Bourriaud: "El artista del siglo XXI es un semionauta"

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Nicolas Bourriaud durante su intervención en la UNIA, esta mañana. Foto: Ars Operandi



El comisario y crítico de arte Nicolas Bourriaud ha abierto esta mañana en la sede de la Universidad Internacional de Andalucía el Encuentro Franco-Español de Arte y Nuevas Tecnologías. El exdirector del Palais de Tokio y actual jefe de Creación Artística del Ministerio de Cultura Francés ha compartido con Rosina Gómez-Baeza, directora de LaBoral, reflexiones sobre el uso de las nuevas tecnologías en la creación y difusión de las prácticas artísticas contemporáneas.

Autor de ensayos de cabecera como Estética Relacional o Post producción, Bourriaud ha desentrañado en su intervención la relación que, a su juicio, existe entre arte y tecnología y cómo el desarrollo de las tecnologías de la comunicación e información ha modificado tanto la relación del artista con el público como la del propio artista con la obra de arte. Para Bourriaud la revolución digital ha transformado la percepción del espacio-tiempo proporcionando nuevas formas de pensar el mundo  permitiendo la coexistencia de varias temporalidades en la experiencia vivida: "Cada obra es un proceso que sólo es visible si lo vemos desplegarse en el tiempo y en el espacio". Para el teórico francés el artista de los nuevos medios se configura como "un navegador de los signos, un semionauta". La capacidad de navegar por el saber "releyendo los signos entre sí, demostrando conexiones entre diversos puntos del espacio cultural" constituye, a su parecer, el mayor potencial del artista del siglo XXI.

Durante los dos días que dura el encuentro los participantes intercambiarán experiencias sobre centros de arte y tecnología de Francia y España y afrontarán algunas de las problemáticas que plantean este tipo de instituciones. La sesión de la mañana ha concluido con la ponencia Pistas para futuras experiencias inovadoras a cargo de Franck Bauchard, director de la Chartreuse de Villeneuve-lez-Avignon y próximo director del nuevo centro de creación visual en Montpellier, y Juan Freire, experto en cultura digital en redes sociales, en la que se ha abordado el impacto de la cultura digital en los nuevos espacios de producción. Esta tarde, James Giroudon, director artístico de GRAME, Centro Nacional de Creación Musical en Lyon y Laurence Rassel, directora de la Fundació Antoni Tàpies, disertarán acerca de la fusión o integración entre las artes y los nuevos planteamientos en la difusión de las prácticas artísticas contemporáneas. El programa concluye mañana con un encuentro entre Vincent Cavaroc, coordinador artístico de la Gaité Lyrique de París y Juan Martin Prada, director de InclusivaNet en MedialabPrado de Madrid, que afrontarán los resultados, problemas y perspectivas de estos dos espacios dedicados a las nuevas tecnologías.

Pintar el tiempo. BoaMistura en la Fundación Gala

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Intervención del colectivo BoaMistura en uno de los patios de la Fundación Gala. Fotografía: BoaMistura

El colectivo BoaMistura ha pasado recientemente por la Fundación Gala para mantener un encuentro con los creadores allí residentes y realizar una intervención mural en uno de los patios del antiguo Convento del Corpus Christi.

BoaMistura es un colectivo multidisciplinar creado en Madrid  a finales de 2001 compuesto por cinco  artistas: ARKOH, DERKO, PAHG, PURONE y rDICK. Su obra se desarrolla  en diversos campos, desde las tendencias más evolucionadas del graffiti y la pintura mural en las calles, a ilustración, diseño gráfico o pintura de estudio. BoaMistura, del portugués "buena mezcla", hace referencia a la diversidad de estilos y puntos de vista que confluyen en la obra de  estos cinco artistas que proceden de campos tan variados como la ingeniería, la publicidad, la arquitectura, las Bellas Artes  o el diseño gráfico.

