Invertir en bolsa o arte para todos los bolsillos

Inauguración en la mañana de ayer de 16 Asas. Fotografia: María Moya

Redacción / Ars Operandi

Un lugar de encuentro, otra manera de acercar el arte a la ciudadanía, una iniciativa independiente de los designios oficiales. Éstas son las claves con las que se presenta 16 Asas, el proyecto que ayer comenzó su andadura en el estudio Nur Comunicación en el Paseo de la Ribera. Organizada por el fotógrafo José Carlos Nievas y el activista cultural Miguel Moreno Carretero, 16 Asas pretende, según sus promotores "una nueva forma de exponer, de comprar, de coleccionar, de disfrutar del arte". Para Nievas y Carretero el nombre de la iniciativa viene a conjugar varios significados. "Por un lado el numero 16, que de alguna manera se hace cómplice con la apuesta cultural de la ciudad para ser elegida Capital Europea de la Cultura, pero también por el numero de bolsas que encajan en el escaparate. Por otro lado las asas tiene una doble lectura, la de las asas de la bolsa de papel y las Asas en término fotográfico (baremo de sensibilidad), teniendo en cuenta que el lugar de exposición es un estudio de fotografía"

Un domingo de cada mes las puertas del estudio se abrirán al público para exponer dieciseis obras originales o seriadas que, introducidas en  bolsas de papel, desvelan a través de una ventana circular parte de su contenido. Las dieciseis obras serán puestas a la venta al público asistente por el módico precio de 50 euros. Como cabía esperar la convocatoria ha resultado un éxito tanto en  ventas como en la asistencia de un público que llenaba a rebosar el estudio de José Carlos y María Moya. La encargada de inaugurar esta novedosa iniciativa fue la diseñadora gráfica e ilustradora Pilar Roca. Licenciada en Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla en la especialidad de Grabado y Diseño y Pintura, ha realizado numerosas exposiciones, individuales y colectivas, en diversos espacios tanto de España como de otros países. Roca ha gozado de varias becas de diseño gráfico en Florencia, Italia.  Entre otros proyectos, actualmente colabora desde hace un año con la Universidad de Bard de Nueva York en la la realización de magazines culturales.

J. C. Nievas, Pilar Roca y M.A. Moreno. Fotografia: María Moya

Para sus organizadores "cada inauguración se plantea como un evento único en el que a la propia exposición se sumarán propuestas musicales o literarias para crear un punto de encuentro interdisciplinar, despojado de boato y siempre con un tinte festivo". Ayer le tocó el turno a Ramos Dual, que ofreció una intervención inspirada en pasajes de música hindú aderezada con la electrónica más experimental. Por su parte el fotógrafo José Antonio Modelo, asesorado artísticamente por Maripaz Franco Serrano, realizó un retrato de la artista participante.

De Fuente Ovejuna a Ciudad Juárez pasando por Nueva York

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Desde Nueva York: Marina Mellado

The Cross Border Project: ensayos de Fuente Ovejuna en el Teatro Thalia

El Teatro Español Thalia de Queens (Nueva York), que lleva a gala ser el primero y único teatro bilingüe del populoso barrio neoyorquino, y cuya misión es celebrar la vitalidad y diversidad de las culturas española y latinoamericana, acogerá del 3 al 12 de diciembre el original montaje que la vallisoletana Lucía Rodríguez y su equipo han preparado de la obra teatral del Siglo de Oro Fuente Ovejuna, de Lope de Vega. De este clásico de la literatura española y universal se han hecho muchas versiones y adaptaciones, pero ninguna como ésta, me atrevo a afirmar. Con pocos medios, pero un entusiasmo contagioso, The Cross Border Project o “El Proyecto Transfronterizo” de Lucía y su equipo de voluntarios de ocho nacionalidades distintas ha conseguido que Fuente Ovejuna viaje a Ciudad Juárez, con parada obligada en Nueva York.

Sensibilizada por la situación actual en Ciudad Juárez, donde el número de mujeres desaparecidas y asesinadas por causa del narcotráfico es alarmante, y, lo que es aún más condenable, donde la pasividad de las autoridades ante tal genocidio es, cuesta escribirlo, manifiesta, Lucía se decidió a adaptar el texto de Lope para alertar de un drama social y humano que, cuatro siglos después, recuerda al que el autor reflejó y condenó en su aclamada obra, y, sobretodo, para sensibilizar al público acerca de una situación injusta con la que todos, unidos, podríamos y deberíamos acabar, siguiendo el ejemplo de los vecinos de Fuente Ovejuna. “En nuestra versión” – comenta Lucía, “las labradoras se convierten en maquiladoras, los músicos son tres mariachi con los que el público bebe tequila durante la boda de Frondoso y Laurencia, y el Comendador es un narco sin escrúpulos”. La relevancia y contemporaneidad de Lope de Vega han hecho posible la licencia. Esta obra es también un tributo al genial autor.

