El sector del arte contemporáneo critica la apertura electoralista del Centro de Arte Rafael Botí

Un aspecto del patio del Centro de Arte Rafael Botí. Foto: Cortesía Cordópolis

Redacción / Ars Operandi

Las principales asociaciones que conforman el sector del arte contemporáneo en Andalucía y que cuentan con representación en Córdoba, Unión de Artistas Visuales de Andalucía (UAVA) y el Instituto de Arte Contemporáneo (IAC), han hecho público un comunicado conjunto en el que expresan su "malestar ante la inauguración precipitada del Centro de Arte Rafael Botí, un acto a todas luces electoralista que pretende ocultar el progresivo deterioro que la fundación provincial de artes plásticas que lo promueve ha sufrido a lo largo de estos últimos cuatro años".

Recuerdan las asociaciones que durante este tiempo han denunciado en reiteradas ocasiones "el desprestigio y menoscabo de la Fundación Rafael Botí así como el continuo incumplimiento de las finalidades, funciones y competencias que establecen sus estatutos". En los últimos cuatro años, afirman, "no se ha llegado a producir ninguna nueva exposición de arte contemporáneo y su política expositiva se limita a ceder, a quien lo desee, el espacio a la intemperie del Patio Barroco. En anteriores etapas la Fundación Rafael Botí contaba con una Comisión Técnica, formada por profesionales del sector, que dictaminaba y asesoraba en cuanto a la programación y actividades. En la actualidad, la Comisión Técnica ha sido eliminada en contra de lo que dictan sus estatutos y su órgano de gobierno se limita a un Consejo Rector que permanece muy alejado de los planteamientos de la contemporaneidad".

Además señalan que, de igual manera, "otras encomiendas que establecen los estatutos del organismo autónomo han sido sistemáticamente incumplidas durante estos últimos años. La organización de exposiciones, talleres, congresos, cursos, jornadas, seminarios y proyectos de creación contemporánea, la exhibición de sus fondos artísticos en condiciones adecuadas para su contemplación y estudio, el impulso a su conocimiento y difusión, el desarrollo de programas de educación y actividades de divulgación, el auspicio de una línea editorial propia que permita la divulgación de trabajos de investigación o los programas de formación, son sólo algunos ejemplos literales de la falta de iniciativa de la institución que tiene asignadas las competencia en gestión, promoción y difusión de las artes plásticas en la provincia".

UAVA e IAC critican que la inauguración del Centro de Arte Rafael Botí se realiza sin contar con modelo de gestión, plan de usos, plan museográfico o dirección artística conocida. Unas incógnitas que, en cualquier caso, "hubiera sido necesario esclarecer antes de su puesta en marcha. Por ello reclamamos la participación del sector en la configuración del centro y la toma en consideración de las propuestas emanadas del Documento de Buenas Prácticas en Centros de Arte que firmaron el Ministerio de Cultura y las principales asociaciones del sector".

En un acto que se ha calificado como "no-inauguración" el Centro de Arte Rafael Botí ha abierto sus puertas esta mañana tras diez años de obras y una inversión de más de 2 millones de euros. La muestra inaugural la componen 64 obras del pintor Rafael Botí que proceden de fondos propios fruto de la donación de la familia Botí-Blanco a la Diputación de Córdoba. Durante la presentación los responsables populares no han aportado ningún dato sustancial sobre cuál será la naturaleza del centro limitándose a afirmar que "el gran reto será ver la forma que le vamos a dar cuando se inaugure oficialmente". Sobre el futuro inmediato del Centro de Arte Rafael Botí han sentenciado: "Abriremos todos los días de 12.00 a 14.00, que son las dos horas que hemos detectado que pasa más gente por aquí".

El sector del arte contemporáneo en Córdoba presenta sus propuestas a los partidos

Reunión de los colectivos de arte con miembros de la candidatura de Ganemos Córdoba. Foto: Cortesía Ganemos Córdoba

Redacción / Ars Operandi

Las organizaciones que conforman el sector del arte contemporáneo en Córdoba, Unión de Artistas Visuales de Andalucía e Instituto de Arte Contemporáneo, están manteniendo una ronda de encuentros con los principales partidos políticos que concurren a las elecciones municipales en Córdoba (PP, PSOE, IU, Ganemos y Ciudadanos) a fin de trasladarles una serie de propuestas sobre políticas culturales relacionadas con el arte contemporáneo en Córdoba.

Las buenas prácticas, la transparencia y la participación deben ser, a juicio de las asociaciones de arte, los ejes fundamentales sobre los que se han de sustentar las políticas culturales. Unas políticas de mediación, no de imposición, afirman, que tengan como "objeto fundamental dar consistencia al tejido cultural con el que ya cuenta la ciudad. En este sentido proponemos la apertura de unos cauces de diálogo estables con los agentes culturales implicados en la producción contemporánea. Una negociación que permita articular estrategias consensuadas que posibiliten la mejora de los programas institucionales, la implantación de las buenas prácticas y la promoción de la creación artística que se produce en nuestros días". Una participación, señalan, que habría de canalizarse a través de la creación de consejos de cultura tanto a nivel municipal como a nivel provincial.

La total transparencia informativa en la gestión y adjudicación de los recursos de las instituciones culturales que reciban financiación pública, así como en los criterios de concesión de becas, ayudas y subvenciones han de conformar, para los colectivos de arte contemporáneo, las líneas programáticas de las nuevas corporaciones. Para ello proponen articular convocatorias públicas en la selección de los proyectos expositivos y demandan la "participación efectiva de los profesionales y colectivos representativos en la selección de los jurados y comisiones formados a tal efecto".

El Arsenal de Chinales, uno de los espacios independientes de la ciudad. Foto: Ars Operandi 

Unas buenas prácticas, indican desde UAVA e IAC, que han de comenzar por el reconocimiento social y profesional del artista por parte de las instituciones, especialmente en lo tocante a la contratación y remuneración de los artistas. Resulta un hecho habitual, aseguran, "comprobar cómo el artista, primer eslabón de la cadena, es el único de los que componen el proceso de una exposición que no percibe retribución alguna. En este sentido creemos absolutamente necesario generalizar la firma de contratos entre el artista y la institución que pretenda exhibir su trabajo y asegurar que el proyecto contemple honorarios de artista en función del presupuesto total de la exposición".

Además desde las organizaciones del sector proponen una serie de medidas de choque de fomento de la creación contemporánea que animen a los artistas a continuar su carrera en Córdoba y permitan acabar con la diáspora de los que abandonan la ciudad en busca de mejores condiciones. En este sentido proponen la convocatoria anual de una Beca de Residencia que facilite la ampliación de estudios o el desarrollo de proyectos en el exterior; la convocatorias de una bolsa anual de compra de obras de arte contemporáneo de artistas cordobeses que sirva también para incrementar el patrimonio artístico de la ciudad y la puesta en marcha de un programa de ayudas a la producción y a la asistencia de artistas a ferias nacionales e internacionales.

