Manuel Ángel Jiménez en la Bienal paralela

Autorretrato, Manuel Ángel Jiménez

La Bienal de Fotografía de Córdoba presenta en su sección paralela una serie de catorce exposiciones entre la que destacamos la que será inaugurada el próximo lunes 1 de diciembre en la Sala Studio 52 por el artista Manuel Ángel Jiménez. 

Metamorfosis/antes y después de la batalla /requiem es el título elegido para el retorno de manera individual a las salas de arte del fotógrafo cordobés. Una serie de imágenes que para su autor “son casi una foto... porque en ninguna de ellas la mano del autor ha permitido que aflore en su totalidad la imagen latente de la fotografía. Así pues, existe en cada una de estas obras la lucha permanente entre el documento que retrata e intenta detener el tiempo frente al deterioro de éste (el documento fotográfico) aniquilándolo parcial o, en otros casos, totalmente. La abstracción pugna con lo figurativo”.

Para Manuel Ángel, la serie que ha venido desarrollando en los últimos años, podría considerarse un trabajo en progreso, “entre siglos, intentando filmar una metamorfosis, la del fotógrafo fotografiado antes y después de la batalla, antes y después de la desaparición del padre (considerándose aquí batalla a la establecida con la vida y contra la enfermedad)”.

Añade Jiménez que el réquiem acaba siendo doble, “pues esta serie queda clausurada en el momento en que finaliza el proceso de fabricación del sistema de imagen instantánea en que fue concebida, la base de este juego fotográfico”.

Artista polifacético como pocos, a lo largo de su carrera ha transitado por múltiples caminos siempre con la creación artística como telón de fondo. Dentro del terreno de la fotografía, donde su negocio familiar es toda una institución en la capital cordobesa, ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas, su obra está depositada en museos y colecciones públicas y ha publicado dos libros de fotografías acompañados de textos poéticos realizados por escritores cordobeses Al sur y De tu tierra editados dentro de la colección Temas andaluces. Dentro de este mismo campo destaca su labor crítica en Diario Córdoba, donde en diferentes etapa ha realizado colaboraciones bajo los títulos Cuarto oscuro, Travelling y Escrito con luz.

La faceta cinematográfica -estudió Historia y Estética de la Cinematografía en la Universidad de Valladolid- la ha desarrollado como director de cortos y mediometrajes, actor, guionista y crítico. Sus guiones y producciones han sido premiados en diferentes festivales y su labor crítica la ha ejercido en medios escritos y audiovisuales como Diario Córdoba, Nuevo Lp, Antena 3 radio, Onda Cero y PTV.

Como cantautor ha realizado actuaciones tanto en pequeños espacios como clubs de jazz como en otros recintos de gran formato (Gran Teatro de Córdoba, Teatro Assuan de Jaén, Palacio de Congresos de Sevilla...) y ha musicado algunas producciones audiovisuales. En su vertiente teatral ha sido director gerente del Gran Teatro de Córdoba y, como dramaturgo, ha publicado el volumen de piezas cortas y monólogos ¿Teatro breve? editado por Diputación de Córdoba, dentro de la colección Biblioteca de creación. Sus textos han sido estrenados por diferentes actores y directores, destacando el montaje del actor Juan Carlos Villanueva de Monólogo de un hombre des/afortunado que le valió el premio del Ateneo de Córdoba o las puestas en escena llevadas a cabo por la profesora de arte dramático Isadora Santos. Ha intervenido, junto a la Orquesta de Córdoba, en varias ocasiones como actor/ narrador interpretando textos como Pedro y el lobo y junto a Vicente Amigo en Poeta. Concierto para un marinero en tierra. Ha sido profesor de arte dramático en la Escuela de Arte Dramático de Córdoba.

En la última legislatura ha desempeñado también varios cargos públicos formando parte de las corporaciones municipal y provincial de Córdoba, como concejal y diputado provincial.

Emilio Morenatti

Escribe Emilio Morenatti (Jerez, 1969) en el catálogo de su exposición sobre Palestina y Afganistán: "Si la Biblia tuviera que ser escrita ahora, Jesús nunca hubiera podido resucitar a Lázaro. Se lo hubiera impedido el muro".