Acompañando la representación se muestran, en el hall del teatro, algunas obras de la exposición Disposable: Ciudad Juárez and the War on Women (Desechable: Ciudad Juárez y la Guerra a las Mujeres), un tributo de sus artistas, fundamentalmente mujeres, a las maquiladoras de Juárez, que cada día ponen en riesgo sus vidas, desde el instante mismo en que salen de sus casas, para ir a las fábricas de textiles que garantizan su sustento y el de sus familias. La organización de esta exposición ha sido mi forma de contribuir al proyecto que Lucía, que también disfruta de una beca Fulbright en Nueva York como yo, con tanta ilusión, originalidad, y respeto ha concebido y hecho posible, y mi particular homenaje a todas las Laurencias y Pascualas, Lidias, Ofelias, y Mariselas que no tuvieron ni tienen tanta suerte como nosotras, y fueron, son, ultrajadas y menospreciadas por el hecho de ser mujeres, y a mis paisanos mellarienses, que nos recuerdan que la unión y la solidaridad humanas pueden realmente acabar con tamañas injusticias y crueldades. ¡Tod@s a una por las mujeres de Ciudad Juárez!

Más en: The Cross Border Project

Homenaje a Pilar Sarasola, vda. de Luque

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El próximo martes 23 de noviembre a las 18:00 horas, en la sede de la Filmoteca de Andalucía, se verificará el acto de homenaje a Pilar Sarasola, vda. de Luque,en el que se proyectará el documental Pilar Sarasola, viuda de Luque, una mujer a contracorriente , dirigido por Juanjo Martínez, y contará con la presencia de la familia de Pilar Sarasola y la intervención de Angelina Costa, Juana Castro, Rogelio Luque, Gerardo Olivares, Manuel García Parody y Matilde Cabello.

Pilar Sarasola Llanas nació en Gijón en el año 1905. Estudió en la Escuela de Comercio de su ciudad natal donde por vía epistolar conoció a Rogelio Luque, librero e impresor cordobés. Al cumplir los 18 años, Rogelio y Pilar contraen matrimonio, trasladándose esta a Córdoba.

Desde su traslado a Córdoba Pilar se implica en la atención al público así como en la administración de la librería. Tras el fusilamiento de su marido en Córdoba al inicio de la Guerra Civil, se hace cargo de la Librería a quien fueron ayudando sus hijos Rogelio desde 1947 y Antonio desde el año 1960. Pilar Sarasola falleció en el año 1981.

Ver más: Pilar Sarasola, viuda y alma nutricia de Luque, por Matilde Cabello

Homenaje a Pilar Sarasola, vda. de Luque

Proyección del documental Pilar Sarasola, viuda de Luque, una mujer a contracorriente, dir. Juanjo Martínez

Martes 23 de noviembre, 18:00 h

Filmoteca de Andalucía

c/ Medina y Corella 5, Córdoba

Un ejemplo de los movimientos de obras de arte en La obra del mes del Bellas Artes

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El próximo domingo 21 de noviembre, la cita con La obra del mes en el Museo de Bellas Artes de Córdoba tendrá como protagonista la restauración y el movimiento de las obras de arte, para lo que se tomará como ejemplo el lienzo llamado Santiago batallando contra los moros, original de Lucas Valdés (Sevilla, 1661–Cádiz, 1725), presentación que será llevada a cabo por la restauradora Inmaculada Páez Domínguez.

Iconográficamente descrito como Santiago en la Batalla de Clavijo, la obra de Lucas Valdés pertenece a los fondos del Museo de Bellas Artes de Córdoba, donde ha sido restaurada por el equipo de restauración al que pertenece Inmaculada Páez. El lienzo se encuentra expuesto en la muestra titulada Principio Potosí, un interesante proyecto cuya tesis principal sostiene que la modernidad no tiene su origen y fundamento en el racionalismo y la ilustración, sino en el proceso de expansión y explotación iniciado en el siglo XVI con el descubrimiento de riqueza bruta en territorio colonial, en el que están presentes obras de los siglos XVI y XVII junto a propuestas contemporáneas. La restauración de la pieza para su itinerancia -que comenzó en el Reina Sofía, para seguir en Berlín y próximamente en Potosí-, y los movimientos de la misma, será el eje de la intervención de Inmaculada Páez.

En la presente edición del ciclo La obra del mes se han seleccionado obras vinculadas unas veces con el arte, otras con la biblioteconomía, la arqueología, y también temas como la fotografía, la arquitectura, los movimientos de las obras, pero especialmente se abordará el de la restauración tanto en obras de arte como en el propio edificio que alberga la institución.