Combo, uno de los espacios independientes de la ciudad. Foto: Ars Operandi

La experiencia de la capitalidad, señalan los colectivos de arte, "puso al descubierto la impostura de una ciudad que, a la vez que reclamaba ser capital europea de la cultura, relegaba al ostracismo a la comunidad que debería hacer posible esa cultura". Para tratar de evitar esta situación y en la línea de apoyo al tejido cultural proponen que, al igual que se mantienen convenios de colaboración con fundaciones privadas, se establezcan acuerdos con los espacios independientes de la ciudad como Combo, Blow Up y El Arsenal.

Una de las principales carencias de la ciudad, afirman en su comunicado, "sigue siendo la escasez de espacios expositivos municipales. Una situación que no tiene visos de resolverse a medio plazo y que obliga la optimización de los ya existentes". Reclaman así "un mayor peso de las producciones propias en la sala Vimcorsa; una especial atención al Centro Pepe Espaliú al que habría que dotar de una programación habitual articulada en torno al legado del artista cordobés y por último, una línea expositiva específica para las salas Galatea y Orive que preste atención tanto a la escena local como al contexto nacional". De igual manera desde UAVA e IAC proponen reclamar desde instancias municipales al gobierno central y autonómico la construcción y puesta en marcha de dos infraestructuras claves para el desarrollo cultural de la ciudad como son la ampliación del Museo de Bellas Artes y el Espacio Andaluz de Creación Contemporánea.

Obras de Pierre Gonnord en la sala Vimcorsa. Foto: Ars Operandi

Al analizar el modelo cultural de la ciudad, las asociaciones del sector detectan que buena parte de las estrategias se basan en la convocatoria de grandes eventos puntuales concentrados en muy poco espacio de tiempo que requieren considerables dotaciones presupuestarias y que, por ende, impiden mantener una programación regular a lo largo del año. La Bienal de Fotografía, el evento artístico de mayor presupuesto, es, para UAVA e IAC, "el eterno asunto nunca bien resuelto dentro de las políticas culturales de la ciudad. Creemos que la bienal ha de despojarse de todas las servidumbres locales a las obedece y ampliar perspectivas que le permitan configurarse como un espacio desde el que reflexionar sobre el papel que desempeñan las imágenes en la sociedad de nuestro tiempo. El monopolio y férreo control que secularmente detenta una asociación local de fotógrafos ha convertido a este evento en un acontecimiento de escasa repercusión y que apenas suscita interés fuera de la ciudad. El futuro de una bienal de fotografía con proyección internacional, voluntad de incidir en el discurso de la imagen y que se proponga rebasar los términos estrictamente locales pasa, ineludiblemente, por su profesionalización". En este sentido proponen la convocatoria abierta de una selección de comisariado que pueda "dotar a la bienal de un corpus teórico y asegure una rigurosa aportación al discurso actual de la imagen".

Otros eventos culturales asentados en la ciudad como Cosmopoética habrían de contar con la presencia asegurada de programas que pongan en relación la creación contemporánea y la poesía. Así mismo, creen necesario que se promuevan "mecanismos de difusión para acercar el arte a la ciudadanía y poder generar así nuevos públicos". En este sentido, demandan "la puesta en marcha de programas didácticos en todas las exposiciones de arte contemporáneo que promuevan las instituciones públicas". Un acercamiento al público que debería explicitarse de igual manera con iniciativas que sitúen al arte también fuera de los espacios expositivos. Proponen para ello la puesta en marcha de un programa de intervenciones de arte contemporáneo en espacios públicos y de patrimonio de la ciudad para promover el diálogo entre la creación contemporánea y el legado histórico con que cuenta la ciudad.

Aspecto de la clausurada sala Puertanueva. Foto: Ars Operandi

Por otro lado, desde las asociaciones de arte contemporáneo recuerdan que la Ley de Patrimonio Histórico establece la obligación de destinar en los contratos de obras públicas una partida de al menos el 1% a trabajos de conservación, enriquecimiento del patrimonio o fomento de la creatividad artística. Reclaman que las administraciones locales soliciten este 1% cultural y dediquen estas partidas al fomento de la creación contemporánea.

En el ámbito provincial, las competencias en materia de difusión y promoción de las artes plásticas, indican desde UAVA e IAC, corresponden a la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí. Desde las organizaciones del sector, afirman, "hemos denunciado en reiteradas ocasiones el progresivo deterioro de esta institución así como el continuo incumplimiento de las finalidades, funciones y competencias que establecen sus estatutos. En los últimos cuatro años no se ha llegado a producir ninguna nueva exposición de arte contemporáneo y su política expositiva se limita a ceder, a quien lo desee, el espacio a la intemperie del Patio Barroco. En anteriores etapas la Fundación Rafael Botí contaba con una Comisión Técnica, formada por profesionales del sector, que dictaminaba y asesoraba en cuanto a la programación y actividades. En la actualidad, la Comisión Técnica ha sido eliminada en contra de lo que dictan sus estatutos y su órgano de gobierno se limita a un Consejo Rector que permanece muy alejado de los planteamientos de la contemporaneidad". 

Además los colectivos de arte advierten que sobre el horizonte se sitúa la inminente apertura del Centro de Arte Rafael Botí. "Otro centro que, al igual que el C4, nace sin plan de usos, sin dirección y sin plan museográfico. Unas incógnitas que, en cualquier caso, habría que esclarecer antes de su puesta en marcha. Por ello reclamamos la participación del sector en la configuración del centro y la toma en consideración de las propuestas emanadas del Documento de Buenas Prácticas en Centros de Arte que firmaron el Ministerio de Cultura y las principales asociaciones del sector". Concluye el comunicado de las asociaciones de arte contemporáneo reclamando atención para los proyectos artísticos que se multiplican por la provincia de Córdoba como Scarpia, Dmencia, Aptitudes, etc. y una actualización del programa Periféricos que "establezca mecanismos de gestión compartida y permita la inclusión de programas, como el que se lleva a cabo en La Fragua de Belálcazar, que inexplicablemente no forma parte de este proyecto".

Arte desde el vertedero. Vik Muniz en Art. Docs.

Waste land, el documental sobre Vik Muniz dirigido por Lucy Walker

Redacción / Ars Operandi

Como continuación del ciclo Art. Docs. Arte, espacio y arquitectura que comisaría Jesús Alcaide para la Filmoteca de Andalucía y después de la proyección de los documentales dedicados a la obra arquitectónica y vital de Louis Kahn en My Architect y a la de Norman Foster en ¿Cuánto pesa su edificio, Mr. Foster, el jueves será el momento de abordar aquellas situaciones que afectan a las problemáticas de la responsabilidad social del artista y la utilización del adjetivo “público” para ciertas obras que no suelen tener el potencial de transformación social que algunos piden para el arte contemporáneo. Esas y otras cuestiones son las que se pueden derivar del visionado de Waste land, documental sobre la obra del artista brasileño Vik Muniz rodado por la cineasta Lucy Walker y presentado en el 2010 en numerosos festivales como el de Sundance o la Berlinale, obteniendo premios de pública y crítica.