La XI Bienal Internacional de Fotografía de Córdoba nos ofrece, dentro de su sección oficial, la oportunidad de contemplar los trabajos de Emilio Morenatti sobre Palestina y Afganistán. Se trata de una serie de obras realizadas entre 2004 y 2005 para la agencia americana de noticias Associated Press, donde trabaja actualmente como coordinador en Asia Central. La situación, afirma el fotógrafo jerezano, “ha empeorado en los últimos dos años, como evidencian el bloqueo de la franja de Gaza y el regreso de los talibanes a las zonas tribales entre Afganistán y Pakistán, donde Al Qaeda percibe dinero secuestrando a occidentales".

La búsqueda de escenas cotidianas en mitad de la violencia es una constante en estas dos series. Morenatti explica que "he tratado de contemplar ambos conflictos desde un punto de vista antropológico pero también socialmente comprometido. En Kabul, una capital que ha vivido la guerra durante muchísimos años, sus efectos se ven de forma indirecta porque hay una sociedad que intenta resurgir. En Palestina, en cambio, es imposible abstraerte al sufrimiento, con una población en estado de sitio y bajo los efectos de un bombardeo permanente".

Emilio Morenatti es uno de los más destacados representantes del nuevo reporterismo fotográfico de España. En octubre de 2006, sufrió un secuestro en Gaza, donde se encontraba trabajando para la agencia. Precisamente, algunas de las instantáneas tomadas en esa época podrán verse en esta exposición, producida por el Centro Andaluz de Fotografía. Este fotoreportero une su instinto de periodista a una sensibilidad ético-estética que no hiere en ningún caso la dignidad de los más débiles y subraya, además, la dimensión informativa de sus imágenes. El lenguaje del color y una visión original del encuadre ayudan a configurar la compleja y sugerente personalidad de su obra.

Morenatti comienza haciendo sus primeras fotografías en un periódico local de Jerez mientras continúa con sus estudios de delineante. En 1992 pasa a formar parte de la plantilla de EFE, y establece su base en Sevilla. Desde allí cubre todo tipo de eventos nacionales e internacionales, entre los que caben destacar varios Juegos Olímpicos o la guerra de Irak en 2002. A finales de ese mismo año, es contratado por la agencia americana de noticias como corresponsal en Afganistán, permaneciendo en Kabul y cubriendo (a lo largo de toda la región) el proceso de democratización del país tras la caida del régimen talibán.

En 2004 es enviado por la misma agencia a cubrir el conflicto de Oriente Medio desde Gaza y Jerusalén. Entre algunas de las distinciones que ha recibido, destacan el premio de Andalucía de Periodismo 1992, el Fuji European Press Award 1996, National Headliner Award 2005 y 2006, el Clarion International Photgraphy 2005 y Days of Japan 2006.

Las 76 imágenes que conforman la muestra Palestina/Afganistán podrán verse desde el 4 de diciembre en el Teatro Cómico Principal de nuestra capital.

Es-cultura

por Tete Álvarez

Aljibe califal aún recubierto de resina para facilitar su traslado

El Semanario La Calle de Córdoba
29 de noviembre de 2008, nº548

La aparición de pintadas (“bodrio”, “vaya mierda”) en el aljibe califal situado en la glorieta de la Vereda de Trassierra podría darnos lugar a una reflexión acerca de la aversión que el arte contemporáneo produce sobre parte de la ciudadanía. Uno de estos ciudadanos, ignorante y osado a la vez, confundió el artefacto, recubierto aún del material protector que facilita su traslado, con una moderna escultura de las muchas que proliferan en las glorietas y rotondas de nuestros términos municipales para mayor gloria de los concejales de urbanismo de turno.

Pero esta columna tiene los renglones contados y quizá resulte más provechoso dedicarlos a intentar plantear un debate sobre intervenciones artísticas en el espacio público. Ejemplos como el perpetrado recientemente en la Plaza de las Cañas, reclaman necesaria algún tipo de ordenanza que regularice la ocupación del espacio público mediante la colocación de objetos, instalaciones o artefactos de pretendido carácter artístico. Porque, por mucho que pueda parecer inocuo, la imposición de emblemas monumentales en cualquier calle o plaza es siempre un acto político. Pero frente a esta afirmación del espacio simbólico, el concepto actual de arte para el espacio público considera a la obra de arte más allá de su forma y de su valor decorativo. De este modo, “la escultura no puede ser por más tiempo un objeto colocado en el centro de un espacio público; en su lugar, el espacio público se ha convertido en el sujeto, y de este modo en la parte central de la escultura”, como ha escrito Michel North. El arte público, en el sentido de arte común, no ha de ser imposición, habrá de ser mediación, habrá de tener una función social: la construcción de un espacio de relación con los demás que pueda modificar la experiencia de lo urbano.