El objetivo se dirige como siempre a profundizar en el conocimiento de determinadas obras de la exposición permanente, otras ubicadas en almacén, o adquiridas y restauradas recientemente. Para ello, el Museo contará con personas de alto prestigio y conocedoras de la materia, que pondrán al alcance de todo el público sus conocimientos sobre las obras o temas seleccionados por ellos mismos, entre los fondos del museo o de reciente actualidad.

Los siguientes participantes en el ciclo, el último domingo de cada mes, serán Jerónimo Sánchez, arqueólogo, Enrique Ortega y Rosa Cabello, restauradores, Alfonso Blanco, restaurador, F. J. del Río, director de la Biblioteca Pública Provincial de Córdoba, José Mª Báez, artista, Manuel Pedregosa y Pilar Vinós, arquitecto y restauradora y Fuensanta García de la Torre, directora del Museo de Bellas Artes.

Obra del mes

Santiago batallando contra los moros. Un ejemplo de los movimientos de obras de arte

Interviene Inmaculada Páez Domínguez

Museo de Bellas Artes de Córdoba

Plaza del Potro, 1

Domingo 21 de noviembre, 13 h 

Arqueologías del futuro. Contra/tiempo en El vuelo de Hypnos

Jesús Alcaide / comisario de Contra/tiempo 

El proyecto El vuelo de Hypnos nace en el año 2004 con la intención de establecer un diálogo entre patrimonio histórico y arte actual. Desde ese año se han sucedido cuatro ediciones,en las que se ha invitado a participar a distintos artistas en las estancias de la Villa romana de El Ruedo en Almedinilla, favoreciendo una explicación del yacimiento a través del arte actual y diversas reflexiones sobre cuestiones que ese yacimiento ha suscitado en los artistas que se acercaban a él (sueño, poder, habitat, privacidad, tiempo...etc).

Se trata de una experiencia singular, pues es una de las pocas, si no la única, ocasión de que los artistas contemporáneos puedan intervenir mediante proyectos artísticos en un espacio con tantas connotaciones históricas como la Villa romana de El Ruedo en Almedinilla, uno de los yacimientos arqueológicos que se han convertido en mayor foco de atracción y desarrollo económico y cultural para la Subbética.

El vuelo de Hypnos forma parte del proyecto de intervenciones artísticas contemporáneas Periféricos que se desarrolla en la provincia de Córdoba y del que forman parte Scarpia (El Carpio), Sensxperiment (Lucena), Aptitudes (La Rambla) y DMencia (Doña Mencía) con la organización de la Fundación de Artes Plásticas Rafael Botí y la colaboración de los Ayuntamientos de El Carpio, Lucena, La Rambla y Doña Mencía.

Para esta V edición, se ha planteado una reflexión sobre el yacimiento desde las teorías sobre una arqueología del futuro (Jameson), a modo de un relato de ciencia ficción, donde el futuro ya no es lo que era y nuestro presente se debate en un territorio de relecturas y apariciones, supervivencias de otras épocas y pasos hacia adelante en un tiempo que ya sabemos que no es lineal.

En este impasse temporal, los distintos artistas intervendrán sobre las diferentes estancias de la villa a modo de proyectos site-specific, en el que plantearan sus diferentes visiones sobre algunas cuestiones que este yacimiento puede suscitar,siempre abordándolos desde una mirada contemporánea.

El propio título Contra/tiempo es un juego de palabras que define por una parte la difícil e irreconciliable vinculación de los artistas con el tiempo,no sólo el pasado sino el actual y por la otra se define como algo que de manera inesperada,fortuita y sorprendente actúa como cese temporal del curso natural de las cosas.

En esta ocasión, aquellos visitantes que paseen por las diferentes estancias de la villa, se encontrarán con las obras de tres artistas contemporáneos como son Tete Álvarez, Jacobo Castellano y Jesús Palomino, que a través de sus intervenciones y producciones site-specific, reinterpretarán conceptos ligados a la villa como son la memoria, el yacimiento, el tiempo, el hábitat, la vivienda y la propia presencia del espacio en un entorno natural único como es el de la Subbética cordobesa.

Territorio y geolocalizaciones, mapas y construcción de la ciudad contemporánea, sus límites y sus derivas vienen siendo algunas de las preocupaciones que se suceden en las obras de Tete Álvarez (Cádiz, 1964) desde hace unos años. Después de piezas como Localizaciones o Transurbancias, Tete Álvarez nos plantea en la pieza realizada de forma específica para el lugar, una intervención sobre la estancia que se supone biblioteca del dueño de la villa, en la que a modo de mosaico aparece una imagen cenital de una ciudad contemporánea tomada a partir de un dispositivo de localización terrestre. De esta forma se une una de sus principales preocupaciones, la utilización crítica de los nuevos medios con el espacio urbano y la temporalidad, uno de los elementos con los que viene trabajando desde los años ochenta a través de trabajos en video, net-art, instalaciones e imagen fotográfica.