Vik Muniz en el documental Waste land

Rodado en uno de los vertederos más extensos de Brasil, el Jardim Garmacho, aborda el trabajo de Muniz con los trabajadores de ese espacio, modelos para alguna de sus interpretaciones visuales de la historia del arte y al mismo tiempo protagonistas del dilema moral de trabajar en un entorno de pobreza, desigualdad y exclusión para luego poder exponer tus trabajos en las galerías, ferias y centros de arte más importantes del mundo. El documental sorprende por la manera en que Muniz resuelve esta problemática y al mismo tiempo plantea la eficacia o inutilidad del arte contemporáneo para resolver estas cuestiones de emergencia social. Waste land contará con una presentación que correrá a cargo del artista Jacinto Lara y tras su proyección se abrirá un debate en torno a los temas que se puedan suscitar.

WASTE LAND (2010)
Ciclo Art. Docs. Arte, espacio y arquitectura
Filmoteca de Andalucía. Sala Josefina Molina 
Jueves, 14 de mayo de 2015. 20:00h.
Presentan: Jesús Alcaide y Jacinto Lara

La uavA renueva su junta directiva que estará presidida por Tete Álvarez

José Miguel Pereñiguez, Curro González y Tete Álvarez en la asamblea de la uavA. Foto: Ars Operandi

Redacción / Ars Operandi

La Unión de Artistas Visuales de Andalucía uavA ha celebrado este fin de semana en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo asamblea general extraordinaria para la renovación de su junta directiva. La asamblea de socios ha refrendado por unanimidad la candidatura encabezada por el artista Tete Álvarez que estará acompañado en la vicepresidencia por los artistas Rocío Arregui e Isidro López Aparicio. En el transcurso de la misma, el hasta ahora presidente, Curro González, que agota su mandato, ha valorado positivamente el periodo de implantación que ha tenido la uavA en estos años en un territorio artísticamente muy desvertebrado y con escasa tradición asociativa como el andaluz. La nueva directiva propone consolidar a la asociación como principal referente del colectivo de arte en Andalucía, "afianzando nuestra estructura y acometiendo renovados propósitos". En el campo asociativo y divulgativo marcan como objetivo extender la implantación a todo el territorio andaluz y para ello van a contar  con un programa específico de difusión de la uavA en las facultades de Bellas Artes y Escuelas de Arte. En este mismo sentido destacan la celebración de unas jornadas de puertas abiertas en los estudios de los artistas que "permita visibilizar la escena andaluza y la labor de nuestros asociados". Así mismo plantean la necesidad de "trabajar conjuntamente con el resto de organizaciones del sector en la definición de estrategias comunes en defensa del conjunto de la comunidad artística" y proponen "redoblar esfuerzos en la puesta en marcha de la red de artistas que aglutine a todas las asociaciones de artistas del Estado Español". La uavA pretende también aumentar la oferta de servicios que ofrece a sus asociados y que, entre otros, cuenta con un canal de consulta con un abogado especializado en temas fiscales y de propiedad intelectual y un carnet internacional de acceso gratuito a museos y centros de arte. Además, en breve comenzarán a suscribir acuerdos de colaboración con entidades, empresas de suministros y de prestación de servicios al objeto de obtener descuentos para los asociados de UAVA.

Un aspecto del transcurso de la asamblea de la uavA que se celebró ayer en el CAAC. Foto: Ars Operandi

En el terreno político e institucional, la nueva directiva de la uavA se propone "potenciar nuestra capacidad de interlocución con instituciones y administraciones al objeto de incidir en las políticas culturales que afectan al arte contemporáneo" y "velar por la transparencia, el cumplimiento de las buenas prácticas y la democratización de las instituciones artísticas mediante su apertura a la sociedad civil". Unas buenas prácticas que empiezan con el reconocimiento profesional del artista y para ello reclamarán ante las distintas administraciones la remuneración económica del artista siempre que la actividad esté financiada por fondos públicos. Los artistas instan también a articular políticas que fomenten la creación contemporánea como becas de residencia y de formación, ayudas a la producción y bolsas de compra. Desde uavA demandarán a las fuerzas políticas del Parlamento andaluz la puesta en marcha de una ley de Mecenazgo propia y a la creación un Consejo de Cultura en el que tengan cabida las organizaciones que trabajan en el sector. De igual manera, y de cara a la próxima constitución de ayuntamientos y diputaciones, propondrán a las administraciones locales la creación de consejos de cultura, órganos consultivos o comisiones técnicas que cuenten con representación de la comunidad artística. La nueva junta directiva de la uava está compuesta por artistas de diferentes generaciones del arte andaluz que van desde la veteranía de Ignacio Tovar o Curro González, a la juventud de artistas como Gloria Martin. El órgano de gobierno de los artistas andaluces se completa con la presencia de José Miguel Pereñiguez, Celia Macías, Ming Yi Chou, Jesús Algovi, Montserrat Caraballo, Fernando Clemente, Jacinto Lara, Blanca Montalvo, Eduardo D’Acosta, Magdalena Bachiller, Manuel Benitez, Carlos Miranda y Patricia Ruiz.

Por los límites del paisaje

Oscura es la habitación donde dormimos, fotografía de Francesc Torres

Redacción / Ars Operandi

"El territorio de las artes se ha ido ensanchando a lo largo del tiempo gracias a una cada vez más profunda visión de sus medios y de sus fines. Son aquellos artistas que han trabajado en los límites de su especialidad, los que más han contribuido a esa mejor comprensión de la importancia del arte como herramienta de conocimiento del mundo y del propio ser humano. No hay verdadero artista que no cuestione su propio trabajo en relación con la materialidad y significación comunicativa de los límites de su campo. El arte nunca es hacer por hacer, nunca es hacer en el vacío. Es hacer en el límite de lo comunicable a través de la materia elegida en cada ocasión como puente entre lo que se quiere decir y lo que al final se ofrece al espectador". Son palabras del artista Fernando Baena al presentar Límites del paisaje, la exposición que ha comisariado para la galería Proceso/Arte Contemporáneo de la Casa de la Cultura, Núcleo del Azuay que se inaugura hoy en la ciudad ecuatoriana de Cuenca. Baena ha realizado una selección de obras de Andrés Senra, Anna Gimein, Eva Koch, Fernando Falconí, Francesc Torres, Oscar Santillán, Rubens Mano y Tete Álvarez, trabajos que "recurren al paisaje como uno de sus componentes importantes y han sido escogidas, precisamente, por mostrarse de alguna manera en los límites de lo que generalmente es reconocido como perteneciente a este género".