En esta dirección apuntan experiencias como la llevada a cabo por la artista Maider López en un solar en desuso de la calle María Auxiliadora, que mediante una sutil intervención, ha conseguido transformar un lugar baldío en un espacio de intercambio y encuentro para los vecinos de la zona.
-

Galería Clave presenta Back to reality

JACKIE K. SEO
Secret Shame
silicona, pigmentos, acrílico y pelo
77 x 42 x 48 cm
2008

La Galería Clave Córdoba estará presente junto a su homónima murciana en la Feria de Arte de Jaén (ARTJAEN), desde el 27 de diciembre al 1 de enero ambos inclusive. En la muestra, Clave expondrá la Colección de Escultura Contemporánea MEFIC, propiedad de Galería Clave Murcia.

STEVE GIBSON
Paco Sleeping
cartón, resina y acrílico
115 x 90 x 80 cm
2006

Bajo el título Back to Reality, Clave presenta una importante colección de escultura que incluye a nombres como John Davies, John De Andrea, Carlo de Meo, Martin di Girolamo, Jacke & Dinos Chapman, Steve Gibson y otros, los cuales mostrarán las nuevas corrientes en la figuración escultórica, con propuestas que van del hiperrealismo norteamericano en la línea de Duane Hanson al arte kitsch, pasando por provocadores como Paolo Schmidlin o los Young British Artists Chapman Bros.

JOHN DE ANDREA
Amber reclining
bronce policromado con óleo
tamaño real
2006

PAOLO SCHMIDLIN

Miss Kitty
bronce policromado
70 x 55 x 30 cm
2008

JAKE & DINOS CHAPMAN

Two cunt faced
fibra de vidrio y resina policromada
133 x 53 x 43 cm
1996

Galería Clave
c/ Doctor Fleming, 21, Córdoba
ARTJAÉN
Recinto Provincial de Ferias y Congresos, Jaén
Del 27 nov. al 1 dic.

Gotelé

TRIBUNA ABIERTA

por Andrés García Ibáñez

www.museocasaibanez.org
 

En los años sesenta y setenta, con la locura inmobiliaria desarrollista del final del franquismo, proliferó en España una nueva técnica de pintura en paredes y techos interiores: el gotelé. Su función era disimular los paramentos que no estaban maestreados o los que tenían una chapuza de revoco, fuese yeso o mortero. Consistía en proyectar con una máquina infinidad de gotas de una masa plástica que se quedaban pegadas a la superficie. Después se pintaba encima y a correr. La técnica tuvo tal éxito que continuó en los ochenta y los noventa, aunque en esta década comenzó su declive. Empezó a verse como emblema de decoración cutre y casposa, para catetos burgueses ansiosos de aparentar calidad e higiene; las cosas de quiero y no puedo. Todavía hoy se sigue usando en muchos pueblos y ciudades, aunque, ciertamente, es ya una práctica residual.

Imaginen que acaban de construir en un pueblo, cabeza de comarca, una macrodiscoteca de 1400 m2 libres en su salón de baile, cubierto con una estructura metálica revestida de paneles revocados luego con yeso, ofreciendo, de este modo, un techo liso. El local se llamará “la gruta”. El hortera del propietario, que no tiene proyecto de decoración ni tan siquiera malo, le pide al pintor de brocha gorda que le haga una pintura sicodélica. Y llega el loco de la máquina gotelé y empieza a chorrear aquello, como si fueran estalactitas; las más largas acaban desprendiéndose y quedan las más pequeñas. Después, a pistola, manchas de colores chillones, sin orden ni concierto. Imagina el paleta el efecto, deslumbrante, que producirá el techo cuando incidan sobre él los focos multicolores y móviles, sicodélicos también, del local. Orgulloso de su ocurrencia, triplica el precio del m2 de pintura llegado el momento de cobrar. El propietario se queja pero acaba abonando; contento en el fondo, tan ignorante en su cutrez.

La apoteosis del Kitsch; no sólo por lo que se hace, también por lo que se paga. Veinte millones de euros repartidos en 1400 m2; unos dos millones y medio de las antiguas pesetas el metro. Y para más INRI, se establecen analogías con los grandes muralistas de la historia, como Miguel Ángel, y se insulta a otros, también importantes, como Sert. Curioso concepto del talento y del ingenio el que tiene esta sociedad de enfermos mentales, desbocada en su caída. Un insulto a la inteligencia, una caradura apoteósica, un prestigio de paletos; el traje nuevo del emperador. Hemos sido los introductores del gotelé, parafraseando a Benito, en la ONU. Eso sí, con treinta años de retraso y a precio de oro.