La memoria y la experiencia sobre los lugares que habitamos han sido constantes que se han repetido a lo largo de casi todos los proyectos artísticos de Jacobo Castellano (Jaén, 1976). De forma específica para El vuelo de Hypnos ha realizado una pieza en la que superpone varias capas o lecturas en torno a la memoria individual y colectiva, la historia, los recuerdos, la memoria y los restos físicos que dejamos en los espacios habitados. Se trata de componer una maqueta de su casa de la infancia, hoy en ruinas, para imbricarla dentro de otra ruina, la de la Villa, espacios ambos habitados,que en el polvo de sus estancias, conservan los restos de lo que fuimos y seremos, polvo sobre el suelo.

Si en un comienzo las obras de Jesús Palomino (Sevilla, 1969) presentaban referencias a elementos claros como las máquinas o las chabolas, desde el 2006 parece haberse centrado en abordar cuestiones discursivas que tienen que ver con diversos elementos que tienen que ver con la democracia y sobre todo la percepción.

Es en este sentido en el que la obra que presenta para El vuelo de Hypnos, viene a cobrar especial significado, al huir de una vinculación mítica con el lugar y en su lugar aplicar una estrategia de presentación del mismo. Lo que hay, es lo que ves, parece decirnos Palomino, una estructura creada para ver e interpretar el yacimiento, los restos y la historia. Un artefacto que actúa de forma determinante a la hora de acercarse a los testimonios arqueológicos de la villa, presentando un espacio vacío, tierra de nadie, en cuya parte superior aparece, como si de un templo se tratase, la plataforma industrial que se ha creado para resguardar el yacimiento, conservarlo y ponerlo en valor.

El vuelo de Hypnos V

Inauguración: 20 de noviembre de 2010 a las 12:00 h.

Villa romana de El Ruedo, Almedinilla, Córdoba

Se fletará un autobús ida y vuelta para aquellas personas que deseen asistir a la inauguración.

Hora de salida: 10:30 AM.

Lugar de encuentro: Plaza de Colón esquina Torres Cabrera

Reserva de plaza (gratuita) en el teléfono 957 496 520 o en el correo-e programaeducativo@fundacionboti.es

Lo salvaje no tiene palabras

  Asistentes a la exposición ante una obra de Antonio I. González. Foto Ars Operandi

Pablo Rabasco / Ars Operandi 

De lo nombrado, el hombre ya queda fuera, dijo Nietzsche, atreviéndose a adentrarse en los laberintos de la subjetividad, allí donde los conceptos se debilitan y las descripciones se convierten en meros adjetivos recurrentes. Por eso, cuando la palabra no se dice, ni se escribe, sino que lentamente se construye, con el calor de mil grados de temperatura, en la oscuridad y silencio del horno del ceramista, parece que podemos adentramos en la subjetividad , en el vacío instante de lo que somos. Ensuciándose la palabra, buscándose en una forma meramente controlada, caprichosa en sus detalles, dejada en los instantes finales al capricho de su materia real. Hisae Yanase, responsable de esta edición de Páginas de Barro, ha seleccionado los proyectos de tres artistas que han tratado el tema de la palabra desde perspectivas bien diferentes. Alberto Andrés presenta un interesante diálogo entre las formas cerámicas y de arcilla blanca con otros materiales y contextos dirigiendo nuestra atención hacia el mundo del consumo, de la publicidad, y de la palabra como eslogan privado y efectivo. Obras como Be a star, o Slow-fast se sitúan en ese diálogo entre materiales encontrados, signos utilizados y estereotipos vitales. Antonio González, con una obra más introvertida, ha encontrado en el complejo universo del poeta sueco Tomas Tranströmer, ese vacío presupuesto de la incomunicación resuelto desde nuevos contextos más libres. Antonio, en la obra Pero no… proyecta una serie de imágenes inspiradas en la negación, obras de otros artistas como Santiago Sierra, sobre unas placas de cerámica fríamente horadadas que permiten un diálogo con la dimensión y el espacio de la obra, permitiendo un encuentro en positivo con la negatividad. La obra de Gabriella Sacchi es en cierto modo más literal con el tema tratado. Los cuadernos de notas, rápidos dibujos, postales que describen a modo de un desordenado e inmediato diario, llenan la sala, para poco a poco transformarse en páginas de barro, en cuadernos moldeados, con las mismas palabras, pero con los lentos ritmos arrastrados de un tiempo ahora distinto.