La intervención toma como punto de partida la frase del escritor Antonio Gala "Callar es gritar intensamente"  para plantear una obra que reclama el silencio a la vez que se convierte en metáfora del paso del tiempo. Sobre un lienzo de pared han preservado una parte de la pintura original pintando de blanco el resto hasta componer las palabras del escritor cordobés. Para los miembros del colectivo BoaMistura se trata de un "particular homenaje al silencio que ha consistido en respetar la pared original para que conforme el interior de las letras pintando sólo el resto. Blanco sobre blanco. Entre ambas capas, encerrado el tiempo".

Primo pensiero. Dibujo en la Galería Carmen del Campo

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 Secuencias del proceso de realización del mural de Ana Martínez, en fotos de Salud Ortega Losada
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La Galería Carmen del Campo presenta, a partir del jueves 16 de junio, la exposición que cerrará la temporada 2010-2011, titulada El dibujo. Primo pensiero. La muestra es una exhibición colectiva en la que participan los artistas Ángeles Alcántara, Antonio Bujalance, Calo Carratalá, Luis Javier Gayá, Miguel Gómez Losada, Ana Martínez, Salvador Montó, Blanca Muñoz de Baena, María Ortega, Juanma Pérez e Isidre Sabater. La exposición "pretende ofrecer una perspectiva contemporánea de esta ancestral técnica". La elección de este procedimiento se debe a que "el dibujo ahora es más que nunca un lenguaje que incita a la reflexión, rejuveneciéndose gracias a los avances técnicos que nos rodean", según comunica la galería en nota de prensa.

Paralelamente a la muestra, la artista cordobesa Ana Martínez está realizando una intervención in situ de carácter efímero, con unas dimensiones de 2'70 de alto por 3'50 metros de ancho. Para Martínez, el dibujo “nunca fue espejo de la realidad. Es evidente, muestra sus entrañas, cómo fue hecho", manifestando su predilección por esta técnica. Ana Martínez es la autora de la cabecera que actualmente aparece en Ars Operandi.

El dibujo. Primo pensiero

Inauguración jueves 16 de junio, 20:30 h

Galería Carmen del Campo

C/ Conde de Robledo, 5

Pasaje José Aumente Baena

14008 Córdoba

Hasta el 30 de julio de 2011

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El IAPH restaura una tabla renacentista de Bernardino Luini, discípulo de Leonardo da Vinci

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 La tabla tras su restauración. Fotografía: IAPH

El Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico ha finalizado el proyecto de investigación y conservación–restauración de la tabla renacentista italiana denominada Madonna con el Niño, San Sebastián y San Roque. La actuación del IAPH corresponde a un encargo de la Dirección General de Bienes Culturales.

Desde que el historiador Elías Tormo la descubriera en 1925 en Utrera (existen datos documentales desde 1679 que la vinculan a esta localidad), la crítica artística especializada ha atribuido de forma unánime la pintura al círculo más directo de Leonardo da Vinci y, en concreto, al pintor milanés Bernardino Scapi, llamado Bernardino Luini. Este artista, nacido cerca de la localidad de Luino, de la que toma su sobrenombre, fue un prominente pintor de principios del siglo XVI.

Luini siguió la técnica y estilo de Leonardo da Vinci, pintando varios frescos en palacios e iglesias de la ciudad. Es conocido en especial por sus figuras femeninas con ojos ligeramente estrábicos, llamados “luinescos”, por la forma especial de pintarlos. La obra Madonna con el Niño, San Sebastián y San Roque presenta gran calidad de ejecución, asimilación del lenguaje de Leonardo da Vinci (modelado refinado de las figuras y juego delicado de luces y sombras) y rigidez compositiva (líneas paralelas verticales), que entroncan con la tradición lombarda cuatrocentista.

Bernardino Luini tiene obras en grandes museos del mundo, destacando La Virgen con el Niño y San Juanito del Museo del Prado; Virgen con el Niño, San Sebastián y San Roque del Museo de Sarasota, Estados Unidos; Sagrada Familia, Santa Isabel y San Juanito de la Pinacoteca Ambrosiana, Milán, Italia; Virgen con Niño, San Antonio Abad y Santa Bárbara, Pinacoteca Brera, Milán, Italia; y Virgen con el Niño, San Sinisio y San Martín, Colección Privada Turín, Italia.