Los centros experimentales, a debate

De i a d Joseba Franco, Ángela Martínez, Alex Adriaansens, Johann Holland y Paul Brown en la mesa de debate. Foto: Ars Operandi

Segunda jornada del Foro Internacional Tech Art Media Córdoba 08 dedicada a analizar la experiencia de centros e instituciones dedicados a la intersección arte y tecnología.

Inició el turno de intervenciones Alex Adriaansens, director del V2 de Rotterdam que explicó como este tipo de centros, inestables por naturaleza, han de tener una estructura ligera, dinámica y flexible para optimizar su funcionamiento. Indicó que sus principales líneas de actuación son intentar propiciar interferencias entre los distintos medios y fomentar las producciones artísticas de manera conjunta entre creadores y departamentos de investigación de diferentes instituciones.

Ángela Martínez del Departamento de Audiovisuales y Multimedia del CCCB se centró en la fase más experimental del proyecto Anella Cultural que ya esbozara en la sesión del miércoles. En él, a través de una red de fibra óptica - Internet 2 - los centros culturales producen, difunden e intercambian conocimientos y creatividad. Para Martínez, uno de los usos más interesantes de la red, que interconecta cinco ciudades catalanas, es el de crear aplicaciones creativas que respondan a proyectos presentados por los propios artistas. En este sentido, el CCCB desarrolla en la actualidad el proyecto Metamembrana del artista Marcel.Lí Antúnez que conforma un paisaje urbano interactivo en tiempo real con imágenes procedentes de las cinco ciudades conectadas y material sonoro de emisoras de radio locales.

El artista, escritor y director del Computer Art Society de Londres y Australia Paul Brown analizó la trayectoria de su organización dedicada fundamentalmente a analizar las consecuencias culturales de las aplicaciones digitales. Brown hizo un repaso desde experiencias pioneras en el computer art a finales de los sesenta hasta eventos más cercanos como el Creative Cyborgs o un proyecto reciente de intervenciones artísticas en las pantallas del metro de Londres.

Johann Holland del Institute of Research and Innovation del Centro Pompidou creado en 2006 explicó sus líneas de actuación centradas en el desarrollo de proyectos de colaboración con centros tecnológicos, la organización de eventos y seminarios y la creación de lo que calificó como un “espacio de crítica”. A través de la web y de un sofware especialmente creado lignes de temps tanto usuarios como visitantes y críticos especializados pueden generar comentarios y anotaciones sobre los contenidos de las exposiciones llevadas a cabo en el Centro Pompidou.

Continúa por otra parte el programa de proyecciones de obras de videoarte, net-art, animaciones 2D & 3D, música digital, videodanza, etc., que habría de desarrollarse en el Palacio de Orive, la Filmoteca de Andalucía y la Sala Vimcorsa. Lamentablemente, hoy en Vimcorsa no facilitaban información alguna al respecto y desconocían la existencia de este ciclo. Por su parte las proyecciones del Palacio de Orive consisten fundamentalmente en una mesa con un televisor y un dvd en un patio en medio de otra exposición de óleos y acuarelas. El monitor reproduce, autista, un bucle de videos sin más información ni datos que aportar a los sufridos visitantes. Desde Ars Operandi creemos que foro de esta naturaleza debería poner especial cuidado en la exhibición pública de los contenidos seleccionados para acercar este tipo de arte al público no especializado.

ñ

Comienza el Foro Art Tech Media

Joseba Franco y Montse Arbeló en la inauguración del Foro Art Tech Media. Foto: Ars Operandi

Esta tarde han dado comienzo las sesiones del Foro Internacional Art Tech Media Córdoba 0.8, que durante tres días reunirá en Córdoba a expertos en arte e instituciones dedicadas a nuevos medios y cultura digital.

La primera intervención corrió a cargo de Alex Adriaansens, director del V2 de Rotterdam, quien analizó el impacto de las nuevas tecnologías en nuestra vida cotidiana y en las prácticas artísticas contemporáneas y cómo los centros de arte tecnológico contribuyen a este desarrollo mediante la investigación, la producción y el apoyo a proyectos de difícil viabilidad fuera de este entorno.