 La exposición Páginas de barro: Palabras puede verse en la Sala Galatea (Casa Góngora) hasta el 30 de noviembre

Artículo publicado originalmente en Diario Córdoba

Arte, cocina y modos de hacer en la Sala Vimcorsa

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Más de cuarenta artistas participan en la muestra El pensamiento en la boca, que la Sala Vimcorsa inaugura el martes 16 de noviembre. El proyecto parte como punto inicial de la cocina, donde obras, situaciones y escenarios se conjugan mediante un concepto de creación como lugar de encuentro e intercambio, donde la invención es tarea compartida. Según el comisario de la muestra, Francisco del Río, los artistas participantes "pretenden poner de manifiesto lo que la cocina tiene de invención, de acto creativo, pero también de acto creativo relacional, que es el que sale de la colaboración entre las personas".

 El proyecto El pensamiento en la boca parte de lo cotidiano como tema y lugar,  señalando particularmente la actividad creativa a partir de unas condiciones de reciprocidad e intercambio entre hombres y mujeres, padres e hijos, parejas, colectivos, familiares, instituciones… todos de distintos orígenes y formación diversa.

Los artistas presentes en la muestra no lo hacen a título individual, sino que la obra final aparece como el resultado de la colaboración, comunicación e intercambio entre los participantes. De este modo, nos encontramos a los participantes como miembros de colectivos, los cuales o bien funcionan en grupo o forman parejas artísticas, a la vez que desarrollan su propio trabajo creativo. 

Así, de entre las colaboraciones conjuntas podemos encontrar a Guillermo Pérez Villalta, Blitz, Kaoru Katayama, Escuela de Arte de Jerez, Humberto del Río, MP & MP Rosado, Chema Alvargonzález, Jesús Palomino, Fede Guzmán y colectivo Scarpia  con una propuesta en la que elaboran panes con formas de racimos de uvas o ratas.

Por otro lado, Carlos Aires y Emotive Project, Javier Gascón, Maki Ilzuka e Inmaculada Parra junto a Sala de Estar organizan fiestas de cumpleaños por encargo en la sala, una iniciativa que ya cuenta con una próxima reunión infantil en la sala.  También sobre la reunión familiar han trabajado Juan Carlos Sánchez de Lamadrid, Ming Yi Chou y Mar García Ranedo, con un video titulado A la mesa, donde García Ranedo prepara una comida entre tres generaciones de su familia.

La degustación como resultado final protagoniza las acciones de Juan Ángel González de la Calle, quien presenta un video sobre las incidencias de un festín con ocasión de la ingesta de un esqueleto de mazapán realizado previamente por el artista, así como la de José María Baez y Dorothea von Elbe, quienes participan con una instalación titulada La estrella eres tu, y te como, en la que pastas con forma de estrellas realizadas por los artistas se ofrecen y pueden consumirse durante la visita a la exposición.

Una recreación del lienzo Almuerzo en la hierba es presentada por Claudio y Salomé del Campo, mientras que, por otro lado,  hay obras de Matías Sánchez y Cristina Lama (un díptico de grandes dimensiones), de Luis Quintero y Mercedes Erice, Rubén Guerrero, José Miguel Pereñiguez y Cristóbal Quintero, Abraham Lacalle, Rafael Agredano y Chema Cobo y la Richard Channin Foundation (Fernando Clemente, Juan del Junco y Miki Leal)  quienes presentan La custodia del cubata, una personal interpretación de la Custodia de Arfe.

Cocido sin título es el video que presentan Javier Buzón, Patricio Cabrera, Ricardo Cadenas, Curro González y Alberto Marina, donde la autora del cocido protagonista es la madre de Patricio. También con video (Comistrajo) participa Pepa Rubio, mientras que la performance estará representada por el trabajo conjunto de la Escuela de Arte de Sevilla junto a Ignacio Tovar, Sema y Eduardo D’Acosta mas Seleka, San y Mr. Kern, quienes ofrecen la pieza Paté de fuá, por un lado, y Antonio Hito, José Jiménez y Paco Cerrejón  junto a Javier Martín con la performance Tarta-bomba. José María Bermejo, Gerardo Delgado, José Antonio Reyes, Miguel Ángel Rodríguez Silva, Alonso y Viqui Gil cierran con diversas propuestas la relación de participantes.

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TEXTOS DE FRANCISCO DEL RÍO Y SEMA D'ACOSTA

El pensamiento en la boca

Inauguración martes 16 de noviembre, 20:00 h

Sala de exposiciones Vimcorsa

C/ Ángel de Saavedra 9, Córdoba

L a S de 10.30 a 13.30 y de 18 a 21 horas

D y F de 10.30 a 14.30 horas
Comisario: Francisco del Río

I Encuentro Arte en la Periferia

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Durante los días 17, 18 y 19 de Noviembre, tendrá lugar en Córdoba el Primer Encuentro de Arte en la Periferia, con los objetivos de reflexionar sobre el papel de las periferias desde la gestión y práctica artísticas e intercambiar productos y experiencias plásticas, promoviendo la movilidad de los agentes culturales por los territorios, y establecer una dinámica de trabajo en red entre proyectos.