La tabla, propiedad del Arzobispado de Sevilla, llegó al Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico en 2009 en un estado de conservación alarmante, tanto en el soporte de madera como en la capa pictórica y el barniz. Se apreciaban grietas y pérdidas de pintura considerables por lo que los trabajos de investigación y conservación del IAPH se han prolongado dos años. Además, existían daños ocasionados por intervenciones anteriores que había sufrido la obra a lo largo del tiempo, contraproducentes por la utilización de técnicas y materiales inadecuados.

La intervención integral en el IAPH, con un coste total de 20.624 euros, se ha abordado bajo los principios de conservación material de la obra, actuando sobre los factores de deterioro y permitiendo la puesta en valor de esta joya del renacimiento italiano, que podrá contemplarse en el Museo de Bellas Artes de Sevilla hasta el 17 de julio.

La Fragua de Belalcázar, un espacio para la forja del arte actual

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Panorámica del Convento de Santa Clara de Belálcazar. Fotografía: La Fragua

Redacción / Ars Operandi

Desde diciembre de 2010, una propuesta llevada a cabo en la comarca cordobesa del Valle de los Pedroches, se suma a las iniciativas ya existentes en la provincia que trabajan por difundir las prácticas artísticas contemporáneas y hacerlas extensivas a los medios rurales. Se trata de La Fragua/The Forge, un proyecto que desarrolla un programa de arte contemporáneo en torno a la puesta en marcha de una residencia de artistas en el Convento de Santa Clara en la localidad de Belalcázar. La Fragua se articula como una asociación cultural comandada por Javier Orcaray y Gabrielle Mangeri "concebida para el desarrollo de las artes visuales en el medio rural con el ánimo de contribuir al fomento de un mundo rural vivo y dinámico". A través del proyecto de residencia de artistas el colectivo quiere generar "un espacio integral para la producción, estudio y exposición del arte contemporáneo fuera del ámbito urbano, así como generar un espacio de reflexión donde los proyectos artísticos nos acerquen a cuestiones sobre la identidad, individual y/o colectiva, en relación con el territorio". El ambicioso programa contempla además de la residencia, programas formativos, galería, servicio de laboratorio multimedia y asesoramiento de proyectos artísticos y de comisariado. Para ello cuenta con  varios espacios localizados  en el Convento de Santa Clara,  donde se llevarán a cabo los talleres y las actividades divulgativas, y la residencia situada en La Casa de Manolo, que es un inmueble donado al Ayuntamiento de Belalcázar por Manuel Moreno Vigara,  profesor durante años de la Sorbona de Paris, que al morir legó todos sus bienes al pueblo que le vió nacer para que fueran destinados a fines benéficos y culturales.

Obra en proceso de Paco Castaño. Fotografía: La Fragua

La convocatoria de selección de proyectos para residencia contempla  un periodo de estancia de uno a seis meses. Durante este tiempo La Fragua les ofrece apoyo material para poder llevar a cabo sus obras, alojamiento, un espacio de trabajo, la visita periódica de profesionales de las artes visuales y una exposición que dé cuenta de su paso por el centro. Desde su reciente fecha de puesta en marcha la residencia ha albergado ya a diferentes artistas internacionales como Jackie Maloney o Caren Beilin quienes han elegido la quietud y el recogimiento que se respira en el convento como el espacio desde el que desarrollar sus proyectos artísticos. Así mismo La Fragua ha contado hasta el momento con talleres como el impartido por Rosana Cámara sobre el proceso fotográfico Van Dycke o Liliya Lifanova quien desarolla Flying Carpet en colaboración  con niños de la localidad.