Cerro Trapero, fotografía de la serie Vértices de Tete Álvarez

Francesc Torres aporta Oscura es la habitación donde dormimos, una obra en la que se amalgaman, como en buena parte de su obra, el paisaje y  la memoria. La excavación de una fosa común en Villamayor de los Montes (Burgos), explica Baena "sirve como punto de partida para explorar el legado y la violenta historia de la Guerra Civil Española. Algo que a menudo queda enterrado –tanto metafóricamente como de manera palpable– a lo largo y ancho del país. Torres documentó el doloroso proceso de desenterrar e identificar a las víctimas y también la respuesta de la gente del pueblo como comunidad. Los familiares prestaron su ayuda, relataron sus recuerdos de lo sucedido y su deseo durante décadas de localizar a las víctimas y darles un entierro digno. La instalación que se pudo ver en el año 2008 en el ICP de Nueva York incluía veintinueve fotografías y un objeto: un reloj de bolsillo enterrado con su dueño. Como nos recuerda el artista, con una cita de Sven Lindqvist, en el texto del libro que acompaña la instalación, en latín "extermino" significa poner al otro lado de la frontera; de aquí la voz inglesa "exterminate", que significa poner del otro lado de la frontera de la muerte, apartar de la vida. El paisaje no es solo lo que está sobre la tierra". Por su parte,Tete Álvarez se interroga acerca de la percepción del espacio, "del territorio que permanece en la época del fin de la geografía, cuando las distancias han quedado abolidas por la instantaneidad de los flujos de comunicación en tiempo real". Para ello documenta una serie de vértices geodésicos, cilindros de hormigón que indican una posición geográfica exacta conformando una red de triangulación con otros vértices geodésicos. Son para Fernando Baena, "paisajes solitarios, alejados de los humanos, pero intervenidos utilitariamente por ellos. Para el artista, el paisaje es algo que se mide a partir de un punto de vista. Álvarez sabe ver estos puntos especiales que contienen concentrada la imagen de la domesticación del mundo. Y, sin embargo, su saber hacer nos mantiene a una distancia suficiente para permitirnos percibir una mirada estética ya no propia de un romántico, sino de un realista a lo Courbet. Y, pese a su concepción catalogadora, lejos de la sequedad conceptual de los Becher".

Evergreen, still de video de Eva Koch

En la video-instalación Evergreen de Eva Koch "el paisaje idílico, casi sublime por su aislamiento –se grabó en las Islas Feroe, uno de los lugares más apartados del mundo– se convierte en escenario de la crueldad infantil". La cinta muestra en una panorámica circular una secuencia que lleva desde el mar hasta la costa hasta encontrar a un grupo de chicos que tiran piedras y gritan a otro que huye hasta perderse fuera de cuadro, "una mirada mecánica hacia ese bello paisaje que, sin embargo, se convierte en algo inquietante". La asignación de significados que propicia el video-performance La Foto, de Anna Gimein, "a pesar de provenir de una mirada subjetiva, no es en absoluto fortuita sino fruto de una larga búsqueda. Encontramos en esta obra una mirada que crea paisaje y, recíprocamente, cobra de él su sentido. La locución del vídeo va desgranando recuerdos e historia mientras ante la cámara se repite un gesto que se enmarca en el paisaje". Una serie de imágenes de Christiania, el barrio de Copenhague que desde 1971 se proclama independiente del Estado danés, componen la obra Komune, de Andrés Senra. Senra realiza una investigación sobre sus habitantes que queda plasmada en el video y en las impresiones digitales realizadas a partir de acuarelas. "Estas nos muestran algunas casas de imaginería infantil, hippie, galáctica… expresión de los habitantes del barrio. El aire de ilustración de cuento que se desprende de estas imágenes nos remite a una cierta utopía presente en los comienzos del movimiento okupa".

Prospecto, instalación de Rubens Mano

Prospecto, el título en portugués de la instalación de Rubens Mano, podría traducirse por “folleto”, pero también por “perspectiva” o por “prospección”. Mi intención con este trabajo, indica el artista, "se acerca al pensamiento de algunos geógrafos para quienes el paisaje sería el resultado de la acción del ‘humano’ sobre la naturaleza. Pensar así el espacio edificado, como parte de él y, al revés, pensar cómo lo “construido” acostumbra a “indisponerse” con la idea que tenemos de paisaje". Acompañamiento, la obra de Oscar Santillán, se nos presenta como una oda a la caída de una hoja. El vídeo muestra imágenes de un bosque donde los músicos de una banda están preparados para tocar. "Dirigen sus miradas al follaje y esperan. En el mismo momento en que el espectador se pregunta si va a pasar algo, una ligera brisa hace caer una hoja. Inmediatamente la banda empieza a tocar, pero tan pronto como la hoja toca tierra se detiene la música. La hoja caída, un hecho insignificante, se convierte en un acto trascendental gracias al acompañamiento de la banda". Laguna Negra, la obra del artista Falco (Fernando Falconí) es un performance realizada en las instalaciones de Incinerox. Dentro de las bodegas de esta empresa, explica el artista "ubicadas en una zona natural selvática, existe esta especie de alargada “laguna negra”, un largo contenedor de petróleo de más de cinco metros de profundidad que por su densidad, color y contextura son imposibles de calcular a primera vista. La acción artística-ecologista o acto político-poético registrado en video consistió en cruzarme este depósito de petróleo contaminante, remando una quilla o pequeña canoa original naporuna, un pueblo indígena amazónico del río Napo que ocupaban un hábitat básicamente interfluvial".

Límites del paisaje
Comisario: Fernando Baena 
Galería Proceso/Arte Contemporáneo de la Casa de la Cultura, Núcleo del Azuay. Cuenca, Ecuador

DISPONIBLE CATÁLOGO DIGITAL EN ARS OPERANDI TXTs

Reversos. Lola Guerrera y Javier Flores en El Vuelo de Hypnos.

HERmAFRodita, videoinstalación de Javier Flores. Foto: Cortesía El Vuelo de Hypnos

Redacción / Ars Operandi

El fértil terreno que comparten arte contemporáneo y patrimonio histórico es, en nuestra comunidad, un erial apenas cultivado. Cuesta entender que en Andalucía, un territorio que cuenta con un riquísimo legado cultural, apenas hayan existido proyectos que vinculen la creación contemporánea y el patrimonio artístico y monumental. En este sentido solo cabría citar algunas actuaciones esporádicas como la intervención de Soledad Sevilla en el Proyecto Plus Ultra cuando restituyó, mediante proyecciones sobre las ruinas, el patio del castillo de Vélez-Blanco que se conserva en el Metropolitan Museum o la sutil intervención de Susana Solano en Palacio Dar-al-horra también de Granada.  El Vuelo de Hypnos es la única iniciativa que desde hace más de diez años intenta propiciar un diálogo entre las propuestas de los artistas que invita a participar y el contexto que alberga la Villa Romana de El Ruedo en Almedinilla (Córdoba). En sus nueve ediciones han pasado por el conjunto arqueológico un buen número de artistas nacionales como Jacobo Castellano, Jesús Palomino o Almale Bondía además de cordobeses como Fernando Baena, Miguel Rasero, Ángel García Roldán, Juan López o Tete Álvarez.