A continuación Paul Brown, director del Computer Art Society de Londres, expuso en su ponencia una revisión histórica de la relación entre el arte y la tecnología desde obras de Durero de 1525 hasta las primeras obras de arte digital o las más recientes de arte realizado para la red. Brown insistió en la naturaleza colaborativa de este tipo de arte que requiere de científícos, tecnólogos y artistas para llevar a cabo muchos de los proyectos.

Ángela Martinez, directora del Departamento de Audiovisuales y Multimedia del Centro de Cultura Contemporánea de Cataluña (CCCB), remarcó la necesidad de crear un espacio de experimentación y reflexión para las artes emergentes que no sólo se dedique a difundir este tipo de propuestas sino que participe activamente en el proceso de producción artística. En este sentido apostó por superar los límites físicos de los edificios y lanzarse al exterior mediante proyectos experimentales como el Anella, llevado a cabo en el CCCB, que investiga los nuevos usos de la red en las prácticas culturales mediante la implantación de una red de fibra óptica que interconecta diferentes ciudades de Cataluña.

Captura de la obra de net art What they said de Alan Bigelow

http://www.webyarns.com/WhatTheySaid.html

Cerraron la jornada Montse Arbeló y Joseba Franco, organizadores del foro Art Tech Media, que reclamaron el compromiso no sólo económico de las instituciones para la difusión de la cultura digital. Arbeló y Franco propugnaron un desarrollo tecnológico horizontal que ayude a construir una sociedad más cohesionada y que aleje el peligro de la brecha digital como elemento de discriminación en la sociedad de la información.

Junto a las conferencias y mesas de debate, que se celebrarán en el salón de actos de Vimcorsa, el programa del Foro incluye un ciclo de proyecciones de videoarte, Net-art, animaciones 2D & 3D, música digital, videodanza, etc. a desarrollar en el Palacio de Orive, la Filmoteca de Andalucía o la Sala Vimcorsa, donde se podrán contemplar obras de Marcel. Lí Antúnez, Agricola de Colonia, el cordobés Fernando Baena o el programa comisariado por Blanca de la Torre Pretecnología entre otros.

Desenterrar la memoria. Arte crítico y memoria histórica. Vuelo de Hypnos III

Por Javier Flores
Comisario

El Vuelo de Hypnos es una serie de exposiciones que se realizan con carácter anual en el entorno de la Villa Romana de El Ruedo en Almedinilla, ofreciendo así un diálogo entre arte contemporáneo y patrimonio histórico. El museo histórico de la localidad se ubica en la ribera del río Caicena, que durante la guerra civil fue frontera entre la zona republicana y nacional. En este contexto se ha dedicado la tercera edición del Vuelo de Hypnos a una exposición de indudable contenido político, sobre arte crítico y memoria histórica, con la presencia de dos audaces artistas del panorama emergente, Victor Pulido ( Huelva, 1968) y Miguel Soler (Sevilla 1975).

.

Víctor Pulido es un incansable proyectista que posee un amplio abanico de destrezas técnicas. Sus irónicas esculturas e instalaciones no son más que retratos mordaces basados en arquetipos sociales y modelos de comportamientos, concebidos como una crítica a los poderes establecidos y a determinadas actitudes grupales. Utiliza el humor como arma para reirse del supuesto mundo perfecto en que creemos habitar, parodiando hasta lo esperpéntico la política, la moral, la religión, y el propio arte.

.

Miguel Soler vincula su trabajo a la producción de objetos, en arriesgadas instalaciones fotográficas y multimedias. Móviles con cascos militares, que se mueven a ritmo de nana, juegos bélicos, puzzles de pistolas, bailes de disparos entre derechas e izquierdas... Su obra hace una lectura sobre el mundo actual en permanente conflicto, que de tanto ver guerras en medios de comunicación se nos presenta como un juego infantil. A través de una estética fría, no exenta de elegancia, el artista desentraña las fisuras de lo políticamente correcto a través de los mecanismos de acción de la vida política.

.

Desde el comisariado de este proyecto, he pretendido ir a contracorriente además de intentar poner de manifiesto la ausencia de discursos críticos y de riesgos ideológicos existente en el mundo del arte. En otro tiempo el artista sentía la posibilidad de intervenir en la sociedad que le rodeaba, no sólo decorar los espacios del poder económico o político.

Nota de interés: 

Se fletará un autobús gratuito para todas aquellas personas que deseen asistir desde Córdoba capital. 
Se admiten reservas hasta el jueves 4 de diciembre.
Información y reservas en el teléfono 957 496 520.