Monjas clarisas del convento contemplan la exposicion Photomobile. Fotografía: La Fragua

Presentaciones de artistas como Chico Pereira, Jesús Olmo o el colectivo fotográfico Baum, trabajos colaborativos como el llevado a cabo entre Damián Flores y Toki, el concurso Photomobile de fotografías realizadas mediante teléfonos móviles o la obra en proceso basada en la permacultura que se realiza en el huerto por Paco Castaño constituyen hasta el momento un programación que anuncia para junio un taller de escritura creativa que correrá a cargo de la profesora de Literatura en el Bates College, Francisca López. Especial interés ha concitado la presencia del bailaor Israel Galván que el próximo 16 de julio pondrá en escena su obra Solo. Solo es un ejercicio de baile sin adornos, desnudo, sin música ni acompañamiento de ningún tipo, en palabras del artista "sin un guión, sin nada. Es mi laboratorio personal, mi ensayo íntimo. Verdaderamente, soy yo pues no hay nadie más". Las entradas para el espectáculo de Galván se pueden  reservar a través del correo electrónico de La Fragua o en el teléfono 957 147 003.

Feedbackstage presenta la última producción de Fernando M. Romero

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 Feedbackstage es el título de la exposición que Fernando M. Romero presentará al público en la Sala Galatea a partir del jueves 9 de junio. La muestra comprende la última producción pictórica del artista, iniciada durante su estancia en Berlín, ciudad a la que se trasladó a resultas de ser ganador de la Beca Córdoba Artes Nobles 2009.

Feedbackstage está compuesta de una veintena de obras de gran formato en soportes de papel y lienzo, a lo que hay que añadir una intervención mural in situ de gran formato y de carácter efímero, visible hasta la clausura de la exposición.

Fernando M. Romero (Córdoba, 1978) se formó en la Escuela de Arte de Valladolid tras de lo que cursó la Licenciatura en Bellas Artes en Granada, especialidad Pintura. Desde 1997 ha participado en diversas exposiciones individuales en galerías como Laberinto (Granada), Jesús Puerto (Granada), Cobalto (Córdoba), Carmen del Campo (Córdoba), Diàlegs (Barcelona), Infantas (Madrid), Ginza Tanaka Hall (Tokio), y numerosas colectivas, así como en ferias como Arco, Art Madrid, ArtExpo (Barcelona) y Arte+Sur (Granada). Ha recibido la Beca de Creación de la Fundación Talens (Barcelona), la Beca el Paular de Segovia, la Beca Fundación Rodríguez-Acosta (Granada) y la última, la Beca Córdoba Artes Nobles 2009, junto a diversos premios como el Premio Pepe Espaliú.

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 Feedbackstage  

Fernando M. Romero

Inauguración jueves 9 de junio, 20 h

Sala Galatea (casa Góngora)

C/ Cabezas, 3, Córdoba

Hasta el 10 de julio

El jurado de la CEC mantiene un encuentro en el C4

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Un aspecto del auditorium del C4 en la reunión con el jurado de la CEC. Fotografía: FCCC. Braulio Valderas.

Redacción / Ars Operandi

El auditorium del futuro Centro de Creación Contemporánea de Córdoba albergó ayer el encuentro que el comité de selección que evalúa a las ciudades candidatas a Capital Cultural de Europa en 2016 mantuvo con miembros de la comunidad artística cordobesa. Manfred Gaulhofer, Danuta Glondys, Emilio Cassinello y Jordi Pascual Ruiz pudieron realizar con anterioridad un recorrido por las instalaciones del centro y  conocieron detalles tanto del proyecto arquitectónico.

En la reunión, presidida por los miembros del patronato de la Fundación, estuvieron también presentes miembros del Grupo de Trabajo de Consultores Andaluces integrado por representantes de instituciones como el Museo Picasso de Málaga, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo o la Fundación Arquitectura Contemporánea entre otros. En su nombre intervino Elvira Saints-Gerons, de la Fundación Tres Culturas del Mediterráneo, quién explicó a los miembros del jurado la estrategia de trabajo territorial que ha desarrollado el proyecto y mostró a los miembros del Comité de Selección las 85 cartas de compromiso que ha recibido la candidatura, procedentes de prestigiosas entidades e instituciones andaluzas, españolas e internacionales.