En esta edición es precisamente el artista rambleño Juan López quien nuevamente se encarga de comisariar un proyecto que toma como título El reverso incorpóreo y que cuenta con la participación de Lola Guerrera (Córdoba, 1982) y Javier Flores (Doña Mencía, 1969), artistas que mantienen vinculos especiales con Almedinilla. La familia materna de Lola es oriunda del pueblo y Javier vive en Sileras, una de las cinco aldeas de la localidad. Dos creadores que operan en registros diferentes como la fotografía y la escultura pero que tienen el común el interés por “trabajar con la ausencia, representar lo incorpóreo e imaginar lo espiritual”. Guerrera y Flores han confeccionado el proyecto a partir de “fábulas plásticas, visuales y sonoras mucho más relacionadas con los mitos que con la realidad tal cual la perciben nuestros ojos. Una serie de reflexiones y poéticas sobre lo que no somos, sobre los reversos de la realidad humana que nos relacionan directamente con el origen mismo de las cosas”.

Constelaciones, instalación de Lola Guerrera. Foto: Cortesía El Vuelo de Hypnos

Un proyecto "de profundo calado y significado", a juicio del comisario, que se despliega en tres formatos que se suceden a lo largo del año. La propuesta expositiva se abre con Constelaciones, una obra de Lola Guerrera construida con una plancha de metacrilato sustentada por hilos de acero que soporta elementos vegetales encontrados en el territorio de Almedinilla y que provoca un juego de luces y sombras que se convierten en "un microcosmos observado desde las alturas". Por su parte Javier Flores ha construido HERmAFRodita, una escultura de letras corpóreas que funcionan como soporte y pantalla de proyección de una pieza audiovisual a modo de mapping. Las imágenes, explica Juan López "ajustadas al soporte, parten de una estrategia lingüística teniendo como objeto la escultura en bronce del Hermafrodita danzante, y cuyas imágenes desgranan e ilustran conceptos sobre cada uno de los campos visuales que al entrelazarse en el tiempo van originando una dialéctica".

La segunda parte del proyecto plantea la realización de dos acciones performativas que coincidirán con el Festum-Jornadas Iberorromanas. Derramar la noche es la propuesta ideada por Flores y vinculada con el hecho fotográfico y la fábula de Plinio El Viejo. El artista en la oscuridad de una de las numerosas cuevas que tiene la localidad y "sobre papeles fotográficos de gran formato colocará una serie de objetos sobre los que verterá líquido revelador. Mediante un flash con temporizador paralizará las sombras y dibujará  las siluetas o reversos de los objetos. Una excelente metáfora del mundo de las sombras, del origen y de lo intangible". Por su parte Origen es el happening en el que Guerrera "invertirá el gesto de su obra anterior. Si en su instalación el espectador era obligado a observar desde arriba, en esta acción colectiva que tendrá lugar el 16 de agosto se invitará a participar a todo el pueblo de Almedinilla a provocar –literalmente– y contemplar la noche. La artista se convertirá durante unos instantes en Hypnos o dios del sueño, haciendo la oscuridad sobre todo el municipio de Almedinilla". El Vuelo de Hypnos se complementa en esta edición con una publicación en papel donde se trasladarán diversas conversaciones entre el comisario y los artistas en torno a los procesos de trabajo y las preocupaciones estéticas y conceptuales en que han derivado.

El reverso incorpóreo 
Lola Guerrera y Javier Flores
El Vuelo de Hypnos IX
Comisario: Juan López
Villa Romana El Ruedo. Almedinilla (Córdoba)

Un nuevo catolicismo. El evangelio según Karen Nikgol

New Catholicism, serigrafía de Karen Nikgol. Cortesía Combo

Jesús Alcaide / Ars Operandi

1 de Mayo. Fiesta del trabajo y primer fin de semana de un mayo festivo en el que las cruces llenas de flores inundan las plazas de Córdoba. ¿Qué pintan una pandilla de raperos, un grupo de yoguis y un colectivo de mujeres que hacen teatro amateur de Belalcázar en Combo, un espacio independiente para el arte contemporáneo?, pues dar vida a New Catholicism (Nuevo Catolicismo), una performance que el artista noruego Karen Nikgol ha venido desarrollando durante su estancia de residencia en La Fragua (Belalcázar) en estos últimos meses.

Convocando a un grupo de catorce personas, la performance que presentará Karen Nikgol en Combo se sucede a través de varios tableaux vivants en los que se mezclará el esoterismo con la religión, la espiritualidad con el sueño a la manera en que lo ha venido haciendo en su trabajo, donde las referencias a Jean Genet, Alejandro Jodorowski o el cine de Kenneth Anger eran fuentes que le servían al artista para producir sus propias acciones coreográficas.

Karen Nikgol. Foto: Cortesía Combo

En esta ocasión, impactado por la festividad de la Semana Santa, Nikgol mezcla las historias personales de los performers, relatos insólitos de la vida en Belalcázar, con rituales de yoga, sesiones espirituales, música de raperos cordobeses (Still, Espítritu de la Calle y DJ JMC), danza y lecturas en las que se irá presentando esta narrativa experimental sobre una nueva religiosidad contemporánea donde los raperos son los nuevos predicadores, y Karen un shaman que conducirá a los no iniciados en la senda de esta nueva aventura espiritual.

Miembro del espacio independiente NoPlace en Oslo, entre los trabajos más recientes de Karen Nikgol destacan las performaces “John Galliano y Bashment Crew” y “The Silent Son of The Sphinx” en el Black Box Theatre de Oslo, “The Anatomical Theatre” en el Vigeland Museum, “The city is empty” en el Kronika Museum de Polonia o “ Circle of Fire” en NooSphere Arts en Nueva York. Desde Combo siguen apoyando al arte contemporáneo en Noruega, y después de las exposiciones de Anders Grönlien y Tommy Hovik, Karen Nikgol no dejará indiferente a ninguno de aquellos que asistan a esta performance. No es capillismo, es Un nuevo catolicismo.