Inauguración domingo 7 diciembre 12 horas

Lugar Centro de Recepción de la Villa Romana del Ruedo de Almedinilla

Exposición de Pedro Peinado

Pedro Peinado, diseñante e ilustrador, autor de una de las más celebradas cabeceras de Ars Operandi, expone una muestra de su trabajo el próximo miércoles 3 de diciembre a las 20:30 horas en la sala espacio a_rojo dentro de la programación Transversal, de la que ya publicamos con anterioridad la relación completa de actividades. La transversalidad se completará con la selección musical de Manolo Torres (ISO 23).
Pedro Peinado
Miércoles 3 diciembre
20:30 h
sala espacio a_rojo
Plaza de Colón, 34

Presentación de Hilvanarte

El próximo jueves 27 de noviembre a las 22 horas tendrá lugar en el Automático la presentación de la Asociación Cultural de Diseñadores Emergentes Hilvanarte. La asociación nace con el fin de conformar un espacio para las nuevas tendencias dadas por los creadores emergentes en nuestra provincia dentro del campo del diseño textil y la creación gráfica.

Su plan de actuación pasa por la creación de una serie de actividades prioritarias encaminadas a configurar ese espacio en el que se aglutinen los profesionales indicados, con el fin de difundir las propuestas y crear un tejido donde puedan desarrollarse. Las actividades se articulan en torno a estos cinco puntos principales:

• Animación a la creación artística y el diseño, mediante labor de divulgación y animación para el público interesado.
• Gestión de entidades y colectivos, mediante información especializada y búsqueda de recursos.
• Redefinición de la indudtria de la moda, enmarcándola dentro de la sostenibilidad y el consumo responsable.
• Programas culturales y actividades alternativas nocturnas, pasarelas, muestras, etc.
• Monográficos,seminarios, cursos y talleres

En la presentación de Hilvanarte intervendrán:

• Textil - Pepa Rodríguez + La Pelusa + Nito Martín
• Gráfico - Macarena Moreno + maría parejo
• Visual - Add
• Musical - BodyCocktail (EE UU) + Jack Dopller

Presentación de Hilvanarte
Jueves 27 de noviembre, 22 horas
Automático Café Bar
C/ Alfaros, Córdoba

La Bienal más contemporánea

Pierre Gonnord, Constantina, 2007. Fotografía analógica en color, siliconada bajo metacrilato, enmarcada en madera negra.Cortesía de Pierre Gonnord y Galería Juana de Aizpuru (Madrid)

Redacción / Ars Operandi

La Bienal de Fotografía de Córdoba, que celebra su undécima edición del 4 de diciembre al 4 de enero, estrena nuevo formato introduciendo cambios en la sección oficial que afectan tanto a la organización - por primera vez un equipo de curadores serán los encargados de comisariar la muestra - como al discurso argumental, que también por primera vez se construye en torno a una temática concreta. En este caso, Traslaciones, título elegido para la muestra, abordará un programa expositivo y de actividades en torno al encuentro entre culturas en el contexto de la globalización para poner en cuestión la experiencia cotidiana que tenemos acerca de la identidad, la diversidad y la globalidad. Para ello, los comisarios de la Bienal, Jesús Alcaide, Óscar Fernández López y Ángel Luis Pérez Villén han plasmado su planteamiento discursivo en tres exposiciones que, rebasando la visión del medio estrictamente fotográfico mediante la incorporación de otros dispositivos de representación, se entrecruzan e interrelacionan a través de numerosos vasos comunicantes.

Localizaciones de lo global que tendá lugar en el Palacio de la Merced, investigará los lugares y los paisajes de la globalización para constatar como” la teoría ortodoxa del orden global según la cual el ascenso de las migraciones masivas y el acceso público a las tecnologías de comunicación no ha aniquilado la experiencia del lugar y la vida en lo concreto.” Todo ello valiéndose de la imágenes de Montserrat Soto, Dionisio González, Willie Doherty, Denis Darzacq, Sergio Belinchón y Eric Aupol.

 Montserrat Soto, Invernadero XIX, 2002 125 x 250 cm. fotografía color Cortesía de Montserrat Soto y Galería Helga de Alvear (Madrid)

Mapas del sujeto, que se podrá ver en la sala Vimcorsa con la alteridad como telón de fondo y la intención de mostrar el reflejo de los otros en propia piel, traza las coordenadas que ayuden a levantar un mapa con algunas de las posibles construcciones del sujeto. Será en palabras de sus comisarios “una muestra sobre la figura humana y de cómo ésta se revela en signo espurio de una identidad en tránsito, en muchos casos fronteriza y permeable y abierta a cualquier tipo de mimetismos, camuflajes y contaminaciones.” Mapas del sujeto mostrará alrededor de 40 obras, entre fotografías, pinturas y videos de Irene Andessner, Sophie Calle, Rafael Garzón/Rafael Señán, Pierre Gonnord, Paco Lara-Barranco, Humberto Rivas, Beat Streuli y Darío Villalba.