Durante el transcurso del acto, al que asistieron miembros de distintas generaciones del arte actual en Córdoba  así como comisarios de exposiciones y críticos de arte, tomó la palabra el artista Tete Álvarez quien destacó que el "excesivo peso de la tradición en una ciudad milenaria como Córdoba resulta a menudo un lastre que ha dificultado secularmente la asunción de los postulados de la contemporaneidad". Álvarez expresó ante los miembros del jurado que "la carencia de infraestructuras dedicadas a las artes visuales, el escaso apoyo a la creación y difusión de las prácticas artísticas contemporáneas han obligado a no pocos creadores a tener que elegir lugares más receptivos para poder llevar a cabo sus proyectos". En este sentido manifestó que la aspiración de la ciudad de convertirse en Capital Europea de la Cultura en el año 2016 "significa para todos nosotros la mejor oportunidad que se nos presenta de poner en marcha un nuevo modelo de ciudad en el que la cultura sea la base para la construcción de un proyecto común, sostenible y participativo". Tete Álvarez finalizó su intervención remarcando el apoyo de la comunidad artística al proyecto de ciudad al afirmar que "en la construcción de ese nuevo presente, la ciudad sabe que cuenta con el apoyo decidido de los creadores. Debemos y queremos formar parte activa de este proyecto colectivo de construir ciudad, de construir presente, de poder soñar con el futuro".

Un momento de la intervención de Óscar Fernández. Fotografía: FCCC. Braulio Valderas

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Posteriormente, a preguntas de los miembros del jurado, se realizaron sendas intervenciones por parte de la artista y profesora de la Universidad de Sevilla, Marisa Vadillo y del comisario y crítico de arte, Óscar Fernández. Vadillo puso de manifiesto el enorme potencial creativo intrínseco que posee la ciudad de Córdoba que a lo largo del tiempo se ha visto incrementado por artistas como Rita Rutkoswky o Hisae Yanase que también eligieron esta ciudad para realizar sus proyectos. Óscar Fernandez, por su parte, resaltó la dificultad que historicamente ha tenido la ciudad para integrarse en el discurso de la modernidad y reivindicó el proyecto de la capitalidad para situar a Córdoba en primera linea de la contemporaneidad.

Al termino del encuentro, Manfred Gaulhofer manifestó a Marisa Vadillo su interés por profundizar en la opinión que mantienen los creadores cordobeses respecto al proyecto. Como la planificación de la jornada impedía un posterior encuentro, se habilitó una cita fuera de agenda entre Vadillo y Gaulhofer que finalmente se produjo aprovechando un traslado en microbús al Palacio de Orive. Según Vadillo, el jurado "quería la verdad y conocer nuestra realidad, cómo nos tratan las instituciones, en qué condiciones trabajamos, cómo vemos el proyecto, si están o no escuchándonos o cómo se habían gestado las propuestas de proyectos, si apoyaban a los jóvenes... nos quería escuchar".

Hisae Yanase y Antonio I. González en CERCO

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Del 26 al 29 de mayo se ha celebrado en Zaragoza la 11ª edición de CERCO, la Feria Internacional de Cerámica Contemporánea, el mayor evento alrededor de esta disciplina artística que tiene lugar en España y que incluye el Premio Internacional de Cerámica Contemporánea. En torno a ellos y coincidiendo en las fechas, tienen lugar diversas exposiciones que muestran tanto los valores emergentes como los ya consolidados.

En CERCO XI, junto a los principales artistas del panorama de la cerámica contemporánea europea, han estado presentes los artistas Hisae Yanase y Antonio I. González, quienes han presentado las obras Crisálida de aire (2011) y Cuadernos borradores (2010), respectivamente.

Crisálida de aire es una instalación realizada con cerámica (gres, arcilla coloidal y reducción parcial), papel, hierro y algodón, de aspecto fusiforme, de 190 cm de altura y 100 cm de diámetro, presentada al público por vez primera en CERCO, mientras que la serie Cuadernos borradores (porcelánico, óxidos metálicos y engobes, en piezas de 100x 250 cm) formó parte de la exposición Palabras, perteneciente al ciclo Páginas de barro.