New Catholicism
Performance de Karen Nikgol
Viernes 1 de mayo, 20,30 h.
CoMbO

Desde un lugar roto. Shan Kelley en CoMbO

Photo taken by José, loves reading encyclopedias and live nearby de Shan Kelley. Cortesía: CoMbO

Redacción / Ars Operandi

Tras su estancia en La Fragua, Shan Kelley (Alberta, 1977) aterriza en su satélite, CoMbO, para presentar Desde un lugar en mi todavía sin romper. Desde un lugar roto todavía dentro de mí, un trabajo que transita entre el arte y el activismo y que centra su atención en las políticas de identidad relacionadas con el SIDA. Kelley, diagnosticado como seropositivo en 2009, asume la práctica artística como herramienta de supervivencia y transformación, de acción contra la apatía y la rendición y por ello sus intereses pueden mantener ciertas relaciones con la obra de Pepe Espaliú. Para La Fragua y CoMbO resultaba muy pertinente traer sus trabajos a Córdoba, una ciudad donde el paradigma de las relaciones entre arte, SIDA y activismo está representado por la obra de Espaliú. "Nos interesaba mostrar otra manera de acercarnos a estas problemáticas desde nuestro tiempo, para detectar los cambios que han ocurrido en esta parcela de la creación artística desde los años noventa hasta la actualidad". En un trabajo en el que el lenguaje y el deseo del otro se tamizan con la idea de un cuerpo roto, no completo, enfermo, Shan Kelley plantea una serie de fotografía, esculturas  y vídeo en lo que aborda los múltiples interrogantes que sacuden al enfermo de SIDA en la sociedad actual.

Photo taken by José, loves reading encyclopedias and live nearby de Shan Kelley. Cortesía: CoMbO

En la muestra en CoMbO, explican sus responsables, "encontramos una colección de esculturas realizadas con papel reciclado, donde lo que fueron titulares de noticia, ahora son triturados y convertidos en material poético, dificultando la lectura a primera vista y propiciando nuevos encuentros con esa epidemia de significación que fue el SIDA según Paula Treichler". En las series fotográficas, Kelley continúa aquí en Córdoba una serie de investigaciones que inició en Canadá y que posteriormente trasladó a México centradas en los lugares de cruising, "espacios donde el poder es negociado entre dos personas, y el deseo de un encuentro pactado, intenso y controlado en el tiempo, escapa a las regularizaciones del espacio urbano y la vida normal que ocurre en nuestras ciudades contemporáneas". Junto a estos trabajos  presenta una pieza de video en la que "la idea de la muerte aparece representada a través de la agonía de un insecto que demanda la intervención del otro, el que mira, el verdugo que en su pasividad deja que el insecto perezca". Esta idea de la supervivencia, indican "es también la que aparece en otra serie de pequeñas esculturas, que simulan espacios domésticos en los que van apareciendo elementos realizados con alambres de espino, cuerdas para escapar de una ventana o escaleras con las que ascender a otros lugares. Espinas como elementos de defensa y protección, espinas que duelen pero que también transforman".

Desde un lugar en mi todavía sin romper. Desde un lugar roto todavía dentro de mí.
Shan Kelley
CoMbO (C /García Lovera, 5)
29 de abril. 21:00h.

El instante sublimado. Desnudos de Ángel García Roldán en MECA

Fotografía de Ángel García Roldán de Hotel Series

Redacción / Ars Operandi

"A primera vista pueden parecer una colección de desnudos vehiculados por un erotismo que se aproxima a esos lugares tan cercanos de la publicidad o la moda", señala Ángel García Roldán cuando introduce su última serie de fotografías, Hotel Series, y añade que quien se aproxime un poco, "verá en ellas un discurso más interesado por la ficción de lo cotidiano y el coleccionismo de lo íntimo, que un deseo melancólico por reconstruir lo bello. Un limite, no obstante, que deberá de superar el espectador si quiere ver más allá de su mirada. El desnudo parece estar siempre ligado a su cuestión erótica, en un mundo donde las imágenes son creadas para atraer las miradas sobre los objetos y los artefactos del consumo". Pero su punto de partida, indica, ha sido otro "más sutil y menos pasional". Las fotografías de Hotel series, explica, "surgen de la búsqueda de un desnudo simbólico que escape a la facilidad de su erótica, o mejor aun una erótica que nos anteponga a una suerte de pensamiento sobre otras cuestiones ligadas con los contextos y sus narrativas. Me interesa el desnudo por su capacidad natural de contar historias, el desnudo como el paisaje de un pasaje vital, que posiblemente nos adentre en cuestiones más profundas sobre lo mítico, lo humano y sus trasuntos; quizás una iconografía de la soledad que se construye y deconstruye en el mismo momento de compartir y compartirse. Mis imágenes muestran precisamente eso: soledades y de ahí los lugares de paso, el suelo y mis pies en estos asuntos".

Fotografía de Ángel García Roldán de Hotel Series

La distancia entre la mirada y la contemplación "reside en que en lo primero se perciben las cosas que están fuera de nosotros, en lo segundo, se absorbe la realidad de tal manera que el tiempo se para y la imagen sobre la que nos abstraemos sublima lo presente. La fotografía sabe de esto y con Hotel Series propongo observar cada uno de los instantes sublimados, como el viajero frente un mar de nubes" . Y se pregunta "qué puede resulta más enigmático: ¿el desnudo de un cuerpo anónimo en una habitación desconocida?, ¿o esos escenarios que nos hacen caer en la cuenta de que alguna vez también somos viajeros?". El artista subraya cuando comenzó el proyecto siempre tuvo muy presente este aspecto, "ese nivel contractual gracias al cual uno habita con brevedad e interés los lugares impersonales que están continuamente habitándose en un incesante ir y venir de intereses y destinos. Creo que siempre me pareció más interesante todo lo que podría haber ocurrido en esos espacios que lo que yo pudiera estar elucubrando en esos momentos de contemplación".

Hotel Series
Ángel García Roldán
Centro MECA
Hasta el 7 de mayo

Modelos para armar. Nocturnos2 en MODO

Colectivos independientes participan en la mesa redonda de Nocturnos2. Foto: Ars Operandi

Redacción / Ars Operandi

"Visibilidad" y "modelo" fueron las dos palabras más escuchadas en la mesa redonda que abrió el Segundo Encuentro de Cultura Independiente de Córdoba, Nocturnos2. "Visibilidad" como necesidad de dar a conocer una escena que en la mayoría de las veces permanece oculta y desconocida y "modelo" como conjunto de referencias a la hora de articular las políticas culturales. Y sobrevolando todas estas reflexiones, un fantasma, el de la post-no-capitalidad como evidencia de la impostura cultural de la ciudad. Una ciudad que, a la par que ha hecho decrecer su oferta cultural, ha visto florecer un buen número de iniciativas independientes que son las que, a la larga, conforman verdadero tejido cultural. Ayer,  parte de esta trama, un buen número de colectivos independientes, convocados por El Arsenal, se dieron cita en MODO en una ceremonia que sirvió para dar el banderazo a un nuevo proyecto que, a partir del mes de mayo, se ofrece como contenedor de propuestas artísticas y espacio de trabajo para industrias culturales. La intención del encuentro es, afirman desde Nocturnos2, propiciar un espacio para el encuentro entre la ciudadanía y la comunidad artística,  "un territorio indispensable para generar a través de las ideas, el arte y el diseño la consolidación de proyectos que aumenten la riqueza de su población medida en valores sociales y económicos".