La Sala Capitular de Orive, tras su adecuación para albergar eventos culturales, tendrá su estreno con Escrito al margen una exposición que ahonda en el argumento identitario como una construcción permeable y en tránsito. “En Escrito al margen nos interesamos por el poder del lenguaje de la imagen en la construcción de nuestras historias, culturas e identidades. Palabras e imágenes que se hacen carne en el sentido de Cixous, peligrosas como la escritura en Cioran o Spanbauer, texto líquido y difuso con el que desgarrar el mundo y ponerle un final desesperado.” Un libro abierto y mil imágenes que contar de la mano de Juan Pablo Ballester, Txomin Badiola, Jordi Colomer, Candida Höffer y Rogelio López Cuenca.

La Bienal de Fotografía de Córdoba está organizada por el Área de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba con la colaboración de la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí y la Delegación Provincial de Córdoba de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía. Desde Ars Operandi intentaremos desmenuzar en entradas sucesivas esta interesante oferta que reúne a algunos de los grandes nombres de la fotografía nacional e internacional y que, esperemos, situará a la Bienal de Fotografía cordobesa en un lugar destacado dentro de las convocatorias de arte contemporáneo que se suceden en nuestro país.

Le Partage III. Rogelio López Cuenca, 2007 162 x 127 cm Fotografía en color siliconada sobre dibond Cortesía de Rogelio López Cuenca y Galería Juana de Aizpuru (Madrid)

Puede consultar el prólogo del texto del catálogo de Traslaciones pinchando aquí
ars textos

Concluyen las Jornadas Mayo del 68

Ángel Luis Pérez Villén (i), coordinador de las Jornadas, junto a Miguel Cereceda. Foto: Ars Operandi

Redacción / Ars Operandi

Organizadas por la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí, la Universidad de Córdoba, la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, el Área de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba y la Fundación CajaSur, se han celebrado en Córdoba entre los días 19 al 21 de noviembre las VIII Jornadas de Arte Mayo del 68: la última vanguardia, como parte del ciclo dedicado a los acontecimientos que sucedieron hace cuarenta años y que se completa con varias exposiciones de las que hemos dado cuenta en Ars Operandi además de la próxima a inaugurarse en la Sala Puertanueva bajo el título El espectáculo de la sociedad.

Félix Duque, catedrático de Filosofía de la Universidad Autónoma de Madrid, fue el encargado de abrir las Jornadas con la ponencia Las barricadas filosóficas de Mayo del 68, en la que expuso la ambigüedad de la herencia de Mayo del 68, fagocitada por el Poder en algunos casos, y combatida en otros, como el caso francés, donde el presidente Sarkozy aboga por liquidar tal herencia con la ayuda de ex-sesentayochistas como Glücksman.

Félix Duque.  Foto: Ars Operandi

Para Duque, Mayo del 68 no es producto de una relación causa-efecto, sino parte de una sucesión de acontecimientos que incluyen la Primavera de Praga, la Matanza de Tlatelolco, Vietnam y otros rostros de un mundo convulso. En su conferencia, el catedrático expuso los postulados de los principales grupos que sirvieron de armazón ideológico al 68, como los neoleninistas, trotskistas, maoístas, anarquistas y situacionistas, así como la huella dejada en la Nueva Filosofía.

Guy Debord: sobre la destrucción del espectáculo fue el título escogido por el profesor de Estética y Teoría de las Artes de la Universidad de Vigo Alberto Ruiz de Samaniego, quien ilustró su conferencia con las proyecciones de las películas Critique de la séparation (Crítica de la separación, 1961) y La société du spectacle (La sociedad del espectáculo, 1973), dos de las obras cinematográficas del fundador de la Internacional Situacionista, de quien Ruiz de Samaniego expuso sus principales teorías y realizaciones.