Desde la organización del I Encuentro de Arte en la Periferia se ha convocado para ello a diversos representantes de otros tantos proyectos de arte en la periferia (director/a, comisario/a, coordinador/a, responsable técnico, de comunicación…) con capacidad de exponer su concepto del mismo, objetivos, gestión, desarrollo histórico y aspiraciones.

El encuentro, concebido como unas jornadas de reflexión sin público, básicamente consistirá en la presentación de los distintos proyectos artísticos que se desarrollan en periferias culturales, contextos rurales y espacios de naturaleza, así como mesas redondas de reflexión e intercambio de experiencias, propuestas de trabajo en red y elaboración de conclusiones.

Por parte de Córdoba participarán representantes de los proyectos incluidos en el ciclo Periféricos, que componen DMencia (Doña Mencía), Aptitudes (La Rambla), Scarpia (El Carpio), Sensxperiment (Lucena), El vuelo de Hypnos (Almedinilla) y Encuentro de Poesía Visual (Peñarroya-Pueblonuevo).

Otros participantes son Clara Garí (Nau Côclea, Gerona), Teresa Luesma (CDAN. Centro de Arte y Naturaleza-Fundación Beulas, Huesca), Cristina Geneiro (Fundación NMAC, Montenmedio, Cádiz), Victoria Rodríguez Cruz (Sierra. Centro de producción e investigación de arte actual, Huelva), Lluis Llobet (Centre d’art i natura Farreras, Pallars Sobirà,  Lérida), Fabio de la Flor (Cementerio de arte, Morille, Salamanca), Delicia Burset (Can Xalant, Mataró), Fede Guzmán (Artifariti, Sáhara Occidental), Maria Rosa Hidalgo (EC3. Encuentros de Cultura y Cooperación Creativa. Campo de Gibraltar y Norte de Marruecos), Ramón Parramón y Maite Palomo (Idensitat, Calaf, Manresa, Mataró, Priorat, y El Prat de Llobregat, Barcelona y Quinzena d’art de Montesquiu, Montesquiu ). La mesa redonda final estará coordinada por Chus Cantero (Observatorio Andaluz de Economía de la Cultura, OIKOS).
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Paco Cosano muestra sus obras homenaje a Velázquez

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A la izquierda, cartel de la exposición, junto a las dos obras de Paco Cosano presentes en la muestra

Como homenaje a Velázquez, el artista fernanuñense Paco Cosano muestra sus obras en la exposición colectiva titulada Velázquez. Miradas audaces, que desde el 4 hasta el 24 de noviembre puede visitarse en la sala de exposiciones de la Casa de la Cultura de Castilleja de la Cuesta.

En la exposición, organizada por el colectivo Eklektik_Art, participan junto a Cosano los artistas Alberto Carmona, Jesús Puertas, Juan López, Fdez. Mariscal, Laureano I. Pizarro y Rosa González, con el nexo común de la figura velazqueña, en las distintas interpretaciones que presentan los artistas participantes.

Paco Cosano (Fernán Núñez, 1949) cursó estudios de Magisterio así como la Licenciatura de Bellas Artes en Santa Isabel de Hungría y la de Historia del Arte en la Universidad de Sevilla. Catedrático de Dibujo y profesor en el Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Córdoba, donde coordina las actividades relacionadas con las artes plásticas, ha seguido una extensa carrera pictórica iniciada en 1973, datándose su primera individual en 1978, en la desaparecida galería cordobesa Manuela. Con posterioridad y de forma ininterrumpida ha realizado numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas.

Córdoba Contemporánea en Arte21

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La galería Arte21 mostrará a partir del miércoles 17 de noviembre la exposición titulada Córdoba Contemporánea, en la que mostrarán sus obras los cordobeses Hisae Yanase, Nieves Galiot, Jacinto Lara, Paco Salido, Juanjo Caro, José Luis Muñoz, Hashim Cabrera, Javier Flores, José Mª García Parody, Rafael Navarro y Antonio González junto a Pilar Molinos, Cristina Cañamero y Marcel Bohumil.

La exposición, de carácter itinerante, fue presentada en el centro de arte La Cinoja, de Fregenal de la Sierra, en el pasado mes de abril, de donde pasó a la sala de exposiciones Teatro Sierra de Aracena (Huelva). La presentación en Córdoba está organizada por la Delegación de Cultura del Ayuntamiento en colaboración con Arte21. 