Presentación de MODO, una apuesta común de Colaborativa y Zum. Foto: Cortesía El Arsenal

En una maratoniana sesión que se prolongó durante once horas se sucedieron presentaciones de proyectos, micro conferencias y actuaciones acompañadas por la presencia de mini stands de moda, diseño, arte, literatura, mobiliario, reciclaje... De esta manera, Efímera, Vértebro, Santaella Contemporánea, Estigma Teatro, Z de Montalbán, Colaborativa, Ciudad Creativa, Aptitudes de La Rambla, Scarpia de El Carpio, UCO Música, Luneados, Juan López, MODO, El Arsenal además de nuestra revista, Ars Operandi, presentaron sus proyectos en una sesión que estuvo salpicada por las actuaciones de Sara Banda y Elena Lázaro, la acción de Pablo Alvar y Antonio Blázquez, el micro concierto de UCO Música y las sesiones de Manu Bermejo y NökieRuss. Además el encuentro acogió las presentaciones de las publicaciones La Galla Ciencia y la Revista ensamblada El Paraíso y contó con la disertación de Noelia Centeno Ciudad creativa, ciudad creada y la proyección de videos e intervenciones artísticas de Beatriz Sánchez, Verónica Ruth Frías, Fran Pérez Ruz y Miguel Ángel Moreno Carretero. 

Huesca repasa una década de paisaje en Moreno Carretero

Vista de Paisajes indeterminados de Miguel Ángel Moreno Carretero.  Foto: Cortesía DPH

Tete Álvarez / Ars Operandi

Huesca tiene mucho que ver con la afección de Miguel Ángel Moreno Carretero por el paisaje. No en vano, una experiencia determinante en su trayectoria fue la residencia que disfrutó en el Centro de Arte y Naturaleza a raíz de la concesión de la extinta Beca de Arte que promovía el Ayuntamiento de Córdoba. Allí pudo materializar su proyecto Dispositivos para territorios de consumo, un trabajo seminal que decantó en gran medida su interés por interpretar en términos culturales y estéticos las cualidades del paisaje y el territorio. Nueve años después, la Diputación de Huesca, en una amplia exposición, revisa casi una década de trabajos que se plantean como "un viaje en el tiempo a través de diferentes perspectivas. Un mapa, una especie de metafórica cartografía donde localizar diferentes puntos o emplazamientos que nos revelen distintas visiones sobre la vasta extensión de terreno que resulta ser su trabajo".

Cambio de estado. Canfranc, 2015 de Miguel Ángel Moreno Carretero. Foto: Cortesía DPH

Paisajes indeterminados se articula en cinco espacios que permiten hilvanar un recorrido por los proyectos más significativos en la trayectoria del artista carpeño. Desde obras emblemáticas como la pajita gigante de Dispositivos para territorios de consumo hasta piezas más recientes elaboradas expresamente para la exposición y que tienen al paisaje oscense como protagonista. A modo de presentación, El paisajista infinito, toma prestado el título del texto que ha realizado Juan Francisco Rueda para mostrar algunos de los proyectos de acción y gestión que Moreno Carretero ha ido emprendiendo durante estos años. Así, es posible encontrar material documental de experiencias como Scarpia –que cumple ya catorce años–, Cosmoarte, 16 ASAS o la Noche Blanca del Flamenco. En  La casa, el hogar, el primer universo reúne trabajos relacionados con "el hogar, la casa, la cabaña y el habitáculo –entendidos como espacios de protección- y las conexiones visuales y conceptuales que entre ellos se establecen. La casa y el hogar son conceptos e iconotipos que han estado presentes en la obra del artista desde el inicio de su trayectoria. La casa, como ámbito cerrado, privado, íntimo y finito, se contrapone al paisaje, siempre ilimitado, público e infinito. Algunos de los acercamientos a la casa refuerzan esa idea de espacio propio, de dominio que se encuentra apartado del mundo mediante medianerías, mediante fronteras. Pero para Moreno Carretero la casa también se convierte en motivo de reflexión social. El artista se muestra en este particular comprometido y desarrolla todo un discurso crítico en torno a la burbuja inmobiliaria, las condiciones de vida que ha impuesto la consecución de una casa, así como el peaje medioambiental que supone la construcción".

Cambio de estado, escultura de Miguel Ángel Moreno Carretero en Paisajes indeterminados. Foto: Cortesía DPH

Continúa el recorrido con Juego y frontera. Poner puertas al campo, un ámbito que incluye maquetas, objetos, vídeos y fotografías que versan sobre los márgenes, límites espaciales y comportamientos geográficos e históricos de la frontera. Aquí encontramos trabajos realizados específicamente para la exposición como Cambio de estado que alude a la condición fronteriza y liminar de la provincia de Huesca. Moreno Carretero utiliza distintos aparatos de gimnasia como plintos, banco sueco o un potro de salto para plantear que "el rutinario gesto de saltar de un lado a otro del elemento de gimnasia acaba convirtiéndose en metáfora de pasar o cruzar los Pirineos, de estar en una u otra parte. La serie se completa con fotografías de los elementos de gimnasia introducidos en distintos emplazamientos naturales, como verdaderos obstáculos que han de ser franqueados".

Obras de Miguel Ángel Moreno Carretero en Paisajes indeterminados. Foto: Cortesía DPH

La retrospectiva de Moreno Carretero repara también en Mecanismos inconscientes del horizonte, un trabajo que ha tomado cuerpo en forma de libro y que se pudo contemplar a principios de años en la galería La Fábrica de Madrid. Mecanismos es una road movie que recorrió la península en busca de las esculturas anónimas de carácter publicitario situadas  en lindes de las carreteras de la geografía española. El artista pone así de manifiesto dos aspectos recurrentes en su trabajo, "por un lado se detiene en aquello que nuestra mirada entiende como parte natural del entorno, para advertirnos con un fino sentido del humor de cómo el aparato publicitario y de mercado se ha convertido en un poder omnipresente que interviene y condiciona nuestros propios mecanismos psicológicos. Por otro lado, nos habla de su interés y fascinación emocional por el territorio de los márgenes y por esas periferias que han construido una identidad visual al margen de los cánones del buen gusto".

Vista del proyecto Paisajes en la retaguardia en la exposición de Moreno Carrretero en la Diputación de Huesca. Foto: DPH

La muestra se cierra con Dispositivos para operar cambios y resignificar el entorno, una recopilación de documentación acerca de trabajos específicos, relacionales o que tienen que ver con la experiencia del lugar que Moreno Carretero ha ido elaborando a lo largo de estos años. Encontramos aquí, entre otros, material sobre intervenciones como ¿Sabes qué es un señuelo? en el Jueves de Sevilla; Torre 3, proyecto desarrollado en las Torres Hejduck en la Cidade da Cultura de Galicia o el más reciente Paisajes en la retaguardia, un trabajo sobre los artesanos del carnaval de Cádiz realizado en la residencia Linea De Costa y que se ha podido ver hasta finales de marzo en el ECCO, Espacio de Creación Contemporánea de Cádiz.

