde el día 1, obra del diseñador cordobés Juan Pablo Lucena, a quien agradecemos cordialmente su colaboración, que hace la quincuagésimo novena de esta iniciativa. La imagen que encabezará Ars Operandi durante el mes de marzo es una composición hecha a partir de fotos tomadas durante el montaje de la señalética de la Sala Orive de nuestra ciudad. 

 Juan Pablo Lucena ha realizado estudios de diseño industrial y delineación artística, dedicándose al diseño de mobiliario desde 1999, tras una amplia experiencia como delineante en proyectos de arquitectura e ingeniería. En la actualidad dirige una empresa dedicada a la ejecución de diseños de locales comerciales y viviendas, en la que trabaja la fotografía de gran formato, para murales decorativos, siempre con montajes y fotos propias

A la luz de Morente. BRN MRNT2

Portada de la nueva entrega de Boronía dedicada a Morente

 Redacción / Ars Operandi.

 La mítica revista cordobesa Boronía vuelve a las andadas en esta su segunda época y completa la trilogía dedicada al flamenco con la edición del Libro de Morente 2. Este segunda monografía del artista granadino se plantea desde la revista que dirige y edita Gabriel Núñez como "un número radicalmente distinto al anterior para ser leal con el legado de Morente". Para ello se ha invitado a escritores y artistas a convertir a Morente "no en el protagonista de una novela extraña, sino el inspirador de una visión diferente". La revista se abre con la mirada al futuro que representan aquellos que germinaron la semilla del maestro granadino: Soléa Morente, Israel Galván y Los Evangelistas. Bajo la luz virada de las fotografías de Juanjo Romero, Gabriel Nuñez conversa con la hija del cantaor acerca de las huellas y los sueños, del legado recibido y de los proyectos de futuro. Por su parte, Israel Galván y Carola Guerrero reflexionan  sobre la influencia del maestro en un diálogo ilustrado con instantáneas de Diego García. Cierran el capítulo los discípulos más fieles del genio del Albaicín, Los Evangelistas. Antonio, Eric, Florent y J, retratados magistralmente por Romero, desgranan los entresijos de un proyecto que nació como un concierto en directo para la Noche Blanca de Córdoba y que ha desembocado en la publicación de una obra fundamental para constatar el magisterio que Morente ejerce más allá del ámbito del flamenco.

Saeta Morente, bichos crucificats, dibujo a tinta de Miquel Barceló

De esta influencia dan buena cuenta las páginas que conforman Inspiración, el segundo de los capítulos del monográfico y en el que se reúnen medio centenar de obras donde la figura y el legado de Morente son la base para la construcción de poemas, dibujos, canciones, fotografías, ilustraciones y textos. La nómina de colaboradores resulta apabullante. Miquel Barceló, Santiago Auserón, Pedro G. Romero, Carmen Giménez, Abraham Lacalle, José Luis Ortiz Nuevo, Lee Ranaldo, Joaquin Sabina, José María Sicilia. Todas estas aportaciones conforman un compendio de creatividad por el que sobrevuela la figura omnipresente de Morente y que incluye delicadezas como los dibujos de los bichos crucificados de Barceló o las huellas del sonido de los pájaros que Sicilia atrapa sobre papel Japón negro. Especial significado cobran las pinturas y dibujos de Aurora Carbonell, mujer de Morente, y autora también de la obra que sirve de portada al disco Homenaje a Morente publicado por Los Evangelistas.

Por las calles de Cádiz, obra fotográfica de Tete Álvarez para el número de Boronía dedicado a Morente

La contribución que se hace desde nuestra ciudad a Inspiración es también variada y notable. Así podemos encontrar textos firmados por escritores como Joaquin Pérez Azaustre, periodistas como José María Martín, Juan Díaz y Angel Vázquez además de una composición del músico y productor Fernando Vacas. Por su parte los artistas visuales Tete Álvarez y Jose Antonio Modelo se sirven de sendos cantes de Morente para alumbrar sus obras. A la luz de las alegrías Por las calles de Cádiz, Tete Álvarez plantea una deriva  por los rincones desvaídos de la  memoria. Jose Antonio Modelo, por su parte, presenta una obra fotográfica que se complementa, en una colaboración con Zapiram, con el poema de Luis Cernuda que musicara Morente, Donde habite el olvido.

 

Fotografía de Gilbert&George. Cortesía: Fundación García Lorca

Memoria, el capítulo que cierra la monografía, arranca con un artículo de Àlex D’Averc, La discoteca paralela, que repasa "esa otra discografía morentiana", la que conforman las numerosas colaboraciones con otros artista que Morente realizó a lo largo de su carrera. Incluye también un documento inédito y de caracter excepcional, la entrevista integra que realizara el curator y crítico de arte Hans Ulrich Obrist al artista granadino con motivo de su participación en  Everstill / Siempretodavía, la exposición celebrada en 2007 en la Huerta de San Vicente, casa natal de Federico García Lorca. Un encuentro entre Balbino Gutiérrez y Pepe Habichuela y una incursión en  álbum familiar de la familia Morente completan una edición que para Gabriel Nuñez "cierra nuestra aportación a su recuerdo". Dos imprescindibles volúmenes, más de cuatrocientas páginas que "apenas alcanzan para imaginar un pequeño punto, una leve defensa que alivie el inmenso vacío en el que nos dejó su adiós".

La dirección de Arte ha corrido a cargo del artista Juan Clemente

Una seña de identidad de la revista en esta segunda época es su cuidada edición y diseño elaborado. Con  dirección de arte de la mano del artista cordobés Juan Clemente, El libro de Morente 2 torna el solemne negro y plata del primer número en una premeditada explosión de color para, como afirman en el editorial "empezar a pintar de luz y alegría la dolorosa sombra del recuerdo". El proyecto Boronía difícilmente saldría adelante sin la contribución altruista de todos sus colaboradores y la aportación de instituciones como el Instituto Cervantes y el Instituto Andaluz de Flamenco. Tras su presentación en el Cervantes de Madrid , la revista hará lo propio proximamente en el Museo Picasso de Málaga y en el Teatro Central de Sevilla. En nuestra ciudad la presentación se realizará en el Teatro Góngora el próximo 12 de abril con la actuación de Pepe Habichuela Trío. La dirección de la revista promete nuevo número para otoño, sería el uno, y acaba de poner en marcha un sistema de venta directa a través de Internet, Boronía On Line Shop, que permitirá una distribución más eficaz de sus publicaciones. El número cero y el especial Poesía y Música están ya agotados.