ARS OPERANDI TEXTOS

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TEXTO DE ÓSCAR FERNÁNDEZ

Córdoba Contemporánea

Miércoles 17 de noviembre, 21 h

Galería Arte21

Manuel Mª de Arjona 4 ,Córdoba

Hasta el 8 de enero

Comisario: Antonio Jiménez
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Los Derviches de Damasco en Madinat al-Zahra

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El segundo ciclo de Músicas en Madinat al-Zahra, que bajo el título Del legado a la innovación, se viene celebrando en el Conjunto Arqueológico Madinat al-Zahra, en colaboración con Casa Árabe, convoca una nueva cita para el martes 16 de noviembre con la actuación del Ensemble Al-Kindi con Sheik Habboush y los Derviches Danzantes de Siria.

Dentro de esta segunda edición, en la que música tradicional y contemporánea se unen para mostrar una amplia panorámica de la música andalusí y sus nuevas formas de expresión, llega el turno de contemplar la fascinante actuación de los legendarios derviches de Siria.

La actuación es un trance místico en el que los derviches danzan girando sobre sí mismos una y otra vez al ritmo que marca la orquesta de instrumentos tradicionales árabes Ensemble Al Kindi, dirigida por Julien Weiss, y el canto del Sheikh Habboush.

La cofradía mística sunita de los sufies Mawlawiyya (Mevlevi-s en turco, derviches danzantes en occidente) fue fundada por el gran poeta persa Jalâl al-Dîn al Rûmi (1207-1273), instalado en Konya (Anatolia). El arte musical de Damasco (uno de los principales centros del Islam, y etapa de peregrinación hacia la Meca) se caracteriza por las suites (wasla), los modos (maqam) y los ritmos originales. El ritual no puede ser interpretado en las mezquitas donde los instrumentos están prohibidos. Algunas grandes mezquitas tienen un repertorio vocal particular, transmitido de muecín a muecín. Las suites sacras son llamadas nawba-s, termino reservado a los no creyentes en Al-Andalus y el Magreb. Su expresividad es fundamentalmente serena, con un acompañamiento rítmico reglado y riguroso para llevar progresivamente a la asamblea hacia el trance o la meditación, según la elección de las cofradías.

Ensemble Al-Kindi con Sheik Habboush y los Derviches Danzantes de Siria

Martes 16 de noviembre, 20:00 h

Auditorio del Conjunto Arqueológico Madinat al-Zahra.

Carretera de Palma del Río, km. 5,5.

14071, Córdoba

Entrada libre hasta completar aforo

Ha muerto el más grande. Adiós, Mr. Berlanga

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Brinkmann. Madurez y riesgo

 Enrique Brinkmann, Barcelona I, aguafuerte, aguatinta y azúcar/papel

Oscar Fernández / Ars Operandi

El discurso de la modernidad, a pesar de la opinión de muchos de sus cronistas, ha sido fluctuante. Nada de esa inmovilidad que, como un estigma, le ha perseguido hasta casi nuestros días aparece en la obra de quienes la vivieron con mayor intensidad. Y es que, como demuestra la obra gráfica de Enrique Brinkmann, es un suceder de pequeñas revoluciones lo que mejor define la actividad artística del siglo XX. Tal vez, como nos descubren los pensadores post-estructuralistas, sea justamente esa cronicidad del cambio, esa perpetuación de la disidencia, la que haya agotado a lo moderno. Pero, en cualquier caso, una consecuencia como esa sólo será aplicable a casos particulares, y no define el espíritu de toda una época que ha podido ser cualquier cosa menos monótona.

Desde este prisma se viene produciendo una nueva historiografía, representada entre otros por Thomas Crow. De su trabajo en torno al devenir del arte en la segunda mitad del siglo XX podemos extraer nuevas claves de lectura que nos ayudan a mejor comprender la obra de quienes, como Brinkmann, vivieron esa época con intensidad. En concreto, las revisiones recientes de la modernidad posterior a la II Guerra Mundial nos la muestran como un fenómeno mucho más híbrido de lo que nos presentaron sus principales paladines; nos referimos por supuesto a Clement Greenberg y Michael Fried. Es, precisamente, como enmienda a éstos que Crow lanza una serie de argumentos con los que, sin duda, el Brinkmann grabador también comulga.

La primera enmienda se lanza contra aquella idea, que Fried ratifica en su ensayo Arte y objetualidad, según la cual la obra de arte moderno ha de ser aprehensible en un instante único. Toda verdadera obra de arte habría de ser contemplable en ese breve lapso; siendo capaz de condensar toda su grandeza en una mirada fugaz. Lo que derivaba en la invocación de un arte estático y fijo. Como respuesta a ello, Crow nos recuerda que Barnett Newman, uno de los últimos artistas a los que Greenberg apadrinó como adalid de esa modernidad óptica e instantánea, representaría finalmente una herejía contra ese discurso. Ya que, si bien su pintura se ceñía a las normas formalistas y planas que requería la instantaneidad, el resultado de su encuentro con el espectador era bien distinto. Como afirma Crow en El esplendor de los sesenta: "Las pinturas se prolongaban más allá de cualquier aspecto único coherente, incitando al movimiento físico y a un compromiso progresivo con la totalidad de su presencia material".