La mujer, protagonista en la muestra fotográfica "Fuente de vida"

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Organizada por Espacio A_ Rojo junto con blipoint, la muestra fotográfica Fuente de vida se presentará al público el próximo jueves 9 de junio en el Teatro Cómico Principal. La exposición consta de una colección de fotografías a cargo de una selección de creadores internacionales que incluye a Tuna Akcay (Turquía), Habbed Ali (Arabia Saudí), Stefano Grassi (Italia), Mircea Marinescu (Rumanía), Rodolfo Mejías (Venezuela), Navid Bin Sakhawat (Bangladesh), Fernando de Otto (España), Gian Luca Palazzolo (Italia), Tareq Rahman (Bangladesh), Ivo Rafailov (Bulgaria), Raúl Sánchez (España), Marco Simola (Perú), Debashish Tarafder (India) y Kate Tye (Australia). En la inauguración, alumnos de de gráfica publicitaria de la Escuela de Arte Mateo Inurria realizarán una performance.

La exposición, dedicada a la mujer, "símbolo de fuerza y de belleza", según la organización, la forman 14 imágenes que han sido publicadas en la comunidad blipoint a través de un concurso en red, de las cuales se han seleccionado las que conforman la presente muestra. Asimismo participan en calidad de invitados con dos obras más los fotógrafos Aaron Sosa (Venezuela) y Roger Anis (Egipto). Fuente de vida es una invitación a contemplar a la mujer "en sus diversos roles, desde ama de casa, hasta líderes políticas, atletas, empresarias, y madres".

Fuente de vida

Inauguración jueves 9 de junio, 20:00 h

Teatro Cómico Principal

C/ Ambrosio de Morales, 15

14003 Córdoba 

 

Editorial

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Córdoba, capital Europa

Manuel Muñoz en el Festival Off de PHotoEspaña'11

Berquerencia, 2010. Obra fotográfica de Manuel Muñoz

Redacción / Ars Operandi

Una exposición individual del artista cordobés Manuel Muñoz forma parte  del festival Off de PHotoEspaña'11  que se celebra en estos días en la capital madrileña en Madrid. Se trata de Escenarios de una memoria. Presentes ocultos y pasados presentes, una selección de su más reciente producción que se podrá contemplar desde el 9 de junio en la Galería Metta de Madrid. La muestra aglutina dos de los últimos trabajos realizados en torno a la recuperación de la memoria sobre La Guerra Civil Española realizados por Muñoz,  Los establos del General y La Serena, escenarios de una memoria.

Ya desde el año 2005 Manuel Muñoz viene de trabajando en proyectos fotográficas que aluden a temas relacionados con la memoria social y colectiva. Las seleccionadas para su cita madrileña muestran una serie de fotografías tomadas en Andalucía y Extremadura en las que el artista ha retratado espacios utilizados en la última contienda española. Según información suministrada por  la galería "gracias a una labor de información y estudio sobre estos acontecimientos históricos ha podido fotografiar lugares que nos acercan a la historia española, de los cuales algunos ya han desaparecido, como los fabulosos grafitos de milicianos de la torre del Carpio, y otros abocados a la desaparición y que milagrosamente a pesar del tiempo se han mantenido, como La casa de la Sierra en donde Miguel Hernandez leyó sus poemas a las tropas republicanas. Los trabajos de Manuel Muñoz deben visualizarse como un ejercicio fotográfico cuyo fin responde al deseo de ilustrar este relato oficial de la historia que queda aún por llegar y no se deben entender nunca como la facilidad de un arte limitado con una mera aportación documentalísta, ya que sus fotos conjugan a parte de la historia, el tiempo presente y pasado. Para ello, utiliza la metáfora como único pretexto a la hora de elegir sus temas y mediante sus encuadres presenta una imagen intelectual que nos invita a la reflexión sobre el tiempo y la ambivalencia de la vida, mostrándonos imágenes bellas y al mismo tiempo transportándonos a la crudeza de los acontecimientos".

La XIV edición de PHotoEspaña cuenta como comisario general al cubano Gerardo Mosquera, comisario entre otras muchas exposiciones de El patio de mi casa que pudimos contemplar en nuestra ciudad en Otoño de 2009. Desde ayer hasta el 24 de junio el Festival de la fotografía y  las artes visuales ofrecerá un programa de 68 exposiciones: 21 en la Sección Oficial, 6 en OpenPHoto, 9 en otras salas y 32 en el Festival Off,  en 61 sedes entre museos, galerías, centros de arte y salas de exposiciones. Participarán en el Festival 370 artistas y creadores de 55 nacionalidades. PHE11 organiza más de 60 actividades: talleres de fotografía, visionados de porfolios, debates, clases magistrales, visitas guiadas, programas educativos, talleres familiares, proyecciones y acciones en la calle con el fin de  fomentar la participación del público con actividades fuera de las salas de exposiciones.

Con C de Cultura (y de Córdoba)

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Una vista de la instalación. Foto: Ars Operandi

Redacción / Ars Operandi

Un año más, el proyecto de arte público Calle Imágenes ofrece a los cordobeses y visitantes una muestra de arte participativo en el que la colaboración de los vecinos hace posible que la calle Imágenes y sus alredededores sea uno de los lugares más visitados de la primavera cordobesa. Festiva y reivindicativa, la intervención de este año tiene a la C de Cultura como protagonista, en una apuesta clara por la Capitalidad Cultural 2016. El Proyecto Imágenes, que este año cumple su séptima edición, se conforma como "foro de encuentro vecinal", y una "escultura social", en palabras del factótum de la iniciativa, el artista y agitador cultural Goval. Los vecinos han reciclado, manipulado y colgado numerosos carteles anunciadores de eventos culturales que han acontecido en la ciudad recientemente. Para sus organizadores el proyecto surge "como una bateria de acciones de encuentro grupal entre vecinos del entorno de la calle Imágenes, con el objetivo de modelar las relaciones vecinales de manera alternativa a la forma en que el sistema social actual imperante lo hace, y que percibimos como excluyente, autista, e insolidario, dentro de una sociedad presidida por el espectáculo y el consumo, donde el ciudadano queda relegado al papel de "espectador-consumidor". Y continúan: "Es por lo que este proyecto plantea la interrelación entre vecinos y la participación, en la creencia que dichas acciones mejoran la comunicación, la integración, el trato cotidiano, así como la visión del papel de "actor-partícipe" de quienes comparten un mismo espacio geográfico como es la calle del barrio".

En las anteriores ediciones, los títulos fueron Imágenes de flores (2005), Imágenes del río (2006), Imágenes ausentes (2007), Imágenes del agua (2008), Imágenes del querer (y no poder) (2009), e Imágenes de colores (2010). La particularidad de la intervención, el compromiso vecinal, abierto y participativo, como valor a tener en cuenta en nuestra reivindicación de la capitalidad, ha situado al Proyecto Imágenes en el foco de atención, encontrándose previsto sea uno de los lugares visitados por el comité de evaluación de la capitalidad que visitará nuestra ciudad el próximo viernes 3 de junio. 

Nueva cabecera: Ana Martínez

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 El mes de junio nos sirve de presentación para la nueva cabecera, en esta ocasión una colaboración original de Ana Martínez (1970), artista cordobesa a la que podremos ver próximamente en la galería Carmen del Campo, dentro de la colectiva titulada El dibujo. Primo pensiero, en la que participarán una docena de artistas con obras realizadas en esta técnica.

Ana Martínez es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Desde hace diez años se dedica a la pintura mural de diferente formato en emplazamientos públicos y privados. La actividad expositiva de Martínez comenzó a principios de los años noventa en salas como el Instituto Cervantes de Milán o París, Pabellón Mudéjar del Museo de Artes y Costumbres Populares de Sevilla, Gerrit Rietveld Academie de Ámsterdam, Sala Triángulo de Madrid, Sala de Exposiciones Cajasur de Córdoba, etc. En 1998 la Junta de Castilla y León le concedió una beca de creación artística para realizar su proyecto visual Cunas.

La colaboración de Ana Martínez, a quien agradecemos cordialmente su cabecera, nos llena de satisfacción, además de por su calidad, por ser la que alcanza el número cincuenta desde que comenzó esta interesante iniciativa.