Paisajes indeterminados. Cuaderno de campo. 2006-20015
Miguel Ángel Moreno Carretero
Diputación Provincial de Huesca
Hasta el 17 de mayo

El arte como juego

Vista de Dar lugar. Foto: Ars Operandi

Tete Álvarez / Ars Operandi

El juego es, sin duda, una de las señas de identidad del arte moderno. Ya desde las vanguardias históricas ambas disciplinas mantienen un estrecho vínculo fundado tanto en el componente lúdico del arte como en la naturaleza creativa del juego. Por otro lado, el último siglo ha redefinido la figura del espectador hasta considerarlo parte integrante del proceso creativo. Con estas premisas nace Dar lugar, un proyecto de arte colectivo que "se fundamenta en el concepto de obra abierta, lo que implica la participación activa de los visitantes en la determinación de las obras, e incide en el entendimiento del arte como juego". Una consideración del arte como experiencia sensorial que ha llevado a Juan Serrano, Antonio Gil y Juan Manuel Ortiz a plantear un trabajo transdiciplinar que auna elementos plásticos tridimensionales, composiciones sonoras y audiovisuales y obras de carácter olfativo.

Obra de Juan Serrano en Dar lugar. Foto: Ars Operandi

Ocupando un amplio espacio diáfano en el Conservatorio Músico Zyriab, la propuesta se ha ido conformando de manera colaborativa a través de una fórmula de micromecenazgo que ha permitido reunir el presupuesto para la producción de la instalación. Un componente participativo que se constata también a lo largo del recorrido que propone la obra. De esta manera, indican los autores, "el visitante podrá participar de diferentes formas. En la propuesta sonora, interviniendo sobre instrumentos musicales. En las propuestas plásticas, movilizando elementos de diferente naturaleza, orgánicos y artificiales, dispuestos a nivel del suelo, mesas e incluso en las paredes. Por último, el visitante podrá interactuar con la parte olfativa de la instalación desde los emisores dispuestos a lo largo de la instalación. En definitiva, Dar lugar es una instalación colectiva en la que autores y espectadores intercambian sus papeles, llegando los visitantes a integrar una composición móvil en el espacio cuando se desplacen a través de las estructuras tridimensionales que marcan el recorrido mediante señales luminosas".

Obra de Juan Serrano en Dar lugar. Foto: Ars Operandi

Dar lugar cuenta también con la aportación de la compañía Efímera con la obra en video Double Entendre y se completa con un programa de actividades paralelas con la colaboración de dos espacios independientes de la ciudad, CoMbO y El Arsenal. El 14 de abril el performer y poeta visual Bartomeu Ferrando ofrecerá una conferencia en el auditorio principal del conservatorio titulada Sobre el fragmento, la repetición, el ritmo, la permutación, lo aleatorio y la indeterminación en la poesía fonética y sonora. Ferrando (Valencia, 1951), músico y filólogo, es profesor titular de performance y arte intermedia en la facultad de Bellas Artes de Valencia y fundador de la revista Texto Poético. Por su parte, el día 21 el artista Antonio Blázquez contará los dos años de experiencia en El Arsenal como espacio de creación y se cerrará el ciclo el 30 de abril con dos obras del artista sonoro y director del programa Ars Sonora de RNE, Miguel Álvarez Fernández, en un acto organizado por la sala CoMbO. El programa se clausura el sábado 9 de mayo con Recién Narciso, un poemario de Simón Cuadros que cuenta con la aportación musical de Lämpara

Dar lugar. 
Una propuesta de Juan Serrano, Antonio Gil y Juan Manuel Ortiz.
Conservatorio Músico Zyriab 

Peña-Toro se adentra en la Suite Sinatra

Óculo brocheado II. Acrílico sobre tabla de Joaquin Peña-Toro

Redacción / Ars Operandi

Costa del Sol, mayo de 1959. El hotel Pez Espada abre sus puertas en Torremolinos como icono de ese gran invento llamado turismo. Una arquitectura modernamente chic, ejemplo del estilo relax, y el lujo y glamour que derrochaban sus insignes huéspedes, hicieron del establecimiento un referente turístico en la España de los 60. Juan Domingo Perón, el rey Faisal de Arabia y actores como Liz Taylor, Anthony Quinn o Frank Sinatra fueron algunas de las personalidades que ocuparon sus estancias. Presencias y ausencias que son recogidas por el artista Joaquin Peña-Toro en el libro Suite Sinatra editado por Bandaáparte que se presenta hoy en CoMbO. Y es que el actor norteamericano, que por ese tiempo rodaba El coronel von Ryan, protagonizó uno de los escándalos más sonados que se recuerdan por esos pagos. Un incidente con un fotógrafo del diario Pueblo y la actriz cubana Ondina Canibano acabó con los huesos de Frank Sinatra en la comisaria de Málaga donde hubo de responder a cargos por escándalo y hacer frente a una multa de 25.000 pesetas.

Caja (Suite Sinatra). Acrílico sobre papel de Joaquin Peña-Toro

Joaquín Peña-Toro parte de esta célebre anécdota para "trasladarnos al paisaje donde suceden los hechos, la Costa del Sol y el boom turístico que transformó la arquitectura del municipio malagueño y que a un paseante ocasional le haría trasladarse imperceptiblemente a los edificios de Nueva York. Igual que en una obra musical compuesta por varias piezas breves, dejándonos guiar entre el recuerdo de una época dorada y llena de espejismos, entre edificios anónimos que nos confunden y nos trasladan con hilos invisibles de Torremolinos a Nueva York, sonando en nuestra cabeza Fly Me to the Moon... nos dejamos embaucar por la obra pictórica de Joaquín Peña-Toro y nos adentramos en la Suite Sinatra, en lo efímero y en lo bello de sus trazos, en la magia de sus escenarios, en el simbolismo y en la dureza de la verticalidad".

Mueble·Bar (Suite Sinatra). Acrílico y grafito sobre papel de Joaquin Peña-Toro

Tras ser presentada en Torremolinos en el mítico Pez Espada, en Madrid y Granada, Suite Sinatra llega a CoMbO introducida por el crítico de arte Jesús Alcaide, "una oportunidad para volver a los espacios de la memoria, a una Costa del sol eclipsada por el turismo, a una época de esplendor que ya no es como el futuro que nos pintaron. La bola de espejos seguirá dando vueltas, pero los destellos ya no brillan como entonces". La publicación, que recoge 15 obras del artista granadino, inaugura la colección Gráfica con la que Bandaàparte quiere abrir su línea editorial a la imagen y la ilustración.

Presentación Suite Sinatra
A cargo de Jesús Alcaide y Joaquin Peña-Toro
Jueves 9 de abril a las 20:30 h 
Sala Combo (C /García Lovera, 5)