Otro de estas enmiendas se dirigió contra la obsesión de Greenberg y Fried por impulsar una pintura abstracta que no se ocupara de otra cosa que de la propia pintura como problema formal y del modo en que esta se distribuye por la superficie del soporte pictórico y se ciñe a los límites que éste marca. En definitiva, se trataba de cuestionar la idea de autorreferencialidad como sentido inquebrantable del arte. Ante ella se reacciona, de nuevo, flexibilizando las posturas e introduciendo numerosos ejemplos en los que los artistas apadrinados por estos críticos formalistas traicionaban la estricta norma que se les imponía. Así, se cita las evidentes sugerencias figurativas que se destapaban en la pintura de Willem de Kooning por el modo como éste introducía en ellas ciertos golpes de color, o el retroceso hacia modelos de expresión más ¡cónicos que experimentó Jackson Pollock en el último período de su carrera.

Esta tarea de desmontaje del discurso hegemónico sobre ciertos aspectos de la modernidad, incidiendo en aquellos enunciados que se daban como dogma, se ha convertido en uno de los objetivos principales de la posmodernidad. Sin embargo, su presencia no es ajena a la propia idea de modernidad. Ya decía Albert Camus, sobre los primeros poetas modernos como Rimbaud, que su obra demostraba un empeño por derribarlo todo, por la ruptura sistemática, pero que a la vez evidenciaba la "nostalgia desesperada de un orden".

 Enrique Brinkmann, MMX 11, aguafuerte, aguatinta y azúcar/papel

La dialéctica entre ruptura y orden, no entendidos ya como una contradicción, marca también la obra gráfica de Enrique Brinkmann. Igualmente la define su capacidad para reafirmar el rigor plástico del medio, expresándose a través de un discurso abstracto que no incurre en la autocomplacencia -en la que, afirmaba Crow, incurrió parte de la Escuela de Nueva York-. También es característico en sus grabados ese abandono de la fijeza y del carácter unitario de la pintura para proponer imágenes complejas, llenas de pequeños laberintos que, a modo de trama, resultan en un aguafuertes y aguatintas expansivos, casi rizomáticos. La metáfora neuronal, que años atrás se instaló en su obra, y la incorporación a su pintura de la malla metálica como superficie sobre la que trabajar, no hacían sino presagiar esta tendencia, que ahora es tan clara en los grabados, hacia la complejidad y la profundidad. Todo ello dentro de un lenguaje que, por lo demás, se presenta como bastante contenido.

Todas estas enmiendas profundas a la modernidad de corte greenbergiano, en las que anda inmerso Brinkmann desde hace décadas, no exigen de este artista más que una sobria combinación de recursos. Nada que ver con la aparatosidad que otros insurgentes frente a la modernidad dominante, estoy pensando en Tàpies, por ejemplo, portaban consigo. Mientras estos últimos se convertían en traidores a lo moderno mediante su desbordamiento, abrazando un nuevo barroquismo lleno de la teatralidad y el solapamiento de signos que aborrecía Greenberg, Brinkmann se propone hacer menos ruido.

También en su obra gráfica más reciente, de la que ahora se muestran la serie Barcelona, de 2008, y la serie MMX, de 2010, el artista destila esta sutileza que en él es, desde luego, una gran cualidad. Bajo las condiciones específicas del formato y de la técnica de estampación, estos trabajos mantienen intactos los valores más relevantes del quehacer de este autor. Se trata de aguatintas y aguafuertes que insisten en ese discurso antidogmático y transversal del último Brinkmann. Así, la profundidad se impone sobre la obsesión moderna por las formas planas; el dinamismo y la idea de recorrido de la mirada se autoafirma contra el paradigma del instante único descrito por Michael Fried; el detalle, formando una compleja red de conexiones, es el que conforma la imagen final; el trazo del artista, sin incurrir nunca en el amaneramiento, se muestra siempre, incluso cuando se trabaja con elementos geométricos como puntos o líneas; los grandes planos de color monocromo aparecen elementales, graves, pero siempre contrastados y contaminados por otros temas. Es así, casando trasgresión con sutileza, como el artista combate esa estrechez de miras que representa una cierta versión de la modernidad con la que él nunca se identificó.

Enrique Brinkmann

Obra Gráfica

Galería Carmen del Campo

C/ Conde de Robledo, 5, Córdoba

Hasta el 20 de noviembre