Miguel Cereceda, profesor de Estética de la Universidad Autónoma de Madrid y crítico de arte de ABCD, ofreció la ponencia Conclusiones: para una historia política del arte contemporáneo, donde se repasaron las principales corrientes artísticas surgidas de las vanguardias y la influencia de éstas en la sociedad, haciendo por último una reflexión sobre lo que Beuys llamó los ideales emancipatorios del arte y sobre los críticos y la concepción política del arte.

La cuarta conferencia, La toma de las calles. Experiencias y espejismos de emancipación en el activismo artístico, estuvo a cargo de Jesús Carrillo, Jefe del Departamento de Programas Culturales del Museo Reina Sofía. En ella se trataron temas como la lucha política desplazada al ámbito de la cultura y la ciudad como escenario del activismo artístico, para lo que Jesús Carrillo se sirvió de ejemplos madrileños como la postmovida, Lavapiés y el proceso de centrificación de la capital.

La primera jornada se cerró con la mesa redonda y debate en torno al arte en la esfera pública, en la que Carrillo, Cereceda y Rogelio López Cuenca, junto a Pérez Villén, debatieron sobre conceptos como arte público y lo cambiante del término, así como la ciudad-museo, que ha de ser según los participantes no una ciudad monumental, sino la que continuamente está exponiendo arte contemporáneo. Por último, Rogelio López Cuenca mostró a los asistentes su intervención llevada a cabo sobre Memoria Histórica en Málaga.

Ruiz de Samaniego.  Foto: Ars Operandi

La segunda jornada fue abierta por Fernando Castro Flórez, profesor de Estética de la Universidad Autónoma de Madrid y crítico de arte de ABCD. Contra la pared, cabrón, título de la conferencia y verso del poeta negro LeRoi Jones, supuso un ágil recorrido por las principales manifestaciones culturales habidas en torno al 68, así como la deriva que han tomado éstas, y culminó con una irónica reflexión sobre la actual Generación Kinder como metáfora de la banalidad.

José Díaz Cuyás, profesor de Estética de la Universidad de La Laguna, participó con la ponencia titulada La invención del arte conceptual en España, un término que Díaz calificó como nada preciso, del que hizo un examen desde su aparición en círculos de Madrid y Barcelona hacia 1971 hasta su desaparición un lustro después.

El artista y performer Bartolomé Ferrando, profesor de Performance y Arte Intermedia en la Facultad de Bellas Artes de Valencia, intervino con la conferencia titulada Desde Artaud, en la que, tras declarar que "el accionista/performer no es un actor" - pues el arte de acción sobrepasa a lo escénico al poder ocurrir en cualquier lugar - mostró las diferencias entre arte de acción y el ejercicio teatral partiendo de la experiencia de Artaud hasta llegar a propuestas contemporáneas que incluyen al accionismo vienés o el body-art.

Para David Cortés Santamarta, profesor de Historia y Teoría del Arte en la Escuela Superior de Arte y Arquitectura en la Ubniversidad Europea de Madrid, quien intervino con la ponencia titulada Mayo del 68: fotogramas del 68, "el cine en torno a Mayo del 68 es político no sólo porque documente, sea altavoz o denuncia de situaciones de opresión o lucha, sino porque la factura, realización y circulación de las películas cuestionan constructivamente identidades, funciones y categorías sociales nítidamente establecidas."

La mesa redonda contó con la presencia de Isidoro Valcárcel Medina, Premio Nacional de Artes Plásticas en 2007, así como con Fernando Castro Flórez, José Díaz Cuyás y Pérez Villén, quienes debatieron en torno al arte crítico / en crisis.

Bartolomé Ferrando ante Artaud. Foto: Ars Operandi

El viernes, último día de las Jornadas, los concurrentes pudieron asistir a las conferencias de Aurora Fernández Polanco, profesora de Teoría y Arte Contemporáneo de la Universidad Complutense de Madrid y de Josep María Montaner, catedrático de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona.

Trajes sin cuerpo: en torno a Beuys y Broodthaers fue el título escogido por Fernández Polanco para su conferencia, mientras que con Arquitecturas de la crítica radical: otros mayos del 68, Montaner se lamentó de la poca vigencia de la arquitectura espiritual y ecologista surgida al amparo de Mayo del 68, hoy sustituida por los edificios-estrella, mientras que habló en términos elogiosos de arquitectos como el sevillano Santiago Cirugeda, de quien dijo que "es un heredero de esta crítica radical y este espíritu del Mayo Francés."

De izquierda a derecha, Fernando Castro Flórez, Isidoro Valcárcel, Pérez Villén y José Díaz Cuyás.  Foto: Ars Operandi 